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Cuando escuchas algo como lo que hace esta banda y te das cuenta de lo que logra hacer Steven Wilson, poco queda por decir. Sin embargo, el infográfico no hace justicia a este disco. La combinación de jazz, fusión, progresivo, rock y hasta algo de folk si lo quieres escuchar, te dice, nuevamente, que encasillar la música es un error y casi una estupidez. He leído reseñas sobre este disco y cuando algo le huele a progresivo a algunos críticos, parecería que con una sola escuchada les aterroriza y lo ven mal. Mi recomendación: escuchen el disco, escuchen lo que hacen los instrumentos: Beggs y Minneman en la sección rítmica a veces hasta desaparecen lo cual para este disco y banda es todo un halago: finura y perfección en la ejecución; escuchen los teclados: moogs, hammonds, pianos rhodes a cargo tanto de Wilson como de Holzman dando profundidad, por favor, escuchen la flauta de Theo Travis, sus solos de sax y el clarinete; escuchen los arreglos de cuerda y, sobre todo este fondo, las guitarras de Govan y Wilson… así como las voces y sus armonías.

Tendrá que suceder algo maravilloso para la música para que este álbum deje de ser el mejor de este año y me atrevo a decirlo saliendo el disco apenas en Febrero.

(Por cierto, me refiero a algo maravilloso para la música como arte, no como industria: esos esfuerzos los escuchamos todos los días en radio, TV y -sobre todo- ¡Los vemos en los periódicos!: todo un desastre).

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Milagres
Glowing Mouth (Kill Rock Stars)
2011 [09.13]
[rock]
Site: http://milagresmusic.com
Eval: 5/5
Art(e): 

Tracks

  1. Halfway (3:54)
  2. Here To Stay (3:09)
  3. Glowing Mouth (6:28)
  4. Gentle Beast (3:56)
  5. Lost In The Dark (3:21)
  6. Fright Of Thee (3:08)
  7. Moon On The Sea’s Gate (4:06)
  8. Gone (3:09)
  9. For Disposal (4:47)
  10. To Be Imagined (4:05)
  11. Doubted (4:15)
Músicos/Musicians
  • Kyle Wilson – voz
  • Fraser McCulloch – bajo + voz
  • Eric Schwortz – guitarra + percusión + voz
  • Steven Leventhal – batería
  • Chris Brazee – teclados
Reseña/Review

Bastaron unos segundos de “Glowing Mouth” en emusic para rendirme a Milagres, banda de Brooklyn que ha estado trabajando desde 2006 y cinco años después entregan un álbum que ya quisiera cualquier banda establecida. Fue casi a la semana de salir que lo descubrí, compré el disco en línea y el sello Kill Rock Stars se apiadó de mi angustia con el download del disco en mp3… (¡Gracias!)

Con una diversidad impactante que va desde algo de psicodelia, algo de pop, realmente la sensación que te deja la banda, a pesar de la suavidad y lentitud de algunos tracks es que estás frente a una bandota de rock, porque es ese sentimiento de experimentar, de mezclar, de arreglar y atreverse lo que agradeces de la banda y lo que tendemos a llamar en el programa simple y llanamente rock, mucho ayudados por la voz de Wilson, llena de falsetes, quizá hasta abusando de ellos pero al mismo tiempo convirtiéndolos en un nuevo “efecto” como el que podría tener una guitarra para su instrumento, todo está en su lugar correcto.

Halfway y su arranque a base de teclados y voz en falsete a la que poco a poco y detrás de los sintetizadores se agrega la percusión, la guitarra y un bajo imperceptible… fué lo que ya me indicó que la selección y adquisición había valido la pena. Quizá el álbum que más me haya llamado la atención en un año donde salieron The King Of Limbs que tengo ya transparente de tocarlo y tocarlo, el Hardcore Will Never Die…, el Take Care al cubo y mucha más excelente música. Quizá fué volver a experimentar algo que tenía rato de no escuchar (misma cosa sucedió, pero con otra medida con el Skying de The Horrors o con el 2 de Black Country Communion).

Here To Stay, más light, más rápida, más pop hace el trabajo correcto para que puedas apreciar entre una excelente Halfway y EL track del disco: Glowing Mouth: lento, largo, construído -no tocado- a base de sintetizadores y la voz de Wilson que no puedes sacarte de la médula espinal, coros y lo etéreo que envuelve… Si solo escuchas un track -y no te lo recomiendo: escúchalo todo- es éste al que debes darle la oportunidad.

Gentle Beast, con un mood más “sofisticado”, también lento y -nuevamente- basado mucho en sonidos de sintetizadores

Con Lost In The Dark, los de Brooklyn parecen reencarnar una versión americana de Doves, ojo a las percusiones y a la batería que hacen un trabajo sencillo llenando un track que tiende (no lo es) a himno con un beat simplísimo… como muchas veces esperamos que sea.

El ataque suave a la guitarra, el pandero, y esa cierta lentitud que aparece en Fright Of Thee, donde la voz nuevamente muestra una versatilidad que te hace sentir que eres mudo, es apabullante… una excelente muestra de lo que hace Milagres, de las que tienen que estar entre las recomendadas… lo que es difícil en este disco.

Los arpegios “simples” con los que arranca Moon On The Sea’s Gate, donde parecería en el primer medio minuto que vas a escuchar con el fondo de pop el acento francés de Jacques Cousteau (exageré, sí… es lo bueno de ser el que escribe), se transforman en un track entre misterioso, quizá hasta melancólico, que sigue dando buenos resultados al conjunto del disco completo… noten las voces graves en algunos pasajes.

Gone regresa con un sentimiento más ligero, más iluminado, con las voces más agudas, que sin embargo le pueden faltar gotas de alegría ya que tiende a lo “hímnico”: los arreglos alrededor del track (ojo con la batería), terminan entregando una especie de pausa dentro del disco (de nuevo, ya quisieran lo que parece una pausa varias bandas y performers que andan por ahí preocupándose más por el look y la imposición de modas) que parecería extenderse un poco en For Disposal: pausada y adormecedora por momentos (nada dicho en tono negativo).

To Be Imagined se vuelve un poco más etérea (por la voz) y al mismo tiempo más angustiante (la batería parecería un reloj que te está midiendo el tiempo y te tiene a punto de despertar). Con pianos, aplausos y una guitarra un poco más sucia la banda genera otro acierto.

Y el disco termina con un track que parece haber salido del cerebro de Guy Garvey & Co. (hasta la voz se asemeja en momentos): Doubted, a base de notas de piano despreocupadas que van formando otro buen track con todo y arreglos de cuerdas por detrás: atención después de la mitad del track, cuando arrancan los platillos.

Quién iba a decir que de Brooklyn saliera una banda a la altura creativa de dos consentidos: Elbow y Doves, pueden agregar más a la lista, pero no las comparen (altura creativa no significa que suenen igual, significa quizá que la sensación que su arte te genera pueda ser similar), cada banda hace lo suyo y lo que te dejan es lo importante.

Disco recomendado.

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Radiohead
The King Of Limbs (Independiente: XL Recordings, tdb Records)
2011 [downloadable 02.18/touchable 03.28]
[rock]
Prod
: Nigel Godrich
Site: http://radiohead.com http://www.thekingoflimbs.com/
Eval: 4.5/5
Art(e): Stanley Donwood

Tracks

  1. Bloom (5:14)
  2. Morning Mr. Magpie (4:40)
  3. Little By Little (4:27)
  4. Feral (3:12)
  5. Lotus Flower (5:00)
  6. Codex (4:46)
  7. Give Up The Ghost (4:50)
  8. Separator (5:21)

Músicos/Musicians

  • Thom Yorke – voz + guitarras + teclados
  • Jonny Greenwood – guitarras + teclados
  • Ed O’Brien – guitarras
  • Colin Greenwood – bajo + programación + teclados
  • Philip Selway – batería

con/with

  • Noel Langley – flugelhorn (1,6)
  • Yazz Ahmed – flugelhorn (1,6)
  • The London Telefilmonic Orchestra (6)

Reseña/Review

Lo escuché varias veces, me esperé a tenerlo en formato manoseable para escucharlo en el estéreo lo mejor que pudiese: valió la pena.

Aunque tiene algunas estadísticas no muy promisorias: Desde The Bends este es el primer álbum que no llega a #1 en las listas (no lo ha hecho en ningún país) y el que tiene un menor puesto en las listas desde Pablo Honey. Lo único que me preocuparía es que esto le de alguna señal a la banda, que hasta ahora ha hecho caso omiso de este tipo de información: claro ha estado en los número 1 por mucho tiempo. Y con todo tipo de críticas al álbum (positivas y negativas) la banda sigue dando de qué hablar. ¿Lo bueno? A mí me gustó el álbum y es quizá el álbum que me volvió a regalar la sensación de ansiar la salida del trabajo de una banda… ¡Y lo disfruté, por más cosas extrañas que digan de la banda y de su música!

El álbum extiende lo generado en el In Rainbows, aunque de forma más etérea (y quizá hasta un poco más oscura y menos alegre o suave que en el anterior trabajo) con sus escasos 8 tracks que te dejan pidiendo por más (que saldrán en forma de EP’s seguramente, visiten el sitio del álbum: ya están Supercollider y The Butcher para quienes adquirieron a través del sitio) y es un álbum que seguramente agradará a fans y puede ser un descubrimiento para primerizos.

Bloom arranca el disco, con los ritmos aparentemente sincopados y donde los tambores parecen francamente programados (cuando la programación se nota por todos lados) y que a pesar de los flugelhorns que le dan una belleza a esa parte del track donde aparecen, puede no ser el comienzo esperado, lento, pausado pero definitivamente es Radiohead al mando.

Le da una introducción a la mucho más movida Morning Mr. Magpie, buenísima, la voz de Yorke convertida en un instrumento más -y el más reconocido- de la banda, entre gemidos, suspiros y angustias enmedio de un bajo increíble del Greenwood (Colin, el bajista, por supuesto) y con los punteos de las guitarras aderezados por los golpeteos de las batacas es una de los tracks que más he repetido. Lo toco y lo toco y no me canso.

Little By Little, de nuevo con el bajo en papel preponderante, pero aquí con una percusión que llena todos los espacios que la habitación donde estés te dejen (o para fines prácticos, lo que puedan llenar los diminutos earphones de tu ipod…) , mientras entra la voz en agudo de Yorke con las guitarras atrás haciendo de las suyas (cómo suenan bien y compenetradas las guitarras a lo largo del track, pónganles toda la atencion, cada una haciendo alguna travesura), se convierte en otro obligado del disco.

La velocidad del beat continúa en Feral, extrañísima, más sincopada, procesada, angustiosa que te mantiene al borde esperando cuándo comenzará la voz de Yorke a alentar todo como es su costumbre… pero no… el track sigue y sigue en el mismo beat entrecortado y mucho muy electrónico.

Con el cerebro todavía procesando entra lento pero contundente el bajo, las palmas, los sintetizadores sonidos y ruiditos por todos lados de Lotus Flower que Yorke había bosquejado desde el anterior trabajo solista, pero que con la banda adquiere otro nivel. Bajo y voz con ecos  llenan este track de alma propia y no se puede ya disasociar del vídeo con Yorke bailando en blanco y negro. Batería y demás sonidos son la cortina sonora que adorna el track. ¡Fabuloso!

Los sonidos de piano y la voz rasposa del inicio abren Codex, un track suave, lento, cadencioso, como lo han hecho antes. Atención a los alientos (flugelhorns) cuando entran mientras Yorke los sigue (¿O son los alientos los que tratan de seguir a Yorke?).

Nuevamente ruidos y sonidos varios inician otro increíble track: Give Up The Ghost, que enmedio de pajaritos, arranca con una voz aguda (que será parte del background musical a lo largo del track) que luego será acompañada por una guitarra acústica, mientras Yorke entra con su voz con ecos… y luego sonidos como de trompetas… Sería un atrevimiento decir que es mi track preferido… pero lo pondré un par de veces más antes de continuar.

¡Listo! El disco no puede acabar mejor: Separator tiene de todo comenzando por la batería que nuevamente parecería que está programada… pero es Selway con un timing impresionante. Noten, nuevamente el bajo, más refinado en esta ocasión: un track donde la banda hace más y de manera más orgánica y natural quizá que en el resto del disco. Escuchen, por ejemplo las guitarras que arrancan a la mitad del track y se van apoderando de parte del escenario, sin opacar el resto de lo que sucede.

No puedo asegurarlo, debemos respetar todas las ideas y diversidad de lo que se escribe afuera si esperamos el mismo tratamiento aquí, pero quien no disfruta este disco parecería ser que dejó atrás la capacidad de seguir a una banda, esperar su material y saber emocionarse, pero sobre todo disfrutar un álbum expresamente hecho para ello, corto, directo y al cerebelo. ¡Gracias para los de Oxford!

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Elbow
Build A Rocket Boys! (Fiction/Universal)
2011 [03.07]
[rock]
Prod: Craig Potter
Site: http://www.elbow.co.uk
Tracks: http://buildarocketboys.com/
Eval: 4/5
Art(e): Oliver East

Tracks

  1. The Birds (8:03)
  2. Lippy Kids (6:06)
  3. With Love (4:12)
  4. Neat Little Rows (5:39)
  5. Jesus Is A Rochdale Girl (3:18)
  6. The Night Will Always Win (4:24)
  7. High Ideals (5:39)
  8. The River (2:51)
  9. Open Arms (4:53)
  10. The Birds (Reprise) (1:31)
  11. Dear Friends (5:01)

Músicos/Musicians

  • Guy Garvey – voz, arreglos
  • Mark Potter – guitarras
  • Craig Potter – teclados
  • Pete Turner – bajo
  • Richard Jupp – batería

con/with

  • John Moseley – voz (10)
  • The Hallé Youth Choir – voz (coros) (2-3, 8-11)
  • Margit Van Der Zwan – cello (1,7,9)
  • Adrianne Wininsky – cello (1,9)
  • Stella Page – violín + viola (7)
  • Bob Marsh – trompeta & flugelhorn (7,11)

Reseña/Review

Elbow ha sido una banda -para muchos- difícil de seguir. Alguien alguna vez me dijo que cada disco le gustaba menos que el anterior. Yo, por mi parte me mantuve fiel, reconociendo que no había momentos brillantes en algunos discos, pero -para mí- ha sido una banda pegajosa y tanto que quizá es de la única de la cual tenga tantos EP’s, track de eventos y demás. Me faltará si acaso parafernalia como tazas y camisetas oficiales de la banda.

Dicho esto, es como deben leer la reseña y quizá por lo mismo no agregué medio punto más a la evaluación.

Desde The Seldom Seen Kid con la que ganaron finalmente un Mercury Prize, la banda dejó de estar a la sombra de otras como sus contemporáneaos Doves y surgir por sí misma ya sin comparaciones de los medios (a mí nunca me pareció mejor una banda que otra y disfruto a ambas). Y ha encontrado un camino que esperemos logre evolucionar o cambiar. Este quinto disco es una evolución quizá no muy perceptible y me ha gustado igual o más que el anterior.

Ya había escuchado y visto el vídeo de Neat Little Roads con el sonido clásico de la banda con un bajo intenso, sencillo pero intenso y la percusión que tiene su propia marca. Me gustó, pero creí que, como en otras ocasiones no habría muchas más igual de pegajosas…

… La sorpresa de arrancar con The Birds fué grata, terminó gustándome más y será otro clásico de la banda en mi memoria: el bajo te hace vibrar todas las fibras mientras las batacas están haciendo sus ruiditos pegando por todos lados y la voz de Garvey, inconfundible con todo y su forma de vocalizar te envuelven y arropan. Excelente el cambio cuando el track se llena de sonidos sintéticos que luego dan paso a la parte sinfónica del track que se percibe desde antes con los escondidos y profundos sonidos de cello. Excelente track…

Lippy Kids se antoja mucho más suave después de la pomposidad de The Birds, sin embargo va creciendo a base de coros (Build A Rocket Boys!) y suaves teclados, no por suave menos recomendable… y ayuda al balance del álbum.

Con el sonido acústico del piano por delante, With Love con coros, palmas, el bajo y el teclado sempiterno y agudo atrás de fondo hacen de este track otro de esos que se te pegan a los oídos como mosquitos… y con más alegría que el anterior, preparándote para el single, Neat Little Rows ese track que suena más poderoso, más contundente sobre todo en los pasajes del coro donde el piano eléctrico toma el escenario para sí y que es el que le da apellido de rock a la banda. Noten de cualquier forma la sección rítmica (el bajo sobre todo) cómo protagoniza sin estar al frente. Excelente trabajo de la banda.

… sigue una guitarra acústica y la voz más grave de Garvey en Jesus Is a Rochdale Girl otro track tranquilo, bueno que comienza poco a poco a llenarse de sonidos mientras el tom lleva un ritmo que sólo por la suavidad por que se toca parece más lento de lo que es y marca la pauta casi imperceptiblemente.

El mood se alenta más, bajando quizá demasiado el buen ritmo que traía el disco entre sus altibajos, con The Night Will Always Win, que sin ser un track malo, arrastra demasiado al álbum a algo que no es melancólico, no es triste necesariamente, son recuerdos con el crudo lenguaje que usa la banda siempre.

Las cosas mejoran sustancialmente con las trompetas y las guitarras de  High Ideals con sus armónicas y el sonido de la batería que empuja constantemente el track apoyado por el bajo mientras teclados y guitarras dan sus gritos por acá y por allá junto con los alientos (trompetas y flugelhorn) y cuerdas, otro track con la firma definitiva de la banda y que da un buen resultado, aunque para algunos pueda sonar algo pretencioso por lo sinfónico de su sonido. Lo disfruté muchísimo.

The River sí se siente melancólico y sin embargo, se entrega en un momento en el álbum en donde funciona, casi basado en piano y la voz de Garvey es un acierto que vale la pena con todo y su tono.

Sigue Open Arms que nuevamente a base de coros le mete ánimo y algo de alegría al álbum en otro buen track que por el mencionado coro se siente de alguna forma u otra más sinfónico, se “siente” un inexistente eco, pero deben ponerle atención a lo que hace la banda durante todo el track, atrás sin protagonismos, y entregando un sonido que aunque -por Garvey y su voz- suena a elbow, se percibe distinto, quizá evolucionado, quizá nada más arreglado de otra forma.

Un pequeño puente con The Birds ahora en coros y con otra voz (a capella comletamente) da pie al cierre que se da con Dear Friends que quizá debió ser un poco más energética, sin embargo es un arrullo de britpop que en su parte final te hace hasta flotar y que cierra de manera  razonable a un buen disco.

El disco no necesariamente será completamente radiable, hay cosas que pueden no ser energéticas, que suenan intimistas, en donde Garvey parece tomar parte del control con algunos arreglos y el uso de los coros, pero es un disco que vale la pena tener (en mi caso, se acumularán al resto de los de la banda y sus EP’s y rarezas). Si en algún momento, la banda dejó de sorprender como lo hizo con el tremendo Asleep In The Back, se ha recuperado con The Seldom Seen Kid y podría para algunos como yo, estar excediendo ese momento con este disco. Esperemos que no se abuse de la fórmula encontrada…

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Mogwai
Hardcore Will Never Die, But You Will (SubPop)
2011
[post rock]
Prod: Mogwai + Paul Savage
Site: http://mogwai.co.uk
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/mogwai
Eval: 4.5/5
Art(e): dlt w/photo by Antony Crook

Tracks

  1. White Noise (5:03)
  2. Mexican Grand Prix (5:17)
  3. Rano Pano (5:14)
  4. Death Rays (6:00)
  5. San Pedro (3:27)
  6. Letters To The Metro (4:40)
  7. George Square Thatcher Death Party (3:59)
  8. How To Be A Werewolf (6:22)
  9. Too Raging To Cheers (4:29)
  10. You’re Lionel Richie (8:29)
  11. Slight Domestic (5:35)

Músicos/Musicians

  • Dominic Attchison – bajo
  • Stuart Braithwaite – guitarra
  • Martin Bulloch – batería
  • John Cummings – guitarra + programación
  • Barry Burns – guitarra + teclados

con/with

  • Luke Sutherland – voz (2) + violín (1,2,9) + guitarra (1,3)
  • Domenico Lolacano – voz
  • Kate Braithwaite – voz
  • Andrew Lanzonby – voz
  • Kim Supajirawatananon – voz

Reseña/Review

Mogwai está cumpliendo 16 años en este 2011. Curiosamente son ellos los que nos dan el regalo con un disco con todos los síntomas de una ruidosa madurez. ¿Cómo le hacen para irse haciendo melódicos, experimentar y seguir siendo igual de ruidosos y cada vez aprecies más lo que hacen? No creo que pueda contestar esta pregunta escribiendo. Se debe escuchar lo que hacen… música del ruido… y buena música.

Uno de los mejores ejemplos y con lo que arranca el disco, White Noise es un arrullo que difícilmente te va a dejar tranquilo, y sin embargo arrulla. Aquí está la maravilla de la banda y lo que hace…cómo va construyendo lo que sucede con pequeñísimos cambios y cortinas ruidosas atrás… guitarras y teclados, mientras la sección rítmica parece que puede estar en medio de un torbellino y no les va a afectar nada… y al mismo tiempo pónganle atención tanto a la batería como al bajo… pura energía con lo mínimo necesario en el caso del último y pequeños fills del primero para el que quizá pueda ser mi track favorito del disco (que creo que en este caso es muy peligroso decirlo… casi todo está a la altura), la que no se me va a quitar de la cabeza y va a generar obsesión… pero vamos a continuar, porque el disco está buenísimo.

El loop trepidante y los teclados que casi te llevan a un juego de vídeo de los 80′s da pie a que entre el bajo y de nuevo se vaya construyendo un track cantado (bueno, susurrado)… al que luego se agregan voces procesadas (hasta a-la-daftpunk), aunque menos exageradas, mientras todo lo que va apareciendo en el track se suma y te entrega una energía increíble en Mexican Grand Prix insisto… buenísimo este disco.

La distorsión de guitarra con que comienza Rano Pano inunda la sala, no debería salir música de ahí y sin embargo se van agregando teclados, efectos, ruidos y una batería con contundencia y más distorsiones que a medida que de repente algunos de ellos se silencian logras apreciar mejor y sin embargo… ¡Hay música ahí!

Parecería que todo se calma con los primeros sonidos de Death Rays (sobre todo después de la distorsión anterior) y sus eléctricas arpegiadas, acompañadas de teclados esperando la entrada de una batería limpia y prístina que comienza a ser acompañada con un bajo discreto… poderosamente discreto si me logran entender. Un track en donde son los platillos los que meten el ruido que caracteriza a la banda… sí los platillos (en algún momento ayudados por los teclados). Un track interesantísimo, con mucha belleza y que se agradece, incluyendo los últimos dos minutos ya con la distorsión sello de la banda. ¡Éxtasis!

San Pedro se vuelve más rock, más “convencional” si es que la banda puede darse ese lujo en algún momento, más 4/4, más corto, más energético, parte del soundtrack de un viaje por carro o motocicleta, igual de ruidoso, excelente.

Los ruidos lo-fi iniciales, preparan la entrada del piano y la batería en Letters To The Metro, track que regresa al ruidoso valle de la tranquilidad en el vaivén que el álbum está entregando, un track suave gracias al piano y al uso de las escobetillas en la batería… buen track.

Como era de esperarse, después de la calma algo distinto vendría en el álbm: George Square Thatcher Death Party es otro track más emparentado al rock que al post, también cantado y con las voces procesadas que van creciendo con el track. La banda sigue jugando con tu cerebro, llevándote de una experiencia a otra…

… y sí, How To Be A Werewolf pasa su primer minuto entre percusiones que bien podrían estar simulando pasos, mientras la guitarra y sus pocos acordes iniciales parecerían temerle al track hasta que arranca la batería y los arpegios se van integrando más notas y todo se siente ya en su lugar entrando el bajo en un track mucho muy disfrutable.

De nuevo los teclados parecerían dar un toque de tranquilidad a Too Raging To Cheers, aguanten un poco a escuchar el violín que se agrega y le da otro tono al track que a partir de ahí comienza a levantar las distorsiones y eleva el ruido blanco y de todos colores al track que va fabulosa y ruidosamente en crescendo.

De nuevo llega la tranquilidad con todo y voces en off  (¿En italiano?) con You’re Lionel Richie, un track que comienza tranquilo, lleno de sonidos por todos lados con la guitarra de protagonista, que se queda prácticamente sola durante dos minutos antes de invocar nuevamente a la distorsión en un tono oscuro y pausado mientras se agregan más distorsiones que lo convierten en un himno majestuoso.

Nos dicen que la versión mexicana incluye en exclusiva el último track Slight Domestic, que les recomendaré en EP o como puedan conseguirlo a quienes tengan otra versión: pianos, sonidos de violín, al que en un minuto se van integrando batería, bajo y que forman una ruidosa sinfonía que cierra perfectamente esta versión del álbum. Es Mogwai, no pueden fallar… y este álbum tiene algo que me está haciendo ponerlo bastante veces más los últimos tres de la banda… algo hicieron y lo hicieron mejor.

Les dejamos como muestra un video cortesía de su sello actual SubPop en YouTube… Disfrútenlo

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Jon Anderson & Rick Wakeman
The Living Tree (Gonzo Multimedia)
2010
[progressive]
Prod
: Rick Wakeman + Jon Anderson + Erik Jordan
Site: www.rwcc.com & www.jonanderson.com
Eval: 4/5
Art(e): Mark Wilkinson

Tracks

  1. Living Tree (Part 1) (4:04)
  2. Morning Star (4:30)
  3. House Of Freedom (5:38)
  4. Living Tree (Part 2) (4:37)
  5. Anyway And Always (3:51)
  6. 23/24/11 (6:25)
  7. Forever (5:33)
  8. Garden (3:23)
  9. Just One Man (4:46)

Músicos/Musicians

  • Jon Anderson – voz
  • Rick Wakeman – teclados

Reseña/Review

Este disco lo descubrí el año pasado casi en su salida, aunque lo adquirí en formato electrónico al inicio. Mientras retomamos conversaciones con nuestro viejo amigo Mack Maloney (quien también había sacado álbum el año pasado) quien arregló una entrevista algo accidentada con Jon Anderson en la que platicamos de este disco para recibirlo al inicio de este año en CD. Gracias Mack y gracias Jon por la entrevista, pero sobre todo por la música.

La verdad es que en varias ocasiones hemos discutido, ya sea con el Grillo o con Chuy cómo nuestros ídolos podrían llegar a envejecer musicalmente y normalmente vamos apuntando a que debe llegar una edad en la que las cosas deben tranquilizarse un poco, en donde quizá las funciones motoras y/o vocales deben adaptarse al cambio provocado por la edad y -por ende- la música adecuarse también. A veces puede llegar a dar pena una banda que con miembros en sus 60′s anden dando brincos por todos lados: comenzarán las caídas y se puede arriesgar en lo físico. Por muy bien que a algunos les haya parecido el Black Ice de AC/DC, por ejemplo, las cosas ya no son lo mismo y terminas diciendo que aunque la música está bien… parecería que dijésemos que está bien para su edad. Verlos es otra cosa.

Otros músicos cambian el rumbo sabiamente y pueden seguir sacando música que llame a los fans de hueso colorado o bien que atraiga a otras audiencias, navegando en géneros o subgéneros más suaves…

Con Yes, sin embargo ocurre algo curioso: su música ha tendido a ser más “tranquila” aún y con joyas progresivas como Siberian Khatru, Machine Messiah o The Gates Of Delirium en donde la velocidad viene del virtuosismo de los integrantes, pero incluso ahí, la calma prevalece… Agreguen a esto que siempre ha habido temas realmente suaves en el repertorio de la banda… parecería que hay un camino o patrón natural para la madurez (o el envejecimiento si quieres) hecho para que varios que hemos seguido a la banda y a sus integrantes, sigamos disfrutando y envejeciendo con ellos.

Dicho lo anterior, no sería bueno quedarse con la idea de que este es un disco de Yes “UnSquired”, más bien estamos ante el trabajo de dos músicos que se conocen desde hace varios años ya y que deciden realizar una obra suave, bastante suave, pero no por eso no disfrutable: todo lo contrario. La vena progresiva está ahí, en un disco en donde sólo vas a escuchar la voz de Anderson y los teclados (muchas veces hasta discretos…. sí, escucharon bien, discretos) de Rick Wakeman en un disco que termina siendo un excelente compañero para cuando quieres estar tranquilo, escuchando música e incluso hasta pensando…

Sólo colocar el disco y escuchar las primeras notas de piano con telones de teclados que quieren pasar desapercibidos con la única intención de agregar profundidad a Living Tree (Part 1), inconfundible, sabes que todo está saliendo de los dedos impresionantes de Wakeman, que hace que tocar un teclado parezca la cosa más fácil (y que ya que intentas hacer algo parecido te sientes totalmente incapacitado). Entra el otro instrumento inconfundible: la voz de Anderson, que en estos tracks suaves, parecería a momentos que no ha perdido casi nada con el tiempo. Un track casi pastoral, que te deja con una sensación de tranquilidad, como mucho de lo que vas a escuchar en el disco.

Se da paso a un track más serio, más enigmático que en este caso podría llegar a ser un track del siguiente Yes, quizá hasta en cámara lenta, aunque es el que trata de escucharse más rock, más de volver a las raíces: Morning Star.

House Of Freedom, sigue con el mood del primer track… pausado, tranquilo, recordando los años de Anderson con Vangelis de alguna u otra forma…

Living Tree (Part 2) parece exhibir lo mejor de los años solistas de ambos músicos, sí es una continuación de la primera parte, pero y a estas alturas del disco, donde ya se descubre de lo que se trata, el sonido, el mood y todo lo que escuchas hace sentido y se mantiene con Anyway And Always y su sonido más sinfónico a cargo -todo el tiempo- de los teclados de Wakeman: un track a ponerle atención.

Forever parecería una tercera parte de Living Tree, por lo que parecería hasta cierto punto monótono en algún momento, sin embargo, ya hacia la mitad vuelve a aparecer la magia de los músicos cambiando las cosas (siempre dentro de la suavidad de todo el álbum).

Hay dos tracks en el disco que hacen una diferencia grande (e incluso comercialmente hablando podrían ser bien recibido): 23/24/11 uno de los mejores logrados por el dueto y la ligera Garden, casi un arrullo para niños… una maravilla de esas que te dejan flotando y viendo todo color de rosa.

El disco cierra con Just One Man sin cambiar en absoluto nada en el disco, y -como dije antes- dejándote con una tranquilidad pasmosa que quizá algunos necesitamos enmedio de estos tiempos violentos que estamos pasando.

Sí tuve que darle varias vueltas al disco, y en cada una fuí apreciando más y queriendo más la música de este par que son parte de mi DNA musical…

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Sr. González y Los Cuates De La Chamba
Un Mundo Frágil (Antídoto/Fonarte)
[pop]
2011
Prod: Sr. González
Site: http://www.myspace.com/srglez
Tracks @ ReverbNation: http://www.reverbnation.com/srgonzalez
Eval: 4/5
Art(e): Claudia Sánchez

Tracks

  1. Embrujos (3:20)
  2. Todo Va A Estar Bien (4:08)
  3. Señor Árbol (4:23)
  4. Flores Rotas (4:01)
  5. Mala Yerba (3:19)
  6. Un Mundo Frágil (3:23)
  7. Tehuana (2:19)
  8. Un País (4:56)
  9. Dios Sabe (3:29)
  10. El Final (1:26)
  11. Entre sueños (4:53)
  12. La Mar (2:27)
  13. Puma Viejo (5:01)
  14. Perdonar (4:10)
  15. Epidemia Feliz (3:34)
  16. Un Ángel (2:23)
  17. Mira Diego (6:28)

Músicos/Musicians

  • Sr. González – voz + percusion + programación + piano (15) + xilófono (8)
  • Fratta – bajo
  • Santiago Ortíz – batería
  • Alex Otaola – guitarras
  • Eduardo Dyer – piano (1,4, 11, 12, 14, 17)

con/with

  • María Urtusuástegui – voz (5, coro 1)
  • Laura Vázquez – voz (2)
  • Fernando Rivera Calderón – voz (7, coro 9)
  • Natalia González Colmenares – voz (10, coro 9)
  • Malena Durán – voz (16)
  • Alejandro Tello – oboe (6,7)
  • Leonel Pérez – cello (2,8)
  • Karina Cortés – violín (2,8)
  • Enrique Castro – marimba (7) + vibráfono (9)
  • Juan Cristóbal Pérez Grobet – contrabajo (4,6,12)
  • Robert Santamaría – santur (6) + saz (13) + kanun (13)
  • Margarita Díaz Del Castillo – flauta (12) + cítara (13)
  • María Emilia – voz (coro 9) +  flauta (6,14)
  • Ulises Hadjis – guitarra (14)
  • Adrián López – guitarra (8, 15)
  • Armando Vega Gil – voz (coro 5,15,17, locución 3)
  • Francisco Barrios – voz (coro 5,15,17)
  • Chatrán – percusión (8,12,16,17) + olla (6)
  • Mike Nieto – batería (17)
  • Moisés Palacios – voz (presentador 5, coro 9, narrador 12)

Reseña/Review

Después de más de tres años en los que salió su proyecto El Grao (también con los cuates de la chamba) en un experimento por innovar en modelos económicos y de complicaciones de salud, el Sr. González regresa con un álbum que hoy salió en iTunes y la próxima semana en artículo manoseable. ¡Enhorabuena y bienvenido de regreso!

El disco arranca con un sonido clásico del Sr. González (podría bien ser una continuación de El Grao incluso), Embrujos con un pop rock jazzeado lleno de teclados y coros femeninos (ritmo, percusiones y cencerro dándole un sutil toque latinoamericano… buqué apenas perceptible. Excelente comienzo…. embrujos al oído. Noten la sección rítmica… aquí y en varios otros tracks, tanto Santiago Ortiz como Fratta realizan un trabajo tremendo a lo largo de los tracks en los que están presentes.

El mood y sonido continúan con Todo Va A Estar Bien aunque se engrandece y eleva con los sonidos sinfónicos de arreglos de cuerda y la voz suave, tremenda y entrecortada para el track de Laura Vázquez (“como ssho lo haré”). Disfrutable y mucho.

Las cosas toman velocidad con pequeñas distorsiones de guitarra, sonidos que hay que poner atención por todos lados cortesía del Sr. González y esa manía de golpear todo (pongan atención a lo largo de todo el álbum) en Señor Árbol, más rock, más divertida, con todo y los coros del último minuto que de forma graciosa intentan agregar un toque de seriedad.

Flores Rotas cambia el mood con un ritmo y piano melancólicos envueltos por percusiones que latinizando, aumentan la melancolía de la canción de flores marchitas y recuerdos que estristecen. Buen track, y eso sin ser el lado que más me agrade de la música del Sr. González…

Con todo y la presentación inicial, carcajadas lúgubres, la mala fama de Fratta, los gritos y lo divertido de la música, en Mala Yerba puede haber reflexión en este track ágil y que presenta un lado más electrónico del Sr. González y sus cuates. Enmedio de la aparente diversión, se da pie a otro track reflexivo y donde se explora musicalmente: el santur y los teclados, junto con el oboe le dan un track de misterio y oscuridad a Un Mundo Frágil, de lo más interesante del álbum y que se continúa como en un mismo track con Tehuana, siguiendo el mood oscuro que envuelve esta parte del álbum.

Aparece la protesta y la reflexión ya no interior en Un País, un track bien logrado en las letras y con un soundtrack excelente por todos lados y al que hay que ponerle toda la atención: un track pausado, sin trepidaciones, con cellos y violines dosificados con la contundencia y el alma de batería y bajo cimentando todo como debe ser. Buenísimo track.

Por alguna razón tardé -con todo y el título- en recordar a God Only Knows de The Beach Boys en el cover que hace el Sr. González, con buenos resultados en Dios Sabe. Poco más que decir, más que ponerle atención a todos los arreglos, un track que te lleva a flotar en medio de letras que se resumen en un agradecimiento.

Buenísimo, pero demasiado corto El Final, otro track electrónico que si de lo que se trataba era de dejarte pidiendo por más, se logró. El track se desvanece al tiempo que comienza Entre Sueños, un arrullo que crece para rockear enmedio de sonidos de piano y guitarras acústicas que se acomodan para crecer el track… tremendo.

El piano y unas sólidas percusiones acompañan la narración con fuertes respiraciones a cargo de Moisés Palacios en un lounge fabuloso: La Mar.

Sonidos fusionados de electrónica, oriente (cítara por sobre todo, aunque las guitarras hacen lo suyo) tribales (el ritmo programado básico, casi prehispánico) y rock construyen un Puma Viejo que invita a seguir su ritmo con lo que puedas: cabeza, pie, manos, lo que sea, en otro excelente track. Qué bueno que se puede disfrutar y que todavía se genera esta música.

La flauta toma el escenario al inicio de Perdonar, track pausado, suave llenado por el piano, los coros, de donde provengan y las incursiones de la flauta. Todo para cambiar nuevamente a un track más ligero, más divertido que es Epidemia Feliz, con toques a veces infantiles (en el coro y cortesía en mucho por los sonidos tubulares de campanas) con todo y exaltaciones de ¡Síiii! y los !Wuuuuu!.

Las percusiones se apoderan de la habitación (o de tus audífonos, según sea el caso) mientras se desarrolla Un Ángel con las voz de Malena Durán… track de tintes casi tropicales… recordándome por alguna razón playas, hamacas y palmeras con cocos. Excelente viaje a base únicamente de percusión y voz (y algunos detalles secuenciados).

El disco finaliza con más electrónica y fusión en un track que quizá hasta llegaba a hacer falta para darle un toque de pura diversión y entretenimiento… en donde una y otra vez (electrónica al fin) se repite una sola frase… A notarse las guitarras distorsionadas y -por supuesto- las percusiones… Mira Diego.

Como dije al inicio… buen regreso … y de nuevo, ¡Gracias por la música!

 

Revisar también / See Also

 

 

 


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Rotor
4 (Elektrohasch)
2010
[stoner rock]
Prod:
Site: http://www.rotorotor.de
Tracks@MySpace: http://www.myspace.com/rotorberlin
Eval: 4/5
Arte: Daniela Uhlig

Tracks

  1. Präludium c.v. (0:39)
  2. Gnade Dir Gott (3:56)
  3. Karacho/Heizer (3:05)
  4. An3R4 (4:54)
  5. Costa Verde (4:20)
  6. Derwisch (5:05)
  7. Drehmoment (6:17)
  8. Die Weisse Angst (7:49)
  9. Neatz Brigade (5:54)

Músicos/Musicians

  • - bajo
  • - guitarra
  • - batería

con/with

Reseña

Esta es la cuarta entrega de la banda berlinesa. Lo hace en esa joya que es Elektrohasch y nos da un disco realmente tremendo. Es mi primer aproximación a una banda que hace música desde 1998 y fué un feliz encuentro.

El disco arranca con un preludio suave, que no te hace imaginar lo que sigue (aunque sabiendo que viene de Elektrohasch, esto le pone suspenso a la experiencia).

Lo sigue un  Gnade Dir Gott impresionante, distorsionado, stoner a más no poder, violento y contundente. Lo que se esperaba después de las acústicas del preludio (y no le fallé… si viene etiquetado como stoner y viene de Elektrohasch, esto es lo que vas a escuchar). Dentro del track hay chispazos kingcrimsonianos a-la-discipline. Los músicos se escuchan bastante integrados y el resultado es fenomenal.

Karacho/Heizer, que continúa el track anterior sin que nada pare se escucha mucho más en el lado del metal. Excelentes dúos bajo-guitarra y con un beat más trepidante que en Gnade…, un agasajo de lo que cada uno de los músicos va haciendo en pareja o bien en conjunto.

An3R4 que aunque menos evidente, parece una continuación del track anterior, va creciendo en volumen, mientras arranca con todo y vocales, la banda se auto-anuncia como generadora de música instrumental. Si están irrumpiendo en la actividad del canto. Lo hacen muy bien, yo diría sobresaliente, con un track que tiende más al metal convencional (un par de tintes de thrash) pero que sigue en su onda stoner. Buenísimo y lleno de energía, contrastando con unas vocales que son un instrumento más en la música, hacen las veces de guitarras o bajos… interesante track.

El track que les puede llevar a más audiencia que la stoner o de metal (si es que en algún momento se quisieran mover de lo que hacen tan bien) podría ser Costa Verde, la que tiene un preludio inicial y que si programas para escuchar una tras otra, te da el track completo y muy bueno: Un track que dentro del disco se puede sentir menos intenso que el resto, peor créanme que esto de ninguna forma quiere decir algo malo: por el contrario, la banda hace un excelente trabajo y navega por psicodelia y fusión en mi track favorito del disco.

Derwisch, regresa a los orígenes, qué bien lo hacen… guitarras distorsionadas mezcladas con guitarras llenas de wah-wahs y la sección rítmica a todo lo que da (se le pega durísimo a los tambores y -como debe de ser- todos al unísono).

Las cosas se ponen igual de interesantes con un track nuevamente más en la onda de metal convencional en Drehmoment, de hecho, un track con inmensos tintes progresivos (de progmetal, si gustan) que no te deja descansar e inspira un air-drumming o air-whateverinstrumentyouwanttofollow, buenísimo. Maestría instrumental alemana. De los tracks a los que hay que ponerle toda la atención.

Con su oscurísimo comienzo (notas arpegiadas de una guitarra lenta que erizan la piel durante dos minutos antes de que aparezca la batería que continúa la angustia) Die Weisse Angst es uno de los tracks stoner por excelencia en el álbum, donde  lentamente, la banda crea un track eterno, quizá no tan intenso como otros, pero no por ello menos disfrutable.

El disco finaliza con Neatz Brigade otro buen track cantado (y con buenos resultados) donde los tres instrumentos en fugaces momentos llegan a parecer uno en un género que no necesariamente da por sentada esta capacidad/habilidad/marca y que Rotor hace suyos en varios de los tracks. Dales una oportunidad, prepara tus oídos porque aunque es para escucharse con altos volúmenes, 4 puede llegar a tocar alguno de los sistemas en tu organismo: el motor, el límbico y hasta el cardíaco.

¡Feliz Rock!

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Highway Child
Sanctuary Come
(Elektrohasch)
2010 Original 2009.03.23
[rock]
Prod:
Site: http://www.highwaychild.dk
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/highwaychilddk
Eval: 4.5/5
Art(e):

Tracks

  1. Red, White And Blue (2:17)
  2. In The End (4:00)
  3. When The Sun Burned The Ground (4:21)
  4. Sanctuary Come (2:46)
  5. Once Is Once Too Much (4:31)
  6. Turn Me On (3:48)
  7. Dear Girl (2:36)
  8. You You You (2:56)
  9. Take You Down (2:28)
  10. Born On The Run (10:40)

Músicos/Musicians

  • Patrick – voz
  • Paw – guitarras
  • Christian – bajo
  • Andreas – batería

con/with

Reseña/Review

Elektrohasch, excelente sello alemán especializado en stoner rock y psicodelia realmente ha estado haciendo el trabajo publicando bandas que están haciendo buena música (gracias a Zygmatron Promotions). Normalmente no es música comercial, sin embargo creo que con Highway Child pueden encontrar una verdadera mina de hits.

Los daneses se dedican a hacer una psicodelia estupenda en Sanctuary Come, he visto el tag de garage rock, pero francamente la banda va bastante más allá (sin menospreciar al garage rock).

El disco arranca con la energía tremenda de una guitarra distorsionada con Red, White and Blue, mientras aparece una voz estupenda que llega a recordar a Toine van der Meijden de la banda holandesa Aemen por momentos, sin embargo hay más crudeza y rudeza cuando se necesitan. Este es el track que quizá podría atraer la etiqueta de garage, sin embargo esta se desvanece casi en ese mismo track al finalizar con efectos en guitarras y el track transita a In The End… totalmente psicodelia con una pizca de stoner y uno de mis tracks favoritos: noten las voces en todo momento, percusiones y la simpleza del riff de la guitarra y todos los efectos alrededor… oda psicodélica.

Highway Child se llena de teclados, baja un poco el tempo y de cualquier forma atrapa, se pega y la traes en la cabeza más tiempo del que quizá deberías… el bajo también contribuye… otro excelente track.

Sobre un piano inocente y tras la voz que vuelve a recordar a Aemen, sin coincidir con la música, en un track de corte inglés hasta que escuchas el nombre del track, Sanctuary Come da un pequeño respiro sobre lo que se viene escuchando al momento intercalándose muy bien en el disco.

Con una sofisticación en crudo, Once Is Once Too Much y sus acústicas combinadas con las eléctricas comienza de nuevo a calentar motores sin la energía de los primeros tracks, pero con la misma contundencia e in crescendo que te va preparando para un siguiente track que esperas más rápido, con más energía y que nos regalan en Turn Me On, un track para el concierto… para estadios (que esperemos que en algún momento llene la banda) aquí la sección rítmica hace un excelente trabajo, dando paso al requinteo salvaje y a la vez suave mientras que la voz se aprovecha al límite con grito y algunas inflexiones a la Plant… excelente track también… difícil escoger entre tanto buen track.

El ánimo vuelve a cambiar con las acústicas y lo que podría ser (no los engaño, no lo es) una especie de track de hard rock acústico estilo americano (el que nunca falta en ciertas bandas americanas), pero aderezado por un acento europeo y con una correcta ejecución suficiente para no convertirlo en una caricatura… es Dear Girl.

El mood Plant (que no necesariamente la voz) se vuelven a poner a tono en un track bastante más movido, lleno de palmadas, 1, 2, 3′s y muchos otros clichés bien llevados que creciendo poco a poco son otro posible ejemplo de garage, pero psicodelizado (con cambios de tiempo y toda la cosa) en mi track favorito por lo simple y la sensación que deja al final You You You.

Take You Down arranca con un bajo crudo, simple que se clava en el cerebelo al inicio y que al unírsele voz y guitarras toma toda la forma de otro buen track de rock abluesado junto con las palmas de las manos y la batería.

Cerramos el disco con lo que, sin serlo, podría hacer las veces de la balada necesaria, acústica, que igualmente abluesada despide el disco en la tranquilidad después de una tormenta de sonidos que llenaron y que hicieron de Sanctuary Come una delicia… Born On The Run.

Esta reseña la comencé en Septiembre del 2010… sí, me retrasé pero aquí está uno de los mejores discos que recibimos el año pasado (aunque originalmente es de 2009). Espero con ansias el siguiente ejemplar de la banda.

In The End by Highway Child

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