United States/Estados Unidos/USA

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Autumn’s Grey Solace: Over The Ocean

February 17, 2008 in 2004, Dream, Pop, Shoegazer, United States/Estados Unidos/USA by Ciro Velazquez | 1 comment

autumnsgreysolace overtheocian

Autumn’s Grey Solace
Over The Ocean (Projekt)
2004
[dream pop]
Prod: Scott Ferrell + Erin Welton
Site: http://www.autumnsgreysolace.com/
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/autumnsgreysolace
Eval: 3.5/5
Art(e): Erin Welton + Scott Ferrell + Sam Rosenthal

Tracks

  1. Waning Faithful (2:59)
  2. Fractured (4:05)
  3. Mystify (3:31)
  4. Deserted And Desolate (3:24)
  5. New Dawn (4:03)
  6. A Brighter Light (4:21)
  7. Hunting The Beast (3:05)
  8. The Sadness Of Years Past (3:39)
  9. Memory Chambers (3:45)
  10. Evenfall (3:39)
  11. Distant Mother (4:08)
  12. Over The Ocean (4:51)

Músicos/Musicians

  • Erin Welton – voz + teclados
  • Scott Ferrell – guitarras acústicas y eléctricas + mandolina + bajo + batería + percusión + secuencias

Reseña/Review

Otra tarea cumplida tardíamente: Esta banda de St. Augustine en Florida (el primer poblado europeo fundado en la Unión Americana y arrebatado a los españoles y que precisamente acababa de visitar para ver a mis primas un par de meses antes de recibir este disco) que realmente es un dueto de estudio con un multiinstrumentalista a cargo de casi toda la ejecución y una voz femenina hipnótica y susurrante hacen una entrega interesante:

Lo que oyes es algo que ronda entre dream pop (aunque quizá únicamente por el arranque de Waning Faithful, tuve la sensación de oir new age, normalmente esas impresiones tienden a quedarse en el subconsciente, pero se encargaron de sacudirlo rápidamente la primera vez que escuché el disco hace ya tiempo) mezclado con un incipiente shoegazing. De hecho, en muchos momentos del disco podrías pensar que estás escuchando a algún seguidor de Cocteau Twins y su dream ambient pop, con una ligera pizca de no se qué que en momentos del álbum los logra hacer diferentes.

La ejecución aunque básica, es suficiente para entregar el mensaje: el manejo de la batería y el bajo no son espectaculares, sin embargo las guitarras y teclados se nota que son los instrumentos naturales de los músicos y hacen un trabajo bastante sólido.

Destacan a mi gusto Mystify (uno de los tracks más shoegazer) New Dawn (de los más cocteautwinish y si la escuchan quizá puedan entenderme cuando digo que hay algo que los hace diferentes, noten el manejo de las voces en este track) y quizá la tristeza acompañada de mandolina de The Sadness Of Years Past que se aligera e ilumina a medida que pasan los minutos. Aunque habrá que decirlo: es un disco muy consistente y por ello entendamos que está lleno de excelentes tracks: la hipnótica y envolvente A Brighter Light, a base de ese susurro de guitarras y voces; el arrullo pegajosísimo de Evenfall y de nuevo la mandolina en un track que parecería “a cámara lenta” y en donde la voz hace un trabajo extraordinario. Y por supuesto el cierre con los sonidos del mar pegando en las rocas de los islotes/fuertes españoles (claro que lo inventé) de Over The Ocean que cierran bastante bien el disco.

Un buen disco. Créeme que si alguna vez estuviste atrapado en las garras de Cocteau Twins, éste dueto es un excelente relevo.

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Jamie Barnes: Honey From The Ribcage

January 27, 2008 in 2005, Folk, Indie, Pop, United States/Estados Unidos/USA by Ciro Velazquez | 2 comments

jamiebarnes honeyfromtheribcage

Jamie Barnes
Honey From The Ribcage (Silber Records)
2005
[indie folk]
Prod:
Site: http://www.jamiebarnes.net
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/jamiebarnes
Eval: 3.5/5
Art(e): Kerri Horine

Tracks

  1. Second Guess My Own (4:02)
  2. Snow Angel (3:51)
  3. Red Prescription (3:01)
  4. Pearly Gate & Son Pest Control (3:17)
  5. Three Suns (5:00)
  6. The Sword That Divides (3:51)
  7. Black Lung (3:21)
  8. Oil Rig (4:34)
  9. All This Things Are So (4:10)
  10. White Owl (4:50)

Músicos/Musicians

  • Jamie Barnes – voz + todo (a excepción de:)

con/with

  • Will Cummings – voz+teclados(3) + ebow(10)

Reseña/Review

No puedo creer que lo haya vuelto a hacer… Me quedé demasiado tiempo disfrutando este disco sin publicar la reseña (casi creo que es a propósito y me quiero guardar la música de Barnes para mí mismo como tesoro…. my precious…).

El disco comienza con lo más parecido a una continuación de The Fallen Acrobat, con una Second Guess My Own, mi track favorito del disco, que de arranca casi alt-country (en esa línea extraña que lo une al folk y al singer-songwriter) para luego en los coros destapar y reconocer al Jaime Barnes del debut, aunque con claras e íntimas referencias a él mismo. Porque el disco que tenemos enfrente es bastante más intimista que el anterior, igual se puede decir que bastante más oscuro/triste a veces en las letras, pero igualmente escuchable y disfrutable

Snow Angel, de alguna manera triste y tirando al alt-country es una pausa en donde Barnes elabora más (aunque en mi caso, el resultado es de alguna manera plano) en algunos pasajes sobre el sonido de unos tristes arpegios guitarra (que francamente es la escencia de su “bedroom-pop”).

Red Prescription, aunque sigue el tono triste se enriquece (banjo de nuevo) con un poco más de coros y seguramente tiene que ver con el problema de salud de Barnes en el que se vió afectada su memoria a causa de los medicamenteos que le prescribieron, siendo la segunda referencia a esta situación después del primer track.

Pearly… lo-fi, con un tono más folky en base a guitarras y un sonido bajo de banjo se oye suficientemente interesante para sobresalir en el disco, dentro de su sencillez e intrigante letra.

El tono contrastantemente oscuro entre la música-letra y la dulce voz de Barnes continúa en Three Suns, que finalmente deja un pequeño mensaje esperanzador en metáforas muy íntimas. Entran de nuevo los arpegios en un arrullo muy al estilo de Fallen Acrobat con The Sword That Divides, donde hay más trabajo de voz y prácticamente escuchamos a Barnes sólo con su guitarra hasta el último minuto donde más elementos le alcanzan a dar una profundidad distinta al track.

Regresa más protagonista (aunque muy al fondo) el banjo y las campanitas en otro track siempre minimalista: Black Lung, que no puedes dejar de tararear aunque sientas que pronto se desvanece y tienes que volver a oirlo… un track arrullador y simple, como los que sabe hacer Barnes. Oil Rig, arranca en una línea muy similar con un banjo a base prácticamente de dos o cuatro notas, donde se oye algo parecido a una tabla y sonidos tipo cítara que enriquecen el track… y sigue todo muy parecido con All This Things Are So (donde quizá hay un mayor trabajo en los coros y el banjo complementa el trabajo de la guitarra).

Cierra el disco con White Owl, uno de los tracks más elaborados del disco (en este caso, esto es un decir conociendo el esquema simple y minimalista en que Barnes compone su música), acompañado de ebow en un track casi ambiental, más atmosférico, en donde la voz aunque trata de fusionarse con ese mismo ambient resalta clara y suave, vuelve a arrullar prácticamente envolviéndote entre campanitas, su sempiterna guitarra y dos o tres sonidos colocados a lo largo del track.

Barnes y su segunda entrega que sigue siendo basada en el dilucidar y componer para sí mismo se nota más en este disco, con un mejor sonido (aunque el lo-fi del anterior sonaba bastante bien, como hecho a propósito), continúa en la linea que plantó en Fallen Acrobat. Me enteré el pasado 2007 que firmó ya un disco con otra casa disquera, esperemos que las cosas continúen tan bien como con Silber, que lograron ver el talento de este músico (como dicen en sus etiquetas) “de dormitorio” que hace esta música que llega y que puede acompañarte en varios moods (los de calma o reflexión sobre todo) o bien -como en el caso de este disco- te lleva al cuarto de Barnes a meterte en sus momentos más íntimos y en su aparentemente solitario y -muchas veces melancólico- esquema de manejar la música.

Confieso que me faltó un For Centuries en este disco, aunque lo disfruté y lo he traido en mi compañía en momentos de calma…

Revisar también / See also:

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Fair To Midland: Fables From A Mayfly – What I Tell You Three Times Is True

January 27, 2008 in 2007, Alternative, Metal, Progressive, Rock, United States/Estados Unidos/USA by Ciro Velazquez | 2 comments

fairtomidland fablesfromamayfly

Fair To Midland
Fables From A Mayfly: What I Tell You Three Times Is True (Universal Records/Serjical Strike)
2007
[prog nu metal]
Prod: David Bottrill
Site: http://www.fairtomidland.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/fairtomidland
Eval: 4.5/5
Art(e): James Riches

Tracks

  1. Dance Of The Manatee (4:10)
  2. Kyla Cries Cologne (4:01)
  3. Vice/Versa (3:55)
  4. The Wife, The Kids, And The White Picket Fence (3:29)
  5. April Fools And Eggmen (4:45)
  6. A Seafarer’s Knot (4:11)
  7. A Wolf Descends Upon The Spanish Sahara (4:13)
  8. Walls Of Jericho (3:46)
  9. Tall Tales Taste Like Sour Grapes (4:02) 
  10. Upgrade Brigade (5:16)
  11. Say When (7:15)

Músicos/Musicians

  • Brett Stowers – batería
  • Cliff Campbell – guitarra
  • Darroh Sudderth – voz
  • Jon Dicken – bajo
  • Matt Langley – teclados

con/with

  • Claudio Vena – violín + viola (8,9)

Reseña/Review

Fichados personalmente por Serj Tankian (System Of A Down) para su sello. Esta banda de Dallas se considera completamente ecléctica, lo que se comprueba a lo largo de este album donde algunos tracks se llenan más de la agresividad y los gruñidos de bandas que andan en el nü metal (y hasta thrash) y en otros se llena más de pinceladas progresivas y hasta pasajes dulces dentro de la estridencia organizada y bien ejecutada de esta banda . Narro lo que sucedió en la tercera escuchada (ahora sí a fondo), la definitiva para escribir esta reseña de un disco que es una pequeña joya:

Al inicio, imaginé -por la agresividad de las guitarras y la voz- otra banda más de nü metal, en un track muy en esa onda y que aparentemente fué el hit en su presentación en Coachella 2007, Dance Of The Manatee…. y sí, es bueno… si te gusta el género, aunque notas también algo que no logras descifrar en esta primera canción… que goza de gruñidos y cambios impactantes (recordando a varias bandas a lo largo del track, incluyendo a System Of A Down, por cierto, pero con un uso de rangos vocales impresionante, sin ser lo que más llame la atención), sonido muy americano y bueno…. debo seguir escuchando el disco.

El inicio a base de teclados y guitarra arpegiada de Kyla Cries Cologne con el clásico cambio a la estridencia de la guitarra distorsionada (pero con el piano atrás) y la entrada de la batería cambia mi percepción de la banda un poco. Sigue siendo nü metal, pero algo (quizá en los primeros versos de la voz, únicamente) me recordó a A Perfect Circle y la cosa se pone en extremo interesante, sin que éste sea el track más atractivo, pero los sentidos deben poner más atención.

El disco comienza entonces a usar sonidos y estilos de varias partes: de nuevo una voz a-la-Keenan al inicio en Vice/Versa, sonidos tranquilos que se violentan (se disfruta mucho la sección rítmica), voces y notas más dulces enmedio de los arranques de distorsión en The Wife, The Kids…, y así sucesivamente, sin quitar más que por algunos segundos en ciertos tracks la etiqueta de un nu metal bien elaborado con atisbos de lo que sea que hagan Tool o A Perfect Circle… indescifrable… (sino escuchen el intro de teclados de A Seafarer’s Knot).

El disco -en mi opinión- da un giro impresionante (y vaya que esto es un decir, porque a veces esto sucede no una sino varias veces en un mismo track) a partir de A Seafarer’s Knot, acercándose más y más a ese género sin nombre que ha alimentado Tool en los últimos años (y NO digo que suenen igual, aunque los haya producido el mismo Bottrill) y así se sigue con cosas que aparentemente pueden ser más tranquilas y que -en mi opinión- suenan más elaboradas.

Esto no se puede deber más que a una excelente ejecución de los músicos, una composición que se atreve a hacer de todo y todo funciona. Debo decir que los teclados juegan un papel importantísimo en la banda (y no porque sobresalgan, sino porque están puestos en el lugar adecuado en los momentos adecuados), que cuenta también con una base rítmica sólida, brutal -diría yo- si lo juntas con las guitarras.

Dicho lo anterior, pónganle atención a lo que sucede con Tall Tales… y el violín (¡excelente track! escuchen la guitarra), Upgrade Brigade (de nuevo la guitarra, pero ah que bién trabajan los teclados y ni que decir de el bajo y batería… aunque esto sucede en toooodo el disco) y por sobre todo a Say When y su larga introducción de teclados (uno de mis dos tracks favoritos del disco), solos de guitarra, un mood que envuelve y el final… mejor escúchenlo.

Fair To Midland muestra que las etiquetas son obsoletas y que la unión sensible, entusiasta e inteligente de influencias e ideas de los varios miembros de la banda pueden lograr frutos muy interesantes: todo se vale, si sabes lo que quieres hacer y tienes la habilidad para hacerlo.

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K. Leimer: The Useless Lesson

January 25, 2008 in 2007, Ambient, Experimental, United States/Estados Unidos/USA by Jorge Salinas | 1 comment

kleimer theuselesslesson

K. Leimer
The Useless Lesson (Palace of Light)
2007 [04]
[ambient]
Prod: Dorothy Cross
Site: http://www.palaceoflights.com/kleimer/index.html
Eval: 3/5
Art(e): Tyler Boley

Tracks

  1. The Force Closed Our Eyes (5:38)
  2. Declining Need Of More (13:55)
  3. Music That Conceives Itself As Music (3:48)
  4. Anosognosia (12:51)
  5. Trio (Sentimental music) (5:25)
  6. Long After Dowland (16:20)
  7. Declension Of Need (7:26)

Músicos/musicians

  • Kerry Leimer - teclados + sonidos

con/with

  • Leo Abrahams – guitar (6)
  • Anode – field recordings (2)
  • Dwight Ashley – (4)

Reseña/Review

It is always difficult to review an ambient album. There are very few musical constructions to point at for reference, hence most articles I’ve read fall somewhere along the lines of a wine review, describing color, texture, aroma and flavor notes. Also there is an inclination to compare to other works, Eno, Namlook, et al., and that, while it can be effective to reach the genre lovers, a new listener of ambient can be dumbfounded or even deterred from exploring these works. So, in that spirit I shall try to review the album and for the casual hardcore ambient fan, I shall wrap it up with some comparisons to booth.

(Note: for a briefer description of the album jump the next seven paragraphs.)

The opener is a oscillating string arrangement, with bright notes and slightly uplifting. A few drops of piano here and there sort of gives it a few steps to hold on to, but pretty much the track keeps moving from one side to the other holding chords at different intervals. It might be a low key intro to a quiet drama movie, it feels tense somehow.

Failing Need Of More, is a bit more sophisticated, there are more acoustical elements that can be heard throughout the development of the track. Again, there is a cyclical quality to all the notes that conform the body of the music but now there are overlapping cycles with different timetables, which makes it sound richer. The feeling it evokes, especially while it nears the end, takes me to a cold rocky beach front, where the ever moving city is behind me, mixing its noises into a mutating hum, while the crisp gray sea expands forever in front of me; there are cars, and people around, but there is no discernible sound coming from them, they just add tones to the buzzing humanity around me. It is as if there is nothing more that I need to be there, there is no requirement for me to be happy, but to enjoy the moment, in its simplicity and grandiosity.

The strings return playfully in the third track, Music That Conceives Itself As Music, but now they come with fiends, percussions, and they want to play around with rhythm. Perhaps the least ambient track of the album, while being interesting, it hardly gets going anywhere before it dies.

Anosognosia makes its debut with force, it wants you to treat it seriously. The deep percussion generates a tension and creates a vast container, these are not airy sounds, this has purpose, it has a frame, there is meaning for the agony. There are shrill voices that sing something not easily told, and they appear constantly, from all sides, sometimes feeling so desperate that they bounce of the walls, the walls of that deep percussion has made to encase all of this. Half way through there is an indication that there may be a solace to those cries, they seem to implore now, to beg, but the walls are building themselves again, slowly but surely, but now they want to present themselves not as captors but as companions, they are not really there.

The fourth track is as its title suggests, Sentimental Music. The strings play a melody and create a pad as background for it. It is mainly melancholic and is interrupted continuously as if to let the newly formed idea to sink in. Nearing its end, a booming force begins to appear and the sentimentality gives way to passion.

Long hallways and perhaps a total immersion observatory are in store for whoever listens to Long After Dowland. Completely atmospheric, its best suited for pondering hard ontological conundrums.

A church bell tolls behind a hill while you walk on a misty green meadow, perhaps some inspiration will arrive to help you overcome some of life’s obstacles. The music from Declension Of Need tells you, there is nothing more than being and whatever else is just superfluous, enjoy the moment.

OK, so enough corniness. Now, first advice, don’t read whatever the author has to say about this record. It’s a lesson alright, but a lesson to not over-conceptualize your music. Yes, as Leimer says, the album is a study in cyclical construction and deconstruction of musical cannon, and therein lies the album’s strong and weak points altogether.

Redundancy and looping has always been a part of ambient music, but it can be boring as it certainly gets to be at some parts of this album, especially at its start and its finish. Steve Reich did it masterfully thirty years ago, thank you very much, so the attempt to do something similar in the third track comes way short. The played out notes sound more elegant coming from Eno, and I would rather listen to Gorecki for string atmospheres; wich leads me to note that the strings here are desperately misused and I feel tempted to say that perhaps it would have been better to forgo the use of conventional instrumentation and just rest on synthetic pads as in the most relevant tracks 2 and 6.

The sampling could have been better and the percussions seem too conventional somehow. Again, perhaps it wasn’t the intention of the author to create another ambient album, it may as well be the musical musings tat Leimer want them to be, but it feels conventional in the end. It’s not a bad record I should say, but hailing it as something it’s not is counterproductive in any case.

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Glass Hammer : Culture Of Ascent

January 24, 2008 in 2007, Rock, Symphonic, United States/Estados Unidos/USA by Jesus Diaz | 2 comments

glasshammer cultureofascent

Glass Hammer
Culture OF Ascent (Arion Records/Sound Resources)
2007 [10.23]
[symphonic rock]
Prod:
Site: http://www.glasshammer.com/
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/glasshammer11
Eval: 4.5/5
Art(e): Michal Karcz

Tracks

  1. South Side Of The Sky (9:24)
  2. Sun Song (9:33)
  3. Life By Light (7:29)
  4. Ember Without Name (16:33)
  5. Into Thin Air (19:14)
  6. Rest (6:30)

Músicos/Musicians

  • Fred Schendel - teclados + programación
  • Steve Babb - bajo + teclados
  • Carl Groves - voz
  • Susie Bogdanowicz  – voz
  • Matt Mendians – bateria
  • David Wallimann - guitarras
  • Rebecca James - violin
  • Susan Whitacre - viola
  • Rachel Beckmann - cello

con/with

  • Sarah Snyder – voz
  • Eric Parker – guitarra acústica
  • Robert Streets – voz
  • Haley McGuire – voz
  • Jon Anderson – voz (vocalizaciones) (1,3)

Reseña/Review

Noveno disco de estudio de esta prolífica y veterana banda de rock sinfónico norteamericana. Después del épico doble The Inconsolable Secret todos creíamos (yo incluído) que habían llegado a su límite (con todo y portada de Roger Dean). Qué sorpresa es darnos cuenta que no.

Mucho se ha hablado de lo mucho que le debe Glass Hammer por su sonido a Yes y aquí han llegado al grado de invitar al buen Jon a tener algunas “vocalizaciones” en este disco, que por cierto, abre con un cover de esta banda.  Este cover es una buena rendición de South Side Of The Sky, con excelentes vocales masculinas y femeninas. Rara elección abrir un disco con una canción que no es de tu cosecha, pero bueno, funciona bien increíblemente, dando el correcto “mood” para el resto del disco.

Culture Of Ascent es un disco típico de la banda: muy sinfónico con abundancia de teclados análogos, con algunos elementos nuevos como programaciones/loops (como dato curioso, en nuestra reseña del disco nuevo de Satellite mencionábamos como ellos también incluían este elemento y personalmente opinaba que aunque eran bienvenidos, no hacían la música más interesante, pues en este caso creo que sí funciona y digo “curioso” precisamente porque esta banda tiene un sonido más retro que los polacos lo cual pudiera sugerir una discrepancia de sonidos).

Justo cuando empezaba a hacer el apunte de que, aunque era muy melódico y sinfónico (elementos que me gustan sobremanera), le faltaba mas intensidad, aparece la canción Ember Without Name con unos pasajes aguerridos, lidereados por una guitarra entre metalera y ácida, casi psicodélicas. Impressive, most impressive, diría Mr. Spock. La mejor del disco sin duda.

Las referencias a Yes siguen apareciendo como pequeños fantasmas detrás de los vitrales coloridos que son estas canciones de Glass Hammer, sugeridos principalmente por ese bajo con el inconfundible estilo de Squire. Las vocales están muy depuradas, aunque me hubiera gustado que la voz femenina estuviera mas presente y que no se limitara a acentuar algunas melodías o participar en coros. Esto dicho, la voz de Carl Groves (también vocalista de Salem Hill, otro buen grupo norteamericana) es excelente, suave y con timbres adecuados al estilo.

El disco transcurre de una manera muy fluida, sin sobresaltos, con una homogeneidad lineal que sopresivamente no aburre, sino que por el contrario, te deja con la comezón en el dedo de buscar el botón de repetir en el estéreo.

Esta obra termina con suaves sonidos de mellotron, punteados por violines (que son abundantes durante toda la obra). Inmejorable manera de soltarnos la mano que nos tendió desde las primeras notas de este, sin duda, el mejor disco de Glass Hammer a la fecha.

Revisar también / See also:

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Sun Palace: Into Heaven

January 20, 2008 in 2002, Pop, Rock, United States/Estados Unidos/USA by Ciro Velazquez | 3 comments

sunpalace intoheaven

Sun Palace
Into Heaven (Drake Entertainment)
2002
[soft pop rock]
Prod: John Rokosny + Andriette Redmann
Site: http://www.sunpalacemusic.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/sunpalace
Eval: 4/5
Art(e): Seth Wimpfheimer

Tracks

  1. Into Heaven (3:51)
  2. There Once Was A Time (2:57)
  3. Your Hands Lie Open (4:34)
  4. In Somebody’s Eyes (3:12)
  5. My Fortune (2:39)
  6. Are You Thinking Of Me (3:38)
  7. Path Of Heart (4:19)
  8. Flying (3:25)
  9. In A Canoe (5:26)
  10. Skating Away On The Thin Ice Of The New Day (4:15)

Músicos/Musicians

  • Andriette Redmann – voz + teclados
  • Mark Brotter – batería + percusión
  • John Rokosny – guitarras eléctricas y acústicas
  • Tony Geballe – guitarra eléctrica (1,2,5,10)
  • Chris Fiore – bajo
  • Mark Mandelbaum – guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas + voz + percusión
  • Danny Kelly – guitarra acústica

con/with

  • Ian Smit – guitarra eléctrica (3,7,8)
  • Peter Johnson – guitarra eléctrica (4,10)
  • Shanee Habari – voz (coros) (3,7)
  • Richard Kessler – trompeta + foghorn (6,8)
  • Reinaldo Pérez – loops

Reseña/Review

Desde el primer rasgeo de guitarra acústica en la entrada (Into Heaven) y luego de escuchar la voz de Redmann sabes que este suave disco lo vas a disfrutar. Es un pop rock suave bien hecho y bien ejecutado.

Destacan -y el disco y los tracks están hechos para ello- la voz de Andriette Redmann por sobre todo: suave y envolvente, se ayude o no por los coros; sin embargo la composición y la ejecución tienen un papel relevante (el bajo y los sonidos de cuerdas en There Once Was A Time, por ejemplo que le dan un tono sinfónico al track), mientras nos llevan por suaves melodías que van desde el pop (la misma Into Heaven o bien Flying) hasta tracks matizados casi en el alt country (Your Hands Lie Open), pasando por cortos pasajes “latinizados” (Path Of Heart y su acercamiento tirándole al flamenco en las guitarras, muy disfrutable) o bien, el arrullo de In A Canoe. Y no es para menos, los músicos con los que Redmann se acompaña no son poca cosa y lo demuestran a lo largo del álbum.

Destaca -quizá por mi gusto polarizado: Jethro Tull prácticamente es mi banda favorita- el tratamiento que la banda hizo de Skating Away… desde mi punto de vista con un respeto y cariño que será aprobado por todos los Tull-heads, convirtiéndose junto con  In Somebody’s Eyes (una pizca más agresiva que el resto, lo cual es una exageración dada la suavidad de todo el disco), en un disco muy bien hecho y que hace muy difícil escoger un track favorito. Un buen álbum en tiempos de tranquilidad, reflexión o un mood relajado… o simplemente si quieres dejarte arrullar por suaves melodías y una bella voz.

En 2006, la banda publicó su segundo material, donde de nuevo se acompañan de excelentes músicos y -nuevamente- manejan un cover de otra entrañable banda. Trataremos de conseguir el material y reseñarlo: creo, sin embargo, que por lo que escuché en este disco que Sun Palace será garantía al menos en esta segunda entrega. Esperemos que Redmann y la banda sigan por este excelente camino.

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Anton Roolaart : Dreamer

January 12, 2008 in 2007, Rock, Symphonic, United States/Estados Unidos/USA by Jesus Diaz | 1 comment

antonroolaart dreamer 

Anton Roolaart
Dreamer (Umbrello Records)
2007
[symphonic rock]
Prod: Anton Roolaart
Site: http://www.antonroolaart.com/
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/antonroolaart
Eval:  4/5
Art(e):

Tracks

  1. Near Or Far (6:18)
  2. On To The Afterglow (8:29)
  3. Dreamer (6:15)
  4. Scary Monsters (4:33)
  5. Color Of Your World (5:48)
  6. Mid Summer’s Day (7:40)
  7. Manon (6:09)
  8. The Spider (5:16)

Músicos/Musicians

  • Anton Roolaart – vocales + guitarra + teclados + programación
  • Rave Tesar – teclados
  • Vincent Puryear – bajo
  • Rich Berends – bateria (1, 3, 4, 7)
  • Charles DesCarfino - bateria (2, 5, 6, 8)

Reseña/Review

Anton es un extrovertido músico holandés radicado en los Estados Unidos con una larga trayectoria como melómano. Después de tocar por varios años en clubs y cafés, empieza a juguetear con la idea de grabar su propio disco de rock sinfónico. Esto aunado a su pasión por el género (demostrado en su involucramiento en la apertura de la estación de radio por Internet ProgRockRadio.Com),  termina en la presente maqueta con 8 temas íntimos.

Anton puede escucharse diestro en teclados y guitarras aunque su mejor virtud es la composición y sobre todo, su capacidad para hacer suntuosos arreglos.

A través de todos los cortes, uno puede oir las diferentes fuentes de inspiración que vienen desde los usuales dinosaurios del prog hasta elementos de folclor, principalmente latinos (españoles, para ser exactos). La instrumentación es muy rica, con abundantes solos de moog y arpegios de guitarra acústica (chequen el intro exquisito de Mid Summer’s Day), mi único comentario sería quizás que la intensidad y los tonos de todas las canciones son muy homogéneos, sin elementos que permitan claramente distinguir una canción de la otra. Un poco de fuego y potencia de cuando en cuando le vendría bien a este puñado de excelentes composiciones.

En suma, Dreamer tiene todos los elementos para ser arropado con gusto por los amantes del género. Es una muy grata sorpresa y estoy totalmente seguro que pronto estaremos gozando de todas las promesas que el señor Roolaart nos hace con este disco.

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Roundhead: Creature Comfort

January 5, 2008 in 1999, Alternative, Goth, Psychedelic, Rock, United States/Estados Unidos/USA by Ciro Velazquez | 2 comments

roundhead creaturecomfort

Roundhead
Creature Comfort (Small Stone Records)
1999
[alt psychedelic goth rock]
Prod: Roundhead
Site: http://roundheadv2.com  
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/roundheadcinci
Eval: 4.5/5
Arte: Dan + Bill

Tracks

  1. Peel (6:07)
  2. Monkeyparts (4:50)
  3. Broken – Backed (7:41)
  4. Venus (6:03)
  5. Moped 26 (4:09)
  6. Caught Dead (4:33)
  7. Underneath (6:18)
  8. Church In Hell (5:56)

Músicos / Musicians

  • Dan McCabe – voz + trompetas
  • Steve Metz – guitarras
  • Jim Antonio – bajo
  • Barb Hunter – cello
  • William Bullock – batería

con/with

  • Kip Roe - bajo (5,6)
  • John Curley – samples + percusión 

Reseña / Review

Aquí comenzando con una asignatura tremendamente pendiente: varios reviews o reseñas que deberán salir en los siguientes meses. Música buena (y otra quizá no tanto) de discos que hemos recibido y que todavía no reseñábamos. El primero en la lista al azar fué este buen disco de los de Cincinnati, Creature Comfort una mezcla muy atractiva de géneros como lo iremos viendo.

El disco me ganchó inmediatamente… desde los primeros sonidos de Peel (una batería solida y una guitarra limpia y arpegiada) que luego va agregando instrumentos como el bajo y el cello mientras la voz te golpea suavemente en lo más recóndito del subconsciente con su profundidad y baja (aunque esté procesada) y mientras digieres esto aparecen las trompetas… ¡Qué giro! El track te gancha de todas todas, la ejecución y los instrumentos utilizados están todos en su lugar y lo hacen bien. Este track es una mezcla de goth como lo pudieron haber hecho un Peter Murphy aligerado y una psicodelia casi sin notarse… excelente track, al momento de la llegada de este disco a mis manos por allá del 2001/2002 este track no pare de ponerlo y vaya que me había perdido de cosas a pesar de haber oído este disco. Retomarlo en estos momentos fue un real regalo de año nuevo: el disco es una verdadera joya.

Monkeyparts no se queda atrás: las voces totalemente contrastantes mientras su sección rítmica hace un trabajo sólido en una psicodelia nuevamente muy escondida y… por favor… escuchen la trompeta silenciada en sus pequeñas pero excelentes apariciones mientras se desarrolla un oscuro track que tiene más de goth que de otra cosa con todo y guitarras acústicas y cambios excelentes hechos para aparecer al cello que lo hace arropando los oídos. Lo interesante es que los instrumentos no alcanzan a sobresalir unos sobre otros: que me hace pensar en un excelente trabajo en equipo y que la banda piensa más en su música que en algún ego.

Broken – Backed “ilumina” un poco el panorama con su ritmo y guitarras distorsionadas en un track más de rock, más de alternativo. Noten las guitarras con wah-wah mientras nuevamente una trompeta silenciada se escucha en el fondo… y la sección rítima haciendo un trabajo impecable, llegando a un solo en donde hacen sobresalir a la alejada trompeta de McCabe de veras que fué buen disco este. Lástima que no ha salido más material de la banda.

Con un sonido más oscuro y tétrico arranca una Venus que termina iluminándose y llenándonos el cerebro de algo ya más psicodélico y casi space, ¡Excelente el trabajo de todos los músicos, todos! y de nuevo la trompeta le mete un sonido alucinante enmedio del bajo y batería que hace que este track casi destrone a Peel como mi favorito. Una delicia.

De nuevo con un ritmo oscuro, ayudado por la voz, Moped 26, arranca casi como una canción digna de soundtrack de película de espías, creciendo a medida que pasan los segundos, mientras la voz se vuelve rasposa, el mood se comienza no sé si a aligerar pero definitivamente se distorsiona a momentos generando otro interesante track que va agrandando el CD, con sonidos de teclados que le dan ese toque retro, mientras los efectos de las guitarras y (de nuevo) la voz, le dan una profundidad adicional a este buen track.

Ecos y manejo de volumen en guitarras que dan lugar al bajo y batería que como en todo el disco suenan contundentes y pilar indiscutible del sonido de la banda en este disco, arrancan un track que ayudado por la voz podría parecer de algún disco perdido de Bowie, interesante, raro y a la vez digerible: ruidoso y a la vez melódico y rítmico, con todo y coros que tratan de envolver muuuy al fondo aaah ahhhh Caught Dead es un track que cabe y contribuye en el disco sin ser el mejor.

Con sonidos más space (a base de las guitarras) y con un papel más decisivo del cello, Underneath es otro excelente track que aligera oportunamente al disco con algo más “tierno”. Definitivamente una buena banda que hizo algo único con este disco, que tiene todo para ser un clásico de culto entre quienes disfrutan de estos estilos oscuros.

El disco cierra bien con Church In Hell, de nuevo todos los instrumentos haciendo casi “subrepticiamente” su papel: el cello se distorsiona, las trompetas acompañan en los momentos justos, mientras la sección rítmica se mantiene incólume haciendo lo suyo, mientras en el crescendo todo crece: trompetas, batería y la distorsión de las guitarras también, para luego volver a ese compás que empezó más en rock y ahora se vuelve un poco más psicodélico gracias a la guitarra (y el cello sigue distorsionando atrás, dándole una textura interesantísima al track), noten los jaloneos (estiramientos) en la guitarra mientras las trompetas hacen los suyos a partir de los últimos 90 segundos del track…. cool… aplausos al final… lo merecen.

Buen disco, buena banda, buena música… ¿qué más puedes pedir?

Después de escribir esta reseña, acabo de volver a escuchar el disco y ya subí media nota a la calificación. Así de bueno está…. este disco lo vuelvo a decir, será una joya quizá perdida que vale la pena que busquen y se hagan de ella.

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Persephone’s Dream: Pyre Of Dreams

December 2, 2007 in 2007, Goth, Progressive, Rock, United States/Estados Unidos/USA by Ciro Velazquez | 3 comments

persephonesdream pyreofdreams

Persephone’s Dream
Pyre Of Dreams (Independiente)
2007 [05.12]
[gothic (progressive) rock]
Prod: Rowen Poole + DC Cooper
Site: http://persephonesdream.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/persephonedream
Eval: 4/5
Art(e): Audre

Tracks

  1. Thernody (7:08)
  2. Synesthesia (5:31)
  3. Nightfall (4:47)
  4. Cryptoendolith (1:34)

Temple In Time

  1. Mist (6:18)
  2. Nimiane (2:44)
  3. Soliloquy Of A King – King Arthur Mix (2:57)
  4. Camlann – King Arthur Mix (3:48)
  5. Avalon (7:14)
  1. Android Dreams (5:03)
  2. Aprhrodite (8:07)
  3. Alien Embassy (9:05)
  4. Soliloquy Of A King – Lady In The Lake Mix (2:57)
  5. Camlann – Lady In The Lake Mix (4:05)

Músicos/Musicianas

  • Rowen Poole – guitarras eléctricas y acústicas de 6,7 y 12 cuerdas, sintetizadores, teclados
  • John “JT” Tallent - percusiones, campanas, vientos, sonidos
  • Heidi Engel – voz
  • Kelly Fletcher – voz + percusión
  • Colleen Gray – voz
  • Jim Waugaman – teclados + órgano + piano + voz (coros)
  • Steven Hogue – batería acústica y eléctrica
  • John Lally – bajo (2,7-11)

con/with

  • Scot Harvey – batería (4)
  • Ed Wiancko – batería (8)
  • Chris Siegle – bajo (1,3,5,12)
  • DC Cooper – voz (7,8), coros (1,3,10,12)

Reseña/Review

Una banda que hemos seguido y apreciado desde que nos envió su segundo disco Moonspell allá cuando arrancábamos el programa de radio en 2000. Los de Pittsburgh nos envían su cuarto disco después de un largo letargo de 6 años. De hecho el disco comenzó a grabarse en 2002 y hasta llegar al resultado final, la banda sufrió cambios en su roster. Valió la pena esperar.

Aunque el sonido sigue siendo reconocible a pesar del cambio de voces, la banda se vuelca a un rock pesado a veces, maduro en casi todo el disco, y con toques de progresivo por todos lados, con un mood oscuro como en en el disco anterior.

Todo el disco es bueno, como nos han acostumbrado. Qué lástima que no salgan más discos de la banda. El sonido igualmente bueno: bien producido y mezclado. Se notan todos y cada uno de los instrumentos, los teclados más en su lugar a pesar de ser más, la mezcla los termina de ubicar en su justo nivel… y es el instrumento que en algunos tracks le llega a quitar el tono progresivo y al mismo tiempo es el que en otros se lo da. El trabajo de la sección rítimica y la mezcla para la misma es sobresaliente. El artwork en la línea de Opposition. Pero vamos -por primera vez- a disectar su entrega:

El disco arraca oscurísimo, con una Threnody con sonidos saturados y voces en off mientras adquiere un tono casi pop (con lo que creí que continuaba lo entregado en Opposition, y sí, pero con un giro que comentaremos después). Tres voces femeninas ayudan bastante a lo largo del disco, le dan una nueva profundidad a lo que hace la banda. Hasta aquí parece difícil pensar que han pasado 6 años desde la última entrega.

Llega Synesthesia, con su ataque violentamente metálico en las guitarras y sección rítmica del inicio y las cosas aunque mantienen de alguna manera el sonido de la banda, comienzan a cambiar un poco… la banda se oye más maduro definitivamente y lo impresionante es que han mejorado (como en cada disco) su sonido. Un track energético y donde los coros hacen una diferencia. Noten los teclados a lo largo de todo el track.

Nightfall, oscurísimo como el título tranquiliza (si es que se puede decir esto) un poco el dinamismo del track anterior, me dejo llevar entre uno y otro track, aunque a medio track las guitarras atacan con su distorsión mientras los coros crecen y crecen.

Vienen las percusiones y ritmos con Cryptoendolith, un track minúsculo que rescata el experimento de Earth Dreams de Moonspell. Te quedas ganas de más.

Llega la suite arturiana de Temple In Time: fabulosa con sus 5 movimientos, entrando por la niebla que envuelve y esconde a la isla de Avalon (Mist). Un track más rockero que progresivo, apunten el trabajo del bajo y los teclados que utiliza de puente el viaje por el lago que rodea la isla, con sus sonidos de remos y mareas (Nimiane), con un sonido ahora sí más celta (gracias a los teclados), mientras se nos narra más que se nos canta en un track más ambiente que otra cosa, para dar paso al soliloquio del Arturo (Soliloquy Of A King) donde la voz masculina hace su entrada, narrando la vida y tragedia del rey Pendragon, que busca su fuerza en el dragón, en un track donde la guitarra muy al fondo es más rock, más dura… y que deja pasar a otro momento ambiental en Camlann, nuevamente narrándonos el final de la era y del rey cuya pira funeraria es encendida por el aliento del dragón: un track que arranca -como dije- ambiental pero termina a base de guitarra, pianos y bajos en un excelente rock de voz masculina que se agradece y mucho para manejar variedad en el disco. ¡Excelente!, finalizando con la isla (Avalon): noten el bajo del comienzo entre la guitarra arpegiada que se aparece a lo largo del track, además de los cambios y coros (especialmente el cambio alrededor de los 4:15 minutos).  Una historia narrada en 24 minutos extraordinarios.

La banda nos lleva ahora al futuro, al sueño de los androides en este track que realmente cambia el tono y sí parece Dickiano. Un track llenísimo de efectos y sintetizadores, saturado de los mismos diría yo… y con un resultado muy bueno en Android Dreams.

El sonido electrónico continúa en Aphrodite, aunque la introducción sintetizada mientras entra la sección rítmica y varios sonidos de fondo, desaparece poco a poco, para que la voz femenina arranque con una especie de grito ahogado, otro track lleno de cambios, dandole las credenciales para que la banda pueda calificarse de progresiva (en este disco siento que lo es menos que en otros y en este caso, lo digo para bien a pesar de gustarme el género, puesto que la banda y Rowen Poole comienzan a mantener un sonido característico).

Alien Embassy con sus 9 minutos es una odisea llena de detalles sónicos a cargo de las percusiones, se oyen excelente y nos lleva creciendo desde la pura percusión + guitarra (con los sempiternos teclados al fondo) en letargo a una más rápida secuencia iniciada por el bajo que llega a un “silencio” que regresa al sonido del bajo para ir creciendo en base a coros y guitarra acompañada por un excelente trabajo en la batería.

El disco termina con dos versiones de Soliloquy y Camlann. La primera se oye un poco más electrónica sin los sonidos de ambiente iniciales mientras en la segunda los cambios son menos perceptibles.

Un buen disco, bueno en serio. Esperemos que la banda siga produciendo, muchos lo agradeceremos.

Revisar también / See also

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Maggie’s Choice: Tale For Free EP

October 12, 2007 in 2004, Alt Country, United States/Estados Unidos/USA by Ciro Velazquez | No comments

maggieschoice taleforfree

Maggie’s Choice
Tale For Free EP (Independiente)
2004
[alt country]
Prod: Maggie’s Choice
Site: http://www.maggieschoice.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/maggieschoiceportland
Eval: 3.5/5
Art(e): Kristin Johnson

Tracks

  1. All Of Nothing (2:56)
  2. New Chapter (3:54)
  3. Light (5:30)
  4. Bystanders (3:29)
  5. Rest In Peace Hermano
  6. Take Me Back

Músicos/Musicians

  • Mateo Bevington – guitarra + voz
  • Sean Bevington – batería
  • Chris Buehler – bajo + voz
  • Abe Cohen – guitarra + voz
  • Marian Hammond – piano + teclados

Reseña/Review

Al arranque de este ep de esta banda de Portland, se escuchan acordes agradables, que podrían ser de un indie pop o indie rock, la voz se oye estándar, dulce y agradable, el bajo más bien de pop. El track se va convirtiendo rápido en algo que tira más al alt country o neo country (que en mi caso he aprendido a respetar, desde que Wilco y otras bandas surgieron de ahí), sobre todo casi al final con los sonidos agudos de guitarra, del agradable y suave All Of Nothing.

 

El arranque de piano y una guitarra en slide que de plano mueve a la banda en algo que va más allá del pop y se adentra en el alt country con fuerza en otro track muy suave y agradable, aunque en mi opinión con más substancia: New Chapter. Vale la pena escuchar todo el trabajo de la banda aquí, batería y bajo, las guitarras con pinceladas de Dire Straits en algunos pasajes, el slide, todo cae en su lugar, incluyendo el piano al inicio y al final. El “coro” con “You were right in my side” se pega y bastante… ¡Buen track!

 

El mood continúa en Light, quizá el mejor track del disco, en mi opinión. El bajo haciendo un trabajo que tira más al pop…muy bien ejecutado, acompañado de muy buena manera por la batería (escuchen los juegos de platillos) las guitarras poniendo cortinas de sonido en todo el track que resulta menos alt country que el resto… más alt rock, mención especial de la voz a-la-vedder en el vibrato, aunque dulce y menos rasposa… buen, buen track. Espero colocarlo pronto en el programa… vale la pena escucharlo.

 

Bystanders y Rest In Peace Hermano, alentan el ritmo, se ponen hasta más serias y sin decir que están mal o que no me gustaron, fueron los tracks que menos agradecí en el disco. Con un country menos evidente, pero aún ahí, Bystanders es un track más experimental y la voz se parece más en momentos a la de Ed Kowalczyk (Live), mientras RIPH tiene toques de Santana tanto en las guitarras como en teclados.

 

Cierra Take Me Back volviendo a lo que a mi modo de ver la banda sabe hacer mejor en este material…. su alt country, nótese el manejo de la voces, acercando la música al mainstream country, con la fortuna de nada más tocarlo y no quedarse ahí (no soy fan del género country, salvo un par de dignas excepciones).

 

Letras buenas sin ser excepcionales, suficientes quizá, buena ejecución, buenas voces y buenos arreglos. Lo hace bien esta banda. Enhorabuena hasta Oregon.

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