United Kingdom/Reino Unido/UK

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Radiohead: The King Of Limbs

April 25, 2011 in 2011, Rock, United Kingdom/Reino Unido/UK by Ciro Velazquez | No comments

Radiohead
The King Of Limbs (Independiente: XL Recordings, tdb Records)
2011 [downloadable 02.18/touchable 03.28]
[rock]
Prod: Nigel Godrich
Site: http://radiohead.com http://www.thekingoflimbs.com/
Eval: 4.5/5
Art(e): Stanley Donwood

Tracks

  1. Bloom (5:14)
  2. Morning Mr. Magpie (4:40)
  3. Little By Little (4:27)
  4. Feral (3:12)
  5. Lotus Flower (5:00)
  6. Codex (4:46)
  7. Give Up The Ghost (4:50)
  8. Separator (5:21)

Músicos/Musicians

  • Thom Yorke – voz + guitarras + teclados
  • Jonny Greenwood – guitarras + teclados
  • Ed O’Brien – guitarras
  • Colin Greenwood – bajo + programación + teclados
  • Philip Selway – batería

con/with

  • Noel Langley – flugelhorn (1,6)
  • Yazz Ahmed – flugelhorn (1,6)
  • The London Telefilmonic Orchestra (6)

Reseña/Review

Lo escuché varias veces, me esperé a tenerlo en formato manoseable para escucharlo en el estéreo lo mejor que pudiese: valió la pena.

Aunque tiene algunas estadísticas no muy promisorias: Desde The Bends este es el primer álbum que no llega a #1 en las listas (no lo ha hecho en ningún país) y el que tiene un menor puesto en las listas desde Pablo Honey. Lo único que me preocuparía es que esto le de alguna señal a la banda, que hasta ahora ha hecho caso omiso de este tipo de información: claro ha estado en los número 1 por mucho tiempo. Y con todo tipo de críticas al álbum (positivas y negativas) la banda sigue dando de qué hablar. ¿Lo bueno? A mí me gustó el álbum y es quizá el álbum que me volvió a regalar la sensación de ansiar la salida del trabajo de una banda… ¡Y lo disfruté, por más cosas extrañas que digan de la banda y de su música!

El álbum extiende lo generado en el In Rainbows, aunque de forma más etérea (y quizá hasta un poco más oscura y menos alegre o suave que en el anterior trabajo) con sus escasos 8 tracks que te dejan pidiendo por más (que saldrán en forma de EP’s seguramente, visiten el sitio del álbum: ya están Supercollider y The Butcher para quienes adquirieron a través del sitio) y es un álbum que seguramente agradará a fans y puede ser un descubrimiento para primerizos.

Bloom arranca el disco, con los ritmos aparentemente sincopados y donde los tambores parecen francamente programados (cuando la programación se nota por todos lados) y que a pesar de los flugelhorns que le dan una belleza a esa parte del track donde aparecen, puede no ser el comienzo esperado, lento, pausado pero definitivamente es Radiohead al mando.

Le da una introducción a la mucho más movida Morning Mr. Magpie, buenísima, la voz de Yorke convertida en un instrumento más -y el más reconocido- de la banda, entre gemidos, suspiros y angustias enmedio de un bajo increíble del Greenwood (Colin, el bajista, por supuesto) y con los punteos de las guitarras aderezados por los golpeteos de las batacas es una de los tracks que más he repetido. Lo toco y lo toco y no me canso.

Little By Little, de nuevo con el bajo en papel preponderante, pero aquí con una percusión que llena todos los espacios que la habitación donde estés te dejen (o para fines prácticos, lo que puedan llenar los diminutos earphones de tu ipod…) , mientras entra la voz en agudo de Yorke con las guitarras atrás haciendo de las suyas (cómo suenan bien y compenetradas las guitarras a lo largo del track, pónganles toda la atencion, cada una haciendo alguna travesura), se convierte en otro obligado del disco.

La velocidad del beat continúa en Feral, extrañísima, más sincopada, procesada, angustiosa que te mantiene al borde esperando cuándo comenzará la voz de Yorke a alentar todo como es su costumbre… pero no… el track sigue y sigue en el mismo beat entrecortado y mucho muy electrónico.

Con el cerebro todavía procesando entra lento pero contundente el bajo, las palmas, los sintetizadores sonidos y ruiditos por todos lados de Lotus Flower que Yorke había bosquejado desde el anterior trabajo solista, pero que con la banda adquiere otro nivel. Bajo y voz con ecos  llenan este track de alma propia y no se puede ya disasociar del vídeo con Yorke bailando en blanco y negro. Batería y demás sonidos son la cortina sonora que adorna el track. ¡Fabuloso!

Los sonidos de piano y la voz rasposa del inicio abren Codex, un track suave, lento, cadencioso, como lo han hecho antes. Atención a los alientos (flugelhorns) cuando entran mientras Yorke los sigue (¿O son los alientos los que tratan de seguir a Yorke?).

Nuevamente ruidos y sonidos varios inician otro increíble track: Give Up The Ghost, que enmedio de pajaritos, arranca con una voz aguda (que será parte del background musical a lo largo del track) que luego será acompañada por una guitarra acústica, mientras Yorke entra con su voz con ecos… y luego sonidos como de trompetas… Sería un atrevimiento decir que es mi track preferido… pero lo pondré un par de veces más antes de continuar.

¡Listo! El disco no puede acabar mejor: Separator tiene de todo comenzando por la batería que nuevamente parecería que está programada… pero es Selway con un timing impresionante. Noten, nuevamente el bajo, más refinado en esta ocasión: un track donde la banda hace más y de manera más orgánica y natural quizá que en el resto del disco. Escuchen, por ejemplo las guitarras que arrancan a la mitad del track y se van apoderando de parte del escenario, sin opacar el resto de lo que sucede.

No puedo asegurarlo, debemos respetar todas las ideas y diversidad de lo que se escribe afuera si esperamos el mismo tratamiento aquí, pero quien no disfruta este disco parecería ser que dejó atrás la capacidad de seguir a una banda, esperar su material y saber emocionarse, pero sobre todo disfrutar un álbum expresamente hecho para ello, corto, directo y al cerebelo. ¡Gracias para los de Oxford!

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Elbow: Build A Rocket Boys!

March 27, 2011 in 2011, Rock, United Kingdom/Reino Unido/UK by Ciro Velazquez | 2 comments

Elbow
Build A Rocket Boys! (Fiction/Universal)
2011 [03.07]
[rock]
Prod: Craig Potter
Site: http://www.elbow.co.uk
Tracks: http://buildarocketboys.com/
Eval: 4/5
Art(e): Oliver East

Tracks

  1. The Birds (8:03)
  2. Lippy Kids (6:06)
  3. With Love (4:12)
  4. Neat Little Rows (5:39)
  5. Jesus Is A Rochdale Girl (3:18)
  6. The Night Will Always Win (4:24)
  7. High Ideals (5:39)
  8. The River (2:51)
  9. Open Arms (4:53)
  10. The Birds (Reprise) (1:31)
  11. Dear Friends (5:01)

Músicos/Musicians

  • Guy Garvey – voz, arreglos
  • Mark Potter – guitarras
  • Craig Potter – teclados
  • Pete Turner – bajo
  • Richard Jupp – batería

con/with

  • John Moseley – voz (10)
  • The Hallé Youth Choir – voz (coros) (2-3, 8-11)
  • Margit Van Der Zwan – cello (1,7,9)
  • Adrianne Wininsky – cello (1,9)
  • Stella Page – violín + viola (7)
  • Bob Marsh – trompeta & flugelhorn (7,11)

Reseña/Review

Elbow ha sido una banda -para muchos- difícil de seguir. Alguien alguna vez me dijo que cada disco le gustaba menos que el anterior. Yo, por mi parte me mantuve fiel, reconociendo que no había momentos brillantes en algunos discos, pero -para mí- ha sido una banda pegajosa y tanto que quizá es de la única de la cual tenga tantos EP’s, track de eventos y demás. Me faltará si acaso parafernalia como tazas y camisetas oficiales de la banda.

Dicho esto, es como deben leer la reseña y quizá por lo mismo no agregué medio punto más a la evaluación.

Desde The Seldom Seen Kid con la que ganaron finalmente un Mercury Prize, la banda dejó de estar a la sombra de otras como sus contemporáneaos Doves y surgir por sí misma ya sin comparaciones de los medios (a mí nunca me pareció mejor una banda que otra y disfruto a ambas). Y ha encontrado un camino que esperemos logre evolucionar o cambiar. Este quinto disco es una evolución quizá no muy perceptible y me ha gustado igual o más que el anterior.

Ya había escuchado y visto el vídeo de Neat Little Roads con el sonido clásico de la banda con un bajo intenso, sencillo pero intenso y la percusión que tiene su propia marca. Me gustó, pero creí que, como en otras ocasiones no habría muchas más igual de pegajosas…

… La sorpresa de arrancar con The Birds fué grata, terminó gustándome más y será otro clásico de la banda en mi memoria: el bajo te hace vibrar todas las fibras mientras las batacas están haciendo sus ruiditos pegando por todos lados y la voz de Garvey, inconfundible con todo y su forma de vocalizar te envuelven y arropan. Excelente el cambio cuando el track se llena de sonidos sintéticos que luego dan paso a la parte sinfónica del track que se percibe desde antes con los escondidos y profundos sonidos de cello. Excelente track…

Lippy Kids se antoja mucho más suave después de la pomposidad de The Birds, sin embargo va creciendo a base de coros (Build A Rocket Boys!) y suaves teclados, no por suave menos recomendable… y ayuda al balance del álbum.

Con el sonido acústico del piano por delante, With Love con coros, palmas, el bajo y el teclado sempiterno y agudo atrás de fondo hacen de este track otro de esos que se te pegan a los oídos como mosquitos… y con más alegría que el anterior, preparándote para el single, Neat Little Rows ese track que suena más poderoso, más contundente sobre todo en los pasajes del coro donde el piano eléctrico toma el escenario para sí y que es el que le da apellido de rock a la banda. Noten de cualquier forma la sección rítmica (el bajo sobre todo) cómo protagoniza sin estar al frente. Excelente trabajo de la banda.

… sigue una guitarra acústica y la voz más grave de Garvey en Jesus Is a Rochdale Girl otro track tranquilo, bueno que comienza poco a poco a llenarse de sonidos mientras el tom lleva un ritmo que sólo por la suavidad por que se toca parece más lento de lo que es y marca la pauta casi imperceptiblemente.

El mood se alenta más, bajando quizá demasiado el buen ritmo que traía el disco entre sus altibajos, con The Night Will Always Win, que sin ser un track malo, arrastra demasiado al álbum a algo que no es melancólico, no es triste necesariamente, son recuerdos con el crudo lenguaje que usa la banda siempre.

Las cosas mejoran sustancialmente con las trompetas y las guitarras de  High Ideals con sus armónicas y el sonido de la batería que empuja constantemente el track apoyado por el bajo mientras teclados y guitarras dan sus gritos por acá y por allá junto con los alientos (trompetas y flugelhorn) y cuerdas, otro track con la firma definitiva de la banda y que da un buen resultado, aunque para algunos pueda sonar algo pretencioso por lo sinfónico de su sonido. Lo disfruté muchísimo.

The River sí se siente melancólico y sin embargo, se entrega en un momento en el álbum en donde funciona, casi basado en piano y la voz de Garvey es un acierto que vale la pena con todo y su tono.

Sigue Open Arms que nuevamente a base de coros le mete ánimo y algo de alegría al álbum en otro buen track que por el mencionado coro se siente de alguna forma u otra más sinfónico, se “siente” un inexistente eco, pero deben ponerle atención a lo que hace la banda durante todo el track, atrás sin protagonismos, y entregando un sonido que aunque -por Garvey y su voz- suena a elbow, se percibe distinto, quizá evolucionado, quizá nada más arreglado de otra forma.

Un pequeño puente con The Birds ahora en coros y con otra voz (a capella comletamente) da pie al cierre que se da con Dear Friends que quizá debió ser un poco más energética, sin embargo es un arrullo de britpop que en su parte final te hace hasta flotar y que cierra de manera  razonable a un buen disco.

El disco no necesariamente será completamente radiable, hay cosas que pueden no ser energéticas, que suenan intimistas, en donde Garvey parece tomar parte del control con algunos arreglos y el uso de los coros, pero es un disco que vale la pena tener (en mi caso, se acumularán al resto de los de la banda y sus EP’s y rarezas). Si en algún momento, la banda dejó de sorprender como lo hizo con el tremendo Asleep In The Back, se ha recuperado con The Seldom Seen Kid y podría para algunos como yo, estar excediendo ese momento con este disco. Esperemos que no se abuse de la fórmula encontrada…

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Mogwai: Hardcore Will Never Die, But You Will

March 21, 2011 in 2011, Electronic, Post, Rock, United Kingdom/Reino Unido/UK by Ciro Velazquez | 2 comments

Mogwai
Hardcore Will Never Die, But You Will (SubPop)
2011
[post rock]
Prod: Mogwai + Paul Savage
Site: http://mogwai.co.uk
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/mogwai
Eval: 4.5/5
Art(e): dlt w/photo by Antony Crook

Tracks

  1. White Noise (5:03)
  2. Mexican Grand Prix (5:17)
  3. Rano Pano (5:14)
  4. Death Rays (6:00)
  5. San Pedro (3:27)
  6. Letters To The Metro (4:40)
  7. George Square Thatcher Death Party (3:59)
  8. How To Be A Werewolf (6:22)
  9. Too Raging To Cheers (4:29)
  10. You’re Lionel Richie (8:29)
  11. Slight Domestic (5:35)

Músicos/Musicians

  • Dominic Attchison – bajo
  • Stuart Braithwaite – guitarra
  • Martin Bulloch – batería
  • John Cummings – guitarra + programación
  • Barry Burns – guitarra + teclados

con/with

  • Luke Sutherland – voz (2) + violín (1,2,9) + guitarra (1,3)
  • Domenico Lolacano – voz
  • Kate Braithwaite – voz
  • Andrew Lanzonby – voz
  • Kim Supajirawatananon – voz

Reseña/Review

Mogwai está cumpliendo 16 años en este 2011. Curiosamente son ellos los que nos dan el regalo con un disco con todos los síntomas de una ruidosa madurez. ¿Cómo le hacen para irse haciendo melódicos, experimentar y seguir siendo igual de ruidosos y cada vez aprecies más lo que hacen? No creo que pueda contestar esta pregunta escribiendo. Se debe escuchar lo que hacen… música del ruido… y buena música.

Uno de los mejores ejemplos y con lo que arranca el disco, White Noise es un arrullo que difícilmente te va a dejar tranquilo, y sin embargo arrulla. Aquí está la maravilla de la banda y lo que hace…cómo va construyendo lo que sucede con pequeñísimos cambios y cortinas ruidosas atrás… guitarras y teclados, mientras la sección rítmica parece que puede estar en medio de un torbellino y no les va a afectar nada… y al mismo tiempo pónganle atención tanto a la batería como al bajo… pura energía con lo mínimo necesario en el caso del último y pequeños fills del primero para el que quizá pueda ser mi track favorito del disco (que creo que en este caso es muy peligroso decirlo… casi todo está a la altura), la que no se me va a quitar de la cabeza y va a generar obsesión… pero vamos a continuar, porque el disco está buenísimo.

El loop trepidante y los teclados que casi te llevan a un juego de vídeo de los 80′s da pie a que entre el bajo y de nuevo se vaya construyendo un track cantado (bueno, susurrado)… al que luego se agregan voces procesadas (hasta a-la-daftpunk), aunque menos exageradas, mientras todo lo que va apareciendo en el track se suma y te entrega una energía increíble en Mexican Grand Prix insisto… buenísimo este disco.

La distorsión de guitarra con que comienza Rano Pano inunda la sala, no debería salir música de ahí y sin embargo se van agregando teclados, efectos, ruidos y una batería con contundencia y más distorsiones que a medida que de repente algunos de ellos se silencian logras apreciar mejor y sin embargo… ¡Hay música ahí!

Parecería que todo se calma con los primeros sonidos de Death Rays (sobre todo después de la distorsión anterior) y sus eléctricas arpegiadas, acompañadas de teclados esperando la entrada de una batería limpia y prístina que comienza a ser acompañada con un bajo discreto… poderosamente discreto si me logran entender. Un track en donde son los platillos los que meten el ruido que caracteriza a la banda… sí los platillos (en algún momento ayudados por los teclados). Un track interesantísimo, con mucha belleza y que se agradece, incluyendo los últimos dos minutos ya con la distorsión sello de la banda. ¡Éxtasis!

San Pedro se vuelve más rock, más “convencional” si es que la banda puede darse ese lujo en algún momento, más 4/4, más corto, más energético, parte del soundtrack de un viaje por carro o motocicleta, igual de ruidoso, excelente.

Los ruidos lo-fi iniciales, preparan la entrada del piano y la batería en Letters To The Metro, track que regresa al ruidoso valle de la tranquilidad en el vaivén que el álbum está entregando, un track suave gracias al piano y al uso de las escobetillas en la batería… buen track.

Como era de esperarse, después de la calma algo distinto vendría en el álbm: George Square Thatcher Death Party es otro track más emparentado al rock que al post, también cantado y con las voces procesadas que van creciendo con el track. La banda sigue jugando con tu cerebro, llevándote de una experiencia a otra…

… y sí, How To Be A Werewolf pasa su primer minuto entre percusiones que bien podrían estar simulando pasos, mientras la guitarra y sus pocos acordes iniciales parecerían temerle al track hasta que arranca la batería y los arpegios se van integrando más notas y todo se siente ya en su lugar entrando el bajo en un track mucho muy disfrutable.

De nuevo los teclados parecerían dar un toque de tranquilidad a Too Raging To Cheers, aguanten un poco a escuchar el violín que se agrega y le da otro tono al track que a partir de ahí comienza a levantar las distorsiones y eleva el ruido blanco y de todos colores al track que va fabulosa y ruidosamente en crescendo.

De nuevo llega la tranquilidad con todo y voces en off  (¿En italiano?) con You’re Lionel Richie, un track que comienza tranquilo, lleno de sonidos por todos lados con la guitarra de protagonista, que se queda prácticamente sola durante dos minutos antes de invocar nuevamente a la distorsión en un tono oscuro y pausado mientras se agregan más distorsiones que lo convierten en un himno majestuoso.

Nos dicen que la versión mexicana incluye en exclusiva el último track Slight Domestic, que les recomendaré en EP o como puedan conseguirlo a quienes tengan otra versión: pianos, sonidos de violín, al que en un minuto se van integrando batería, bajo y que forman una ruidosa sinfonía que cierra perfectamente esta versión del álbum. Es Mogwai, no pueden fallar… y este álbum tiene algo que me está haciendo ponerlo bastante veces más los últimos tres de la banda… algo hicieron y lo hicieron mejor.

Les dejamos como muestra un video cortesía de su sello actual SubPop en YouTube… Disfrútenlo

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Jon Anderson & Rick Wakeman: The Living Tree

March 5, 2011 in 2010, Progressive, United Kingdom/Reino Unido/UK by Ciro Velazquez | No comments

Jon Anderson & Rick Wakeman
The Living Tree (Gonzo Multimedia)
2010
[progressive]
Prod: Rick Wakeman + Jon Anderson + Erik Jordan
Site: www.rwcc.com & www.jonanderson.com
Eval: 4/5
Art(e): Mark Wilkinson

Tracks

  1. Living Tree (Part 1) (4:04)
  2. Morning Star (4:30)
  3. House Of Freedom (5:38)
  4. Living Tree (Part 2) (4:37)
  5. Anyway And Always (3:51)
  6. 23/24/11 (6:25)
  7. Forever (5:33)
  8. Garden (3:23)
  9. Just One Man (4:46)

Músicos/Musicians

  • Jon Anderson – voz
  • Rick Wakeman – teclados

Reseña/Review

Este disco lo descubrí el año pasado casi en su salida, aunque lo adquirí en formato electrónico al inicio. Mientras retomamos conversaciones con nuestro viejo amigo Mack Maloney (quien también había sacado álbum el año pasado) quien arregló una entrevista algo accidentada con Jon Anderson en la que platicamos de este disco para recibirlo al inicio de este año en CD. Gracias Mack y gracias Jon por la entrevista, pero sobre todo por la música.

La verdad es que en varias ocasiones hemos discutido, ya sea con el Grillo o con Chuy cómo nuestros ídolos podrían llegar a envejecer musicalmente y normalmente vamos apuntando a que debe llegar una edad en la que las cosas deben tranquilizarse un poco, en donde quizá las funciones motoras y/o vocales deben adaptarse al cambio provocado por la edad y -por ende- la música adecuarse también. A veces puede llegar a dar pena una banda que con miembros en sus 60′s anden dando brincos por todos lados: comenzarán las caídas y se puede arriesgar en lo físico. Por muy bien que a algunos les haya parecido el Black Ice de AC/DC, por ejemplo, las cosas ya no son lo mismo y terminas diciendo que aunque la música está bien… parecería que dijésemos que está bien para su edad. Verlos es otra cosa.

Otros músicos cambian el rumbo sabiamente y pueden seguir sacando música que llame a los fans de hueso colorado o bien que atraiga a otras audiencias, navegando en géneros o subgéneros más suaves…

Con Yes, sin embargo ocurre algo curioso: su música ha tendido a ser más “tranquila” aún y con joyas progresivas como Siberian Khatru, Machine Messiah o The Gates Of Delirium en donde la velocidad viene del virtuosismo de los integrantes, pero incluso ahí, la calma prevalece… Agreguen a esto que siempre ha habido temas realmente suaves en el repertorio de la banda… parecería que hay un camino o patrón natural para la madurez (o el envejecimiento si quieres) hecho para que varios que hemos seguido a la banda y a sus integrantes, sigamos disfrutando y envejeciendo con ellos.

Dicho lo anterior, no sería bueno quedarse con la idea de que este es un disco de Yes “UnSquired”, más bien estamos ante el trabajo de dos músicos que se conocen desde hace varios años ya y que deciden realizar una obra suave, bastante suave, pero no por eso no disfrutable: todo lo contrario. La vena progresiva está ahí, en un disco en donde sólo vas a escuchar la voz de Anderson y los teclados (muchas veces hasta discretos…. sí, escucharon bien, discretos) de Rick Wakeman en un disco que termina siendo un excelente compañero para cuando quieres estar tranquilo, escuchando música e incluso hasta pensando…

Sólo colocar el disco y escuchar las primeras notas de piano con telones de teclados que quieren pasar desapercibidos con la única intención de agregar profundidad a Living Tree (Part 1), inconfundible, sabes que todo está saliendo de los dedos impresionantes de Wakeman, que hace que tocar un teclado parezca la cosa más fácil (y que ya que intentas hacer algo parecido te sientes totalmente incapacitado). Entra el otro instrumento inconfundible: la voz de Anderson, que en estos tracks suaves, parecería a momentos que no ha perdido casi nada con el tiempo. Un track casi pastoral, que te deja con una sensación de tranquilidad, como mucho de lo que vas a escuchar en el disco.

Se da paso a un track más serio, más enigmático que en este caso podría llegar a ser un track del siguiente Yes, quizá hasta en cámara lenta, aunque es el que trata de escucharse más rock, más de volver a las raíces: Morning Star.

House Of Freedom, sigue con el mood del primer track… pausado, tranquilo, recordando los años de Anderson con Vangelis de alguna u otra forma…

Living Tree (Part 2) parece exhibir lo mejor de los años solistas de ambos músicos, sí es una continuación de la primera parte, pero y a estas alturas del disco, donde ya se descubre de lo que se trata, el sonido, el mood y todo lo que escuchas hace sentido y se mantiene con Anyway And Always y su sonido más sinfónico a cargo -todo el tiempo- de los teclados de Wakeman: un track a ponerle atención.

Forever parecería una tercera parte de Living Tree, por lo que parecería hasta cierto punto monótono en algún momento, sin embargo, ya hacia la mitad vuelve a aparecer la magia de los músicos cambiando las cosas (siempre dentro de la suavidad de todo el álbum).

Hay dos tracks en el disco que hacen una diferencia grande (e incluso comercialmente hablando podrían ser bien recibido): 23/24/11 uno de los mejores logrados por el dueto y la ligera Garden, casi un arrullo para niños… una maravilla de esas que te dejan flotando y viendo todo color de rosa.

El disco cierra con Just One Man sin cambiar en absoluto nada en el disco, y -como dije antes- dejándote con una tranquilidad pasmosa que quizá algunos necesitamos enmedio de estos tiempos violentos que estamos pasando.

Sí tuve que darle varias vueltas al disco, y en cada una fuí apreciando más y queriendo más la música de este par que son parte de mi DNA musical…

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Kula Shaker: Pilgrim’s Progress

July 17, 2010 in 2010, Psychedelic, Rock, United Kingdom/Reino Unido/UK by Ciro Velazquez | No comments

Kula Shaker
Pilgrim’s Progress (Strangefolk Records)
2010
[psychedelic rock]
Prod: Crispian Mills + Alonza Bevan
Site: http://www.kulashaker.com
Tracks @ MySpace:
Eval: 4.75/5
Art(e):

Tracks

  1. Peter Pan RIP (3:31)
  2. Ophelia (3:08)
  3. Modern Blues (3:48)
  4. Only Love (2:07)
  5. All Dressed Up (3:31)
  6. Cavalry (2:07)
  7. Ruby (3:07)
  8. Figure It Out (3:33)
  9. Barbara Ella (3:45)
  10. When A Brave Meets A Maid (2:43)
  11. To Wait Till I Come (2:58)
  12. Winters Call (6:29)
  13. Space Caravan (2:53)
  14. High In Heaven (4:12)
  15. Sweet Symphaty (3:13)

Músicos/Musicians

  • Crispian Mills – voz + guitarras
  • Alonza Bevan – bajo + voz
  • Harry Broadbent – teclados + voz
  • Paul Winterhart – batería

con/with

Reseña/Review

Vaya regreso…

Estaba en Londres el día que salió el disco, de regreso a Londres el 29 pasando por dos HMV’s sin ver a simple vista el disco y sin la conciencia al 100% de la fecha de salida. Me terminé de dar cuenta cuando ya era tarde para adquirirlo (no hubo HMV ni nada por el estilo en el aeropuerto de Gatwick). Igual de inconsciente estaba de que en la ciudad (Monterrey) tendríamos un diluvio de dimensiones catastróficas en varios puntos de la ciudad al regreso: 5 días sin agua, 3 sin electricidad y prácticamente 8 sin Internet (y fuimos de los bienaventurados por no sufrif más allá de eso y algunas tuberías reventadas).

Finalmente el fin de semana pasado, ya más en paz, pude dedicarme a buscar el Pilgrims Progress y, he de decir que sin muchas expectativas después del chasco que me llevé con Strangefolk que, sin ser malo, dejó bastante a deber (compárenlo con la selección inglesa de fútbol).

Me llevé una de las más agradables y mayúsculas sorpresas con una de mis bandas favoritas y compositor favorito (lo que sucedió con Mills y The Jeevas hay que agradecerlo). Por eso probablemente me atrevo a calificar el disco en perfecto, y si acaso exagero, tómenlo con calma: el disco de cualqueir forma vale la pena.

Mills regresa a su affair con la música psicodélica de los 60′s y 70′s, esa que se mezclaba con cítaras, pero al mismo tiempo con un rock básico con el que combina los arreglos. Al mismo tiempo hay elementos británicos a más no poder y finalmente perfecciona su fusión con el soundtrack westerns que no pudo lograr con The Jeevas en Cowboys And Indians.

Francamente el álbum es un triunfo: la voz de Mills se nota todavía más educada y madura, casi podría decirse que está en su pico máximo (esperemos que ahí se quede buen rato) y termina envolviéndote más que en otros trabajos. La integración de ritmos, instrumentos combiando lo incombinable resulta a la perfección en un disco que -sí hay que decirlo- sueno más tranquilo que otros esfuerzos y aunque suena menos pomposo, realmente hay que escuchar lo que sucede en cada track y ponerte a dudarle… sin embargo logra esa simpleza impresionante que te hace romperte el cerebro tratando de pensar dónde has escuchado tal o cual track y que terminas convenciéndote que muchos de esos tracks ya se han hecho decenas de veces en el pasado y Kula Shaker logró revitalizarlos y refrescarlos.

El disco arranca con los arreglos de cuerdas que quieren hacer del single Peter Pan RIP, un track solemne y que se mantiene así durante casi todo el track, mientras la voz de Mills juega con varios rangos, timbres y tiempos. Bueno y entusiasma, aunque no es mi track preferido… el final de fantasía es preludio para la mandolina que comienza triste y comienza a construir un track maravilloso que se mueve entre el rock pastoral coloreado todo de psicodelia, nuevamente aquí gracias a la voz de Mills que rodea todo, incluyendo las flautas y armónicas, con todo y pajaritos atrás: una preciosa Ophelia.

El beat sesentero de Modern Blues en un arreglo por demás sobrio (a pesar de todos los efectos y sonidos en background en el track) en una canción que sin lo que hacen todos los que intervienen, podría sonar floja: los hammonds, botellas y demás de repente pueden parecer ocultos enmedio del set normal (guitarras, batería, bajo y coros) de la constante psicodelia de la banda.

Y viene mi favorita del álbum: Only Love, simple, sencilla y a la que les pido que escuchen todo lo que ocurre atrás (las voces femeninas y su entonación y vocalización oriental, el hammond, las flautas, tooooda la percusión incluyendo las palmas y el previsible cambio a la guitarra… y el solo del hammond, el ambiente festivo y a la vez letárgico de la psicodelia de la banda). Sin ser lo más  elaborado, lo más pensado, lo más lírico y por el contrario, siendo lo más sencillo, eso que has escuchado cientos de veces, es la que no dejo de escuchar.

La guitarra acústica de All Dressed Up, totalmente folk (y hablo de folk americano) comienza a mezclarse a partir de los primeros toms de la batería y las guitarras eléctricas para transformarse en un track western (que no country) que termina resultando (atención a los coros de todo tipo) y sí, sí se puede mezclar con cítara.

Entre grillos, la fogata y el viento, nuevamente la acústica inicia un pequeño track (que ha sucedido en otros discos) para pasar un pequeño y acogedor momento en el disco, es el papel de Cavalry.

1..2..3.. con el que me esperaba una Ruby más movida, pero no: nuevamente y con muchos elementos de los 60′s la banda se mete en un pop tremendamente nostálgico, arreglos de cuerda, guitarras cortadas y toda la cosa. La vocalización nuevamente te lleva a otro lugar no incursionado antes por la banda. Bueno.

La cítara no podía de aparecer iniciando un track en un disco de Kula Shaker y aunque más discreta, hace que Figure It Out sea el track que honre a K, con los solos de guitarra de Mills en flashazos.

Definitivo: Barbara Ella es otro highlight (y vaya que todo me gusta en el disco) de este material, ooohh… aaaahhhhs, la voz aguda de Mills, el soul derramado en todo el track, coros incluídos, los órganos, cencerros y el resto de la percusión… cool.

Un track casi que para soundtrack de spaghetti western: toms de pieles rojas, flautas, la guitarra con reverb y eco atrás. Eso parece When A Brave Meets A Maid, que se transforma en momentos en otra cosa (noten la flauta a lo largo de este track instrumental).

Las campanas, guitarra y mandolina hacen de To Wait Till I Come con su lento vaivén y los coros y voz en lamento casi floydeano atrás, toda una experiencia.

Winter’s Call es el track largo, suave, de alguna manera elaborado, lleno de sonidos por todos lados… el que se debe escuchar, pero que no inyecta mucha adrenalina a pesar de ponerse violento en el último minuto y 45 segundos, con solos de guitarra, el buen trabajo (parsimonioso pero potente y bien ejecutado) de la batería y todo.

Los dejo hasta aquí para que disfruten ustedes mismos el resto del disco. Enjoy!

 

Nota importante: Si tu disco tiene 12 tracks (y en el artwork aparecen tres bonus tracks que no encuentras por ningún lado), la banda reconoce en su site un error de producción el 15 de Julio y te da el acceso a los “bonus tracks” faltantes.

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Big Big Train: The Underfall Yard

December 7, 2009 in 2009, Progressive, United Kingdom/Reino Unido/UK by Ciro Velazquez | No comments

bestofbreed

Big Big Train
The Underfall Yard (English Electric Recordings)
2009
[progressive rock]
Prod: Andy Poole
Site: http://www.bigbigtrain.com
Tracks @ MySpace:
Eval: 5/5
Art(e): Jim Trainer

Tracks

  1. Evening Star (4:53)
  2. Master James Of St. George (6:19)
  3. Victorian Brickwork (12:33)
  4. Last Train (6:28)
  5. Winchester Diver (7:31)
  6. The Underfall Yard (22:54)

Músicos/Musicians

  • David Longdon – voz +  flauta + mandolina + glokenspiel + organo + dulcimer (dulcémele) + salterio
  • Andy Poole – bajo + teclados
  • Greg Spawton – guitarras + teclados + bajo

con/with

  • Nick D’Virgilio – batería
  • Dave Desmond – trombón
  • Rich Evans – corneta
  • Jon Foyle – cello eléctrico + cello
  • Dave Gregory – guitarra + cítara eléctrica + ebow + mellotron
  • John Truscott – tuba
  • Nick Stones – corno francés
  • Jem Godfrey – sintetizadores
  • Francis Dunnery – guitarra

Reseña/Review

¡Maravilloso!

Este es de esos discos que no hay necesidad de reseñar. ¿Te gusta el progresivo? ¿Te gusta la buena música? Deja de leer y trata de conseguir este disco lo antes posible (Su salida está programada para el 15 de Diciembre).

Recibimos el disco hará un par de semanas. Es un disco sobre el cual no se puede escribir sin antes paladear una y otra vez el material. Este trío británico es un Génesis (el de Gabriel y el temprano con Collins) para este nuevo siglo. Es el sexto álbum y desafortunadamente el primero que escucho. Jesús ya tiene material anterior de la banda. Para mí fué una experiencia casi como la de escuchar Selling England By The Pound para este siglo… y vaya que esto es mucho decir: Las experiencias nunca son iguales, pero lo que se percibe y se siente puede parecer similar a veces.

Desde la presentación (portada, pinturas, booklet) el álbum parecía algo distinto… no sabía la sorpresa que traía adentro: Un regalo de navidad adelantado.

The Underfall Yard de veras que te trae imágenes (tal cual lo hizo en su momento Genesis) de una Inglaterra común pintadas bellamente en un tapiz de sonidos que hacía tiempo no se escuchaban así, al menos no por mis oídos.

Voces a capella arrancan como si fuesen parte de un interludio del Smile de Brian Wilson, el track, sin embargo se desarrolla a lo largo de sus casi 5 minutos instrumentales en donde se destacan los vientos, desde la flauta hasta toda la sección de vientos que los acompaña en Evening Star.

La entrada de la batería de Nick D’Virgilio (Spock’s Beard, NDV) sin embargo es lo que comienza a destacarse: como músico invitado de la banda no pudieron haber escogido a alguien mejor. En lo general la batería que sí es protagonista termina quedándose en su lugar sin sobresalir -a menos que le pongas toda la atención- y eso en una banda es un cumplido. El bajo que termina de formar la sección rítmica, debe ser escuchado como parte del fondo que hace que todo suene tan bien, sin embargo, todos hacen su parte y la introducción de alientos aunque no es tan novedosa, debe ser atendida como algo realmente impresionante en este disco.

Esta batería es la que arranca Master James Of St. George, un track líricamente de lo más simple que se pueda uno imaginar, sin embargo se le saca el mayor provecho con la voz entre potente arrulladora y rasposa de Longdon que es una delicia. Atención a la guitarra a partir de la segunda mitad del track. Una maravilla…

La guitarra acústica y los vientos al inicio de Victorian Brickwork y sus 12 y medio minutos recuerdan pasajes del progresivo más pastoral (ojo con el cello), siendo el telón de fondo para la voz de Longdon mientras el track se construye y a partir del minuto con 55 segundos arranca un progresivo lleno de energía, un riff de los que termina pegándose al cerebelo, entre coros y cambios de ritmo y mood (de la energía a lo suave y dulce) a todo lo largo de los bien aprovechados minutos del track. Nuevamente, escuchen con todo detalle la sección rítmica (el bajo es extraordinario, ni qué decir de la batería), los teclados y los vientos que aparecen por todos lados, sobre todo al final.

Y siguen las sorpresas con Last Train, otra delicia progresiva, dulce y tremendamente ejecutada, en esta ocasión con más sección rítmica y guitarras (las partes eléctricas y acústicas), con teclados de fondo. Winchester Diving arranca largamente con cuerdas, guitarras, flautas y demás una introducción de más de dos minutos, mientras se narra el trabajo de un buzo cuyo trabajó salvó la catedral a principios del siglo pasado.

El disco cierra fenomenal con la épica The Underfall Yard donde se alcanzan a escuchar algunas notas de Evening Star. Pongan especial atención al cello y a los alientos en la segunda mitad del track.

Me declaro fan de Big Big Train a partir de ya. Soy de los que un track bien ejecutado puede significar una o más lágrimas… este disco me arrancó 6. Por favor, adéntrense al sitio de la banda y escuchen en stream este disco…. y pídanlo. Sería un crimen si no.

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Godsticks: Godsticks EP

February 21, 2009 in 2008, Jazz, Pop, Progressive, Rock, United Kingdom/Reino Unido/UK by Ciro Velazquez | 1 comment

godsticks_ep

Godsticks
Godsticks EP(Independiente)
2008
[(progressive jazz) pop rock]
Prod: Noel Watson + Joe Gibb
Site: http://www.myspace.com/godsticksmusic
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/godsticksmusic
Eval: 4/5
Art(e): Chris Maguire

Tracks

  1. Not The Face (4:20)
  2. Ease The Clown (4:41)
  3. Puppy Gardener (5:27)
  4. Venial (4:50)
  5. Clinical (3:30)

Músicos/Musicians

  • Darran Charles – voz + guitarras + piano
  • Jason Marsh – bajo
  • Steve Roberts – batería (2,3) 
  • Aaron Evans – batería (1,4,5)

Reseña/Review

Bendito Internet, curioso MySpace…. por ese medio fuimos contactados por miembros de Godsticks, banda galesa de tres elementos, quienes nos introdujeron a su música (enviada doblemente, tanto por medio electrónico como físicamente), así de fácil, así de simple. No nos cansamos de decir lo afortunados que somos de estar en este programa y haciendo este trabajo solamente por querer mucho a la música.

Pero a lo que nos compete: Godsticksse arma en el 2006 y se nota que los músicos han hecho de todo y aunque tratan de manejarse más en un ámbito progresivo, la sensación final es de un pop rock elaborado con elementos de jazz y progresivo. Dicho de otra forma, las ejecuciones y construcciones tienen mucho de la complejidad del progresivo, pero el mood que generan los lleva al  pop rock: Desde la interesante y rockera Not The Faceaparecen estos elementos de cambios entre lo suave y lo agresivo, aunque Ease The Clownmuestra quizá más que el resto esa mezcla queno es inventada por esta banda (hay algunas otras que han llegado a fórmulas similares) y que puede funcionar quizá más con los que gustan del pop rock: una buena voz, seguro con mucho appeal para las mujeres, una excelente ejecución (la seccion rítmica está de lujo), siendo sin embargo un track de pop rock: la curiosa vocalización inicial mientras piano, bajo y batería entran después de la electrificante guitarra, el track se va “suavizando” a base de coros, mientras atras el ritmo sincopado que toma elementos de jazz ayudados principalmente por el piano, bastante interesante, que te deja una sensación de frescura en algo que -insisto- no es que se haya inventado con Godsticks, peroque probablemente ellos hagan mejor que otros.

Esto puede tener sus consecuencias: es posible que a los proggers más recalcitrantes no les guste, puede considerarse prog light. Por otro lado, algunos amantes del pop, podrían sentir muy complicado lo queoyen. Aquellos que gustan de la música sin problemas de géneros, seguro apreciarán y disfrutarán la propuesta de estos galeses.

Un track que hay que poner sobre el resto por el trabajo de los músicos (casi como si el track hubiese sido más que compuesto, diseñado para mostrar lo que la banda puede hacer) es Puppy Gardener, el track progresivo del EP: el bajo que llega a niveles histéricos mientras la batería realiza un trabajo impecable entre ritmos de todo tipo y un muy buen trabajo de la guitarra picoteando por aquí y por allá, manejando armónicas y toda la cosa mientras al mismo tiempo y a base de capas, genera el “ruido de fondo” para el track. Sin pensarlo, mi track favorito.

Contrastando con el anterior, arranca la guitarra acústica de Venial, un track bastante más suave que el anterior, mucho muy agradable, rítmico, de lo más pop (que no es pop, por supuesto….¡Qué difícil catalogar… y qué bueno que es difícil, si finalmente lo que tenemos entre manos es música, no una etiqueta!) y que quizá sería lo que utilizaría como carta de presentación del grupo en un programa de radio.

Clinicalfinaliza el EP, otro track que se antoja suave, más simple, más acústico, con más espacio para el piano.

Godstickses una banda que deberemos seguir. Creo que a pesar de la tremenda carta de presentación, es prematuro con un EP emitir un juicio acertado: quedaremos en espera (con bastantes ganas) de recibir un album completo y ver hacia dónde se mueve el sonido de este trío que, por lo pronto, deja muchas expectativas con su EP.

 

English

Ok, ok… It seems some of you have tried to translate this review using the disturbing language translators available on the Internet. Here’s what we would have written in English (sorry ’bout my terrible language mistakes):

Blessed Internet… and that MySpace freaky thing… That’s what members of Godsticks used to contact us. They’re a Welsh trio who introduced us to their music…. so easy and simple… We’ll never end to thank the blessing of working on this radio show and site just for the love of music.

Now, stop the violins and go to business: Godsticks assembles in 2006 and just listening to the first two minutes on Not The Face it’s obvious that these guys have been working on many different music genres. Although they tend to manage more on a progressive (musically speaking) way of doing music, the final sensation you got is that of an elaborate pop rock with elements of jazz and progressive music. In other words: the constructions and performances have a lot of progressive or jazz complexities, but the overall experience is that of pop rock.

Take the interesting and rockish Not The Face, for instance, where you experience sudden changes from soft to aggressive moods. But it’s maybe Ease The Clown the best example of the type of experience and combinations of genres the band delivers in this EP, that I think has more possibilities with rock fans: a good voice (surely a women-magnet), excellent instrumental performances, some rythm changes, ups and ups…. and still it’s pop-rock. Check out the vocalization on the very beginning of the track, while the piano and the rythm section (wow… the rythm section) makes its entrance after an electrifying guitar… the track then softens helped by chorus and in the back, a syncopated rythm taken jazz elements -helped mainly by the piano- leaves a freshness sensation in a fusion that -although not invented by the band (ther are others trying to do the same)- maybe these guys are doing better than others.

This kind of mixing of rythms and genres can have consecuences, though: It´s possible that die-hard progressive fans can think of the experience as light-prog. On the other hand, it could be somehow complex to pop-heads. Definetly, if you like music and are not biased or brain-tied (or spoiled) on the genre-babble-fandom, you surely will appreciate and enjoy the proposal of this three Welsh musicians.

A track that in my humble opinion has to be put above the others thanks to the instrumental performance (it is almost like the track is designed, not composed, to show what the band and each member can do) is Puppy Gardener, the progressive track of the EP: the bass gets hysterical, while the drums performs impeccable among diverse rythms and the guitar does a good job picking here and there, using harmonics while at the same time and using some layers, generate the “background noise” for this cool track. My favourite.

In contrast with that track, an acoustic guitar start in Venial, a more soft track, very, pleasant, rythmic and maybe the more pop oriented track on the EP (of course, it’s not just as simple as to say it’s pop…. How hard to describe! … and how cool that it’s hard… finally what we have between our ears is music, not a label!). Maybe this could be the track that I’d use to introduce the band.

Clinical ends the EP, another “soft” track, simple, acoustic with more space for the piano.

Godsticks is for sure a band to follow. I think that although they deliver a terrific introduction with this EP, is soon to judge with only an EP. I’ll be waiting anxiously to receive or hear a full album (or more songs) and see the direction the band’s sound will take hoping they evolve it. By now, this EP generates great expectations…

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Jethro Tull: Aqualung

October 31, 2008 in 1971, Folk, Hard, Progressive, Rock, United Kingdom/Reino Unido/UK by Ciro Velazquez | 2 comments

Jethro Tull
Aqualung (Island)
1971 [03.19]
(1999 Chrisalys bonus edition reviewed)
[progressive (hard) rock]
Prod: Ian Anderson + Terry Ellis
Site: http://jethrotull.com
Tracks @ MySpace:
Eval: 4.5/5
Art(e): Burton Silverman

Tracks

  1. Aqualung (6:31)
  2. Cross-Eyed Mary (4:06)
  3. Cheap Day Return (1:21)
  4. Mother Goose (3:51)
  5. Wond’ring Aloud (1:53)
  6. Up To Me (3:15)
  7. My God (7:08)
  8. Hymn 43 (3:14)
  9. Slipstream (1:13)
  10. Locomotive Breath (4:23)
  11. Wind Up (6:01)

    Bonus Tracks (1996-1999 edition)

  12. Lick Your Fingers Clean (2:46)
  13. Wind Up (Quad Version) (5:24)
  14. Excerpts From The Ian Anderson Interview (Mojo Magazine) (13:59)
  15. Song For Jeffrey (BBC) (2:51)
  16. Fat Man (BBC) (2:57)
  17. Bourée (BBC) (3:58)

Músicos/musicians

  • Ian Anderson – voz + flauta + guitarra acústica
  • Martin Barre – guitarras eléctricas + flauta dulce
  • John Evan – piano + organo + mellotron
  • Jeffrey Hammond – bajo + flauta dulce (alto) + voces
  • Clive Bunker – batería + percusión

Reseña/Review

La legendaria cuarta entrega de la banda británica que comenzó tocando más bien blues y luego -como varias otras bandas inglesas- se zambulló en el art o prog rock con o sin intención, pero quizá buscando algún giro más intelectual en su expresión musical (recordemos que comenzaron a usar flauta desde sus inicios, cosa extraordinaria y no necesariamente muy aceptada o bien vista en aquél entonces), fué grabada entre diciembre de 1970 y febrero de 1971 en los Island Studios en Londres, mientras Led Zeppelin mezclaba su cuarto álbum en el estudio pequeño al lado del grande donde trabajaban Anderson y los Tull.

En esos tiempos, Luis Echeverría asumía la presidencia en México, comenzaban a limitarse los anuncios de cigarros en radio y TV en los Estados Unidos, Portugal intentaba invadir la Guinea, se aislaba a Sudáfrica a causa de su política de apartheid, la nave Venera 7 rusa llegaba a Venus, se levantaba la primera torre gemela del World Trade Center en Nueva York, Paul McCartney comenzaba los trámites legales para disolver la asociación musical de The Beatles, Idi Amin ascendía al poder en Uganda tras deponer al presidente Obote, se sentenciaba a Charles Manson (quien llegó a asociarse y a convivir con Dennis Wilson de los Beach Boys) y tres miembros femeninos de su “familia” por los asesinatos de Sharon Tate (esposa de Roman Polanski) y el matrimonio LaBianca. La armadora Rolls-Royce se declaraba en bancarrota, siendo nacionalizada por el gobierno inglés mientras la misión Apollo 14 lograba el tercer alunizaje exitoso. Se inauguraba el índice Nasdaq en la bolsa estadounidense, Satchel Page lograba la entrada de un negro al salón de la fama del béisbol, mientras comenzaban los abortos legalizados en Holanda y el tremendo Evel Knievel lograba saltar sobre 19 carros en su moto. Pablo Neruda ganaba ese año el nobel de Literatura. Fallecían Coco Chanel y poco después Igor Stravinsky, mientras nacían Kid Rock (buh), Denise Richards, Erykah Baduh, Sean Astin y Ewan McGregor.

En la música, mientras grababan salían entre otras cosas The Man Who Sold The World de Bowie, Paranoid de Black Sabbath, Pearl de Janis Joplin, Plastic Ono Band, No Dice de Bad Finger, Tea For The Tillerman de Cat Stevens,  Soul Rebels de The Wailers, Gary Moore parte de Skid Row sacaba un pequeño intento de EP (Skid), aparecían Derek & The Dominoes, Lizard de King Crimson, debutaban Emerson, Lake and Palmer (después de desbandarse The Nice), Funkadelic un poco antes. Se desbandaban The Beatles, Simon & Garfunkel y The Monkees (gracias a Dios), Eric Burdon y War mientras se formaban Queen, Aerosmith y The Doobie Brothers.

Al salir a mercado Aqualung también se escuchaban Meddle de Pink Floyd, Collage de Le Orme, La Biblia de Vox Dei, L.A. Woman de The Doors, debutaban REO Speedwagon (puajj), Kraftwerk y Led Zeppelin tocaba por primera vez en Belfast Stairway To Heaven y mucho estaba por pasar a finales de ese mismo año.

Esas primeras 6 notas tétricas, contundente, agresivas, doom, heavy de Aqualung hacen ya de este disco algo especial. La primera vez que lo escuché (no recuerdo cuándo, pero sí fue hace ya bastante tiempo) no me gustó, era demasiado oscuro. Esa primera impresión puede hacer que no disfrute tremendo track con sus tres movimientos.

Después de platicarnos acerca del vagabundo de no muy buenas intenciones (Aqualung, llamado así por tener probablemente hechos nada los pulmones como hace ver el sonido de su respiración), se describe otro personaje, también de dudosa reputación: Cross-Eyed Mary, en un track de igual energía aunque un poco menos oscuro, que arranca ahora sí con la flauta de Anderson, mientras se va acompañando uno a uno del resto de los instrumentos, piano, teclados (siempre de fondo), en crescendo hasta que se llega  a la irrupción de la voz, esa voz poco dotada que aquí, suena más forzada, más delirante, gritando más que cantando, mientras teclado y guitarra arremeten con agresividad, mientras  Mary se cruza en este track en un momento con Aqualung (quien quizá atrae su atención a través del patio)… este solo dato pudo haber dado pie al manejo (por otros, que no por Anderson) de un “album concepto” (pero lo mejor en cuanto al concepto está por venir y, dado que no lo fué, fué un excelente trabajo de selección de temas/letras).

Después de estos tracks, un pequeño puente de ese folk-rock que estaba desarrollando la banda: Cheap Day Return con la voz más suavizada de Anderson en un track que aparentemente se refiere a él mismo y la enfermedad por la que atravesaba su padre… y con la maravilla que son las guitarras acústicas de Tull (aunque quizá no hubiese sido un total virtuoso en la guitarra, junto con Barre, Anderson es buenísimo, realmente bueno con la acústica).

El “puente” no intencional, da pie a uno de mis tracks favoritos de Tull: Mother Goose, folk, con flautas (trasversa y dulce), sonidos de bohdran, acústicas a más no poder y de nuevo con la voz de Anderson, que ya a estas alturas se reconoce, se acepta que no es ni por mucho buena, pero que finalmente es la expresión de la banda, que ya se alaba y se aplaude, mientras habla, suaviza e intenta cantar haciendo lo necesario para que la forma en que modula esconda de alguna manera sus limitantes… no importa: es Tull y es -para muchos, no para mí- su disco insignia.

Se sigue un track más suave y dedicado ahora al romance: Wond’ring Aloud, en este caso acompañado de arreglos de cuerda, cortesía de David Palmer en un track.

Se da luego un pequeño giro entre los balbuceos de Jeffrey Hammond en un track de blues-jazz-rock (obviamente mucho más rock que otra cosa) Up To Me, donde se nota que los músicos se divirtieron de lo lindo haciendo de todo… La flauta dando su toque especial al track (como siempre en Tull). Denle una escuchada a las pocas intervenciones de guitarra eléctrica de Barre… nada del otro mundo, pero puestas donde deben.

Arranca lo que en el disco original, fue el segundo lado: con lo que parece todo un tratado sobre Dios y la religión (o más bien de la institución eclesiástica, que aplicaría aparentemente a la Iglesia anglicana, aunque bien puede servir a otras más), dando su lugar al primero y haciendo ver todas las fallas de la segunda…

Y arranca contundente, con My God (atención al solo de flauta, por favor, antes que arranquen “los coros”), donde se cuestiona las formas en que se ha ido desarrollando el concepto religioso y al mismo tiempo de Dios por los que manejan la iglesia… crítica ácida. El track, sin embargo, con su tono gris, es una maravilla desde el arranque rápido de la acústica en solitario, que se acompaña luego por el piano y la voz acusadora de Anderson que por alguna razón -al menos en el disco- adquiere autoridad, mientras -después de un rato- entra toda la banda con estridencia, hasta que todos se callan para dejar a Anderson y su solo de flauta que llega a un punto francamente religioso: coros y flauta, übercool, regresando para finalizar de nuevo con toda la banda (y después de todos los cambios) llegando casi al principio. De lo mejor del disco, definitivamente.

Otro buen track de rock que refiere de alguna forma u otra a la religión, siendo un llamado de atención de que se anteponen muchos otros intereses antes que el bien y cómo muchas veces esto se hace en el mismísimo nombre de Dios. Y es que Hymn 43 bien puede ser un himno en contra de la hipocresía o bien un alarido que busque que pensemos, todo en un tono de blues rock tremendo, piano y guitarras  (noten el rasgueo particular en este track) y bajo eléctricos y una batería que dejan de repente aparecer a la flauta por aquí y por allá.

Otro “puente” suave, con Slipstream y el mensaje para los que privilegian lo material, olvidándose de ese Dios que anda por ahí, dando el mensaje en una manera corta y suave……

Y aparece el piano que precede la introducción de quizá uno de los tracks más reconocidos y queridos de la discografía de Tull (sin despreciar a Aqualung), el sonido casi de bar del piano, mientras se integran los aullidos lejanos de la guitarra eléctrica en todo el intro que se apaga y vuelve a subir para arrancar en otro ritmo con la guitarra eléctrica y el resto de la banda al frente y en donde poco te importa la voz de Anderson, el track es demasiado imponente para fijarte en algo más que en el mismo como un todo… Locomotive Breath y la técnica en el solo de flauta mientras respira/canta sobre el instrumento escuchando tanto el aliento como el sonido mismo de la flauta es imborrable, haciéndote a veces olvidar el triste y patético mensaje de Charlie y cómo su vida se va al abismo, mientras se llega

El disco finaliza con Wind Up -mientras en todo este segundo lado no se deja de hacer alusión a Dios de alguna u otra forma- en donde se critica la forma tan estúpida en que tratamos de esconder de ese Dios que nosotros mismos declaramos omnipresente, los actos que cometemos a través de formas e idas al templo, desde el punto de vista del jovencito que fué a la escuela dominical, podemos engañarnos, a Dios no, es el mensaje…. mientras escuchamos un track que arranca suave, nuevamente a base de piano y va tomando tonos hard como muchos otros tracks en el disco. Toda una experiencia… entre la música, las gesticulaciones de Anderson (casi se oyen en lugar de verse).

Una excelente obra Aqualung, definitivamente marcó hito al igual que muchos otros discos que estaban saliendo en su tiempo.

La edición especial, cuenta con una versión masterizada del cuadrafónico (método de grabación del disco). Varios bonus (algunos de grabaciones directas en la BBC) y una interesante conversación con Anderson alrededor de la grabación y el momento que se vivía cuando se grabó el disco, vale la pena, aparte de recomendarles ampliamente el disco (duh! como si requiriese mi recomendación…) les recomiendo mucho las versiones re-masterizadas y con bonus.

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The Police: Ghost In The Machine

October 1, 2008 in 1981, Pop, Rock, United Kingdom/Reino Unido/UK by Ciro Velazquez | 4 comments

 

The Police
Ghost In The Machine (A&M Records)
1981 [10.02]
(2003 25th anniversary edition reviewed)
[(reggae) rock]
Prod: The Police + Hugh Padgham
Site: http://www.thepolice.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/thepolice
Eval: 4/5
Art(e): Mick Haggerty

Tracks

  1. Spirits In The Material World (2:59)
  2. Every Little Thing She Does Is Magic (4:21)
  3. Invisible Sun (3:44)
  4. Hungry For You (J’Aurais Toujours Faim De Toi) (2:53)
  5. Demolition Man (5:57)
  6. Too Much Information (3:43)
  7. Rehumanize Yourself (3:10)
  8. One World (Not Three) (4:47)
  9. Ωmegaman (2:48)
  10. Secret Journey (3:34)
  11. Darkness (3:14)

Músicos/Musicians

  • Sting – bajo + teclados + sax + voz
  • Stewart Copeland – batería + percusión + voz (coros)
  • Andy Summers – guitarras + synth guitar + voz (coros)

con/with

  • Jean Roussel – teclados (2)

Reseña/Review

Cuarto album de la banda que enmedio del movimiento punk y con miembros mayores en edad que el resto de la escena inglesa que surge en su tiempo, decidió adoptar el ritmo reggae combinado con un rock y, sí, con tintes de punk y mucha agresividad notable en varios tracks y basada sobre todo en la trepidante batería de Stewart Copeland.

Grabado entre enero y septiembre de 1981, el disco salió a luz en octubre de ese año, poco después de haber salido Abacab, el 11o de Genesis (y que de alguna forma u otro marcó la época en que los progresivos de corazón comenzaron a disgustarse con dicha banda). Durante la grabación, Reagan asumía la presidencia en los Estados Unidos, para ser baleado en el tórax semanas después, magni-atentado que tendría secuela un par de meses después en Juan Pablo II en pleno Vaticano. Grecia entraba a la comunidad Europea, casi al tiempo en que se liberaban los rehenes estadounidenses cautivos en Irán, se formaba el partido socialdemócrata en Gran Bretaña meses antes de la huelga de hambre de miembros del ERI (IRA) prisioneros que acabó con 10 de ellos. En Abril de ese año de grabación se desbandaba Yes. Pinochet se declaraba presidente por otro período de 8 años. MTV salía por primera vez al aire el 1o de Agosto, mes en que se daba sentecia de 20 años a Mark Chapman por el asesinato de John Lennon, casi al tiempo en que volaba por primera vez un 767, cerrándose la grabación cerca del concierto en Central Park de Simon & Garfunkel.

Enmedio de todo esto el clásico sonido reggae-rock que acuñó la banda muchas veces, según se dice, en contra del parecer de Sting, comienza a refinarse y en este disco que por primera vez presenta un título entendible en inglés y con una de las portadas mejores y más interesantes de un disco de rock, presentando una versión ”dibujada” a base de LEDs de los tres miembros de la banda (Summers, Sting y Copeland en ese orden).

Nada como un ataque de batería corta y aparentemente sincopada de Copeland mientras el bajo hace un trabajo tremendo mientras los teclados ocultan en parte el sonido reggae de la guitarra de Summmers para arrancar el disco con una oscurísima (acentuada la oscuridad por el sonido de violines de los teclados) Spirits In The Material World. Track donde la banda va más allá en la parte intelectual… con letras interesantes y con más protesta… Somos espíritus en un mundo material… bastante cool.

Sigue el hit pop  Every Little Thing She Does Is Magic en donde me quedo con el trabajo en el hi-hat, marca registrada de Copeland. Alegre, con sonidos de tambores de metal, con cambios más bien oscuros dentro de la alegria presentada al entrar los tambores. Un contraste que termina llamando la atención.

El disco se vuelve a oscurecer, con uno de mis tracks favoritos… Invisible Sun, que no fué de los mejores recibidos… Un bajo básico al inicio, sintetizadores que llenan el ambiente mientras un tambor marca el paso entre los coros… hasta que la misma batería da entrada al crescendo en donde hay que escuchar con atención lo que hace la guitarra no nada más en el solo del final sino mientras rasguea las cuerdas por aquí y por allá en el track que es oscurísimo en donde el mensaje de esperanza apenas se percibe…. muy cool.

Otra vez en vaivén, el álbum se alegra con los sonidos de sax con un track “masticado” en francés Hungry For You con un bajo que realmente golpea mientras la batería hace maravillas (noten todo lo que sucede en base a las baquetas de Copeland… ¡sólo el! y el coro que te hace saltar “mais nous pouvons faire ce que nous voulons, J’aurai toujours faim de toi” (aparte de tener que meterte una papa caliente en la boca para sonar similar a Sting), no importa lo que hagas, todavía tengo hambre de tí… ¡ja! rara combinación de letra y música. 

Entra un track energético con una de las líneas de bajo y guitarra más sencillas y pegajosas… Demolition Man, sin ser mi track perferido, agrega sonidos de sax (cortesía de Sting) que le dan otra dimensión a un track que se despega de ese reggae-punk original de la banda… trepidante, ojo con la guitarra y su histeria durante la segunda mitad del track y el clásico sonido en los solos. La batería -como siempre- tienes que oirla (y cuando ves éste track, por ejemplo en vivo, te das cuenta de la fuerza de Copeland como un motor imprescindible en el sonido del trío.

Los que tuvimos el disco desde el inicio (recuerdo haberlo grabado en cassette del vinyl) y que saben de memoria el orden de los tracks seguro se quedan a la espera de Too Much Information y los sonidos de vientos, y el ooh… ohh! gritado de Sting. Se eriza la piel con los sonidos que salen de la batería, lo que hace la guitarra y la energía que sale de este track. Demasiada información que pasa a través del cerebro… demasiada información… volviéndome loco, adelantándose un poco a su tiempo (no, no había internet y quienes enviaban información eran los medios en ese tiempo).

Re-humanize Yourself de alguna extraña manera convierte el sonido de la banda en un pop sofisticado, en un track que al inicio parece hasta infantil… Escuchen sin embargo el sax, el bajo (nada inusual, pero con qué ritmo), mientras la guitarra maneja efectos que no son especiales, es la pura forma de tocar de Summers.

Con un interesante mensaje político, One World (Not Three), sus coros agudos, el bajo dominate, los ecos en la guitarra y el manejo impresionante de la batería se convierte en otro track que recuerdo con cariño… gritos agudos (aaauuuuhhh) y todo. Oigan por favor la batería que opaca el nada despreciable trabajo del resto de los instrumentos… ¡Copeland está impresionantemente loco! ¡bandota!

Llega una pieza rara (el sonido de Summers finalmente), pero con el sello de eeeeoooooh de la banda iniciando las voces: Omegaman, escrita por Summers también sirve de vitrina para el lucimiento del sonido de guitarra, ese sonido de alguna forma que de forma extraña se acopla en notas que no parecen concordar con el resto de la canción… esta clase de experimentos fueron siempre bienvenidos.

Ola tras ola de sonidos sintéticos que envuelven el aire dan pie de nuevo a la guitarra y los efectos, ecos, rasgueos y demás para que el bajo comience a gritar sin llegar al escándalo para que el track se vuelva claro, cristalino y oscuro. Un excelente rock que con el acompañamiento de los sintetizadores, tiene la escencia de banda de rock. Secret Journey vuelve a oscurecer más el panorama, en, literalmente, un trip en el que el mensaje es que cuando hagas tu viaje secreto serás un hombre santo… (uh?). Cool…. terminando de nuevo con los sonidos del inicio.

Sonidos de piano y el clásico sonido de las composiciones de Copeland (de las que Sting sí se llevó cosas a sus discos solistas) en un track que de alguna u otra forma afloja, sin dejar de ser interesante, como dejándote respirar después de la andanada de energía del resto del disco… ”Desearía no haberme levantado… la vida era más fácil cuando era aburrida” reza Darkness, mientras un discazo se desvanece entre sonidos de truenos.

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Touchstone: Discordant Dreams

February 19, 2008 in 2007, AOR, Progressive, United Kingdom/Reino Unido/UK by Jesus Diaz | 1 comment

touchstone discordantdreams

Touchstone
Discordant Dreams (Heavy Right Foot Records)
2007 [09.01]
[progressive AOR]
Prod: Touchstone
Site: http://www.touchstonemusic.co.uk/
Tracks @ MySpace:
Eval: 4/5
Art(e): Adam Hodgson

Tracks

  1. Intro (1:35)
  2. Discordant Dreams (5:56)
  3. Curious Angel (4:45)
  4. See The Light (7:01)
  5. Being Hannah (5:11)
  6. Shadow (6:47)
  7. Winter Coast (0:22)
  8. Ocean Down (2:23)
  9. Blacktide (5:49)
  10. Dignity (5:43)
  11. The Beggar’s Song (11:04)
  12. Hidden Track (6:52)

Músicos/Musicians

  • Rob Cottingham – voz + teclados + efectos
  • Kim Seviour – voz
  • Adam Hodgson – guitarras
  • Paul Moorghen – bajo + voz (coros)
  • Al Melville – batería

con/with

  • John Mitchel – guitarra: segundo solo (10)

Reseña/Review

Primer disco de larga duración de esta banda de inglesa (tenían un EP editado anteriormente). Touchstone toca una mezcla de rock clásico bordeando en el AOR, con fuertes tendencias progresivas agradables al oido. Recientemente, fueron galardonados como best newcomer por la Classic Rock Society, prestigiosa organización inglesa que se encarga de preservar los intereses del progresivo.

Discordant Dreams Es un disco que se escucha fácilmente, sin sobresaltos -para bien o para mal-. Los músicos, en especial el guitarrista y el tecladista son muy competentes, colaborando con buenos arreglos y solos. Desafortunadamente, la sección rítmica está, para mi gusto, por debajo del resto de los estándares de la banda; creo que son buenos músicos, pero el bajo se limita a seguir el tiempo y la batería es monótona y por momentos suena hasta mecánica. La combinación de vocales masculinas/femeninas le va muy bien al tipo de música y pueden llegar a hacer armonías hermosas como en el intro de The Beggar’s Song Part 1.

Las composiciones son muy buenas en su mayoría, con melodías memorables y con arreglos suntuosos, sin embargo la estructura es en la mayoría de los casos demasiado simple, lo cual podría alejar a los más acérrimos progresivos. Hay momentos verdaderamente impresionantes que debieran de explotar mas como el pasaje instrumental de Dignity y los solos de guitarra desgarradores del final de la épica Beggar’s.

Prometedor inicio y con algunas buenas decisiones su siguiente disco los pondrá en primer plano de la escena progresiva mundial. El potencial está allí.

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