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Madder Lake: Stillpoint

June 6, 2009 in 1973, 2008, Australia, Blues, Psychedelic, Rock by Ciro Velazquez | No comments

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Madder Lake
Stillpoint (Aztec Music)
2008 [10.24] [1973.08]
[psychedelic rock blues]
Prod: John French + Madder Lake
Site:
Tracks @ MySpace:
Eval: 4.5/5
Art(e):Drak

Tracks

  1. Salmon Song (8:23)
  2. On My Way To Heaven (4:53)
  3. Helper (5:12)
  4. Listen To The Morning Sunshine (5:03)
  5. Goodbye Lollipop (3:37)
  6. Song For Little Ernest (4:29)
  7. 12-Lb. Toothbrush (6:02)
  8. Bumper Bar Song (B-Side)
  9. 12-Lb. Toothbrush (Single Version)
  10. Country Blues (B-Side)
  11. Down The River (Live At Sunbury)
  12. 12-Lb. Toothbrush (Live At Sunbury)
  13. Bumper Bar Song (Live At Garrison)
  14. When Is A Mouse (Live At Garrison)

Músicos/Musicians

  • Mick Fettes – voz
  • Brenden Mason – guitarra
  • John McKinnon – piano + órgano + voz (1-8, 11,12)
  • Kerry McKenna – bajo + sintetizador
  • Jack Kreemers – batería + congas + gong
  • Andy Cowan – teclados + voz (9,10,13,14)

Reseña/Review

Un bajo seco a lo que va, mientras aparece un órgano, una guitarra procesada y un piano con una sutil batería detrás, da pie a un fabuloso track de 8 minutos: psicodelia llena de wah-wahs, ecos y otros efectos para la guitarra, ese bajo típico psicodélico, teclados y esa batería relativamente lenta, pero llena de contundencia que da 6 minutos y medio de introducción instrumental hasta que entra una voz rasposa ad-hoc a lo que se está tocando y que te indica que vas a pegarte una disfrutadota … y tremendo trip.  Así inicia Salmong Song, el primer track de un regalazo el del sello australiano Aztec Music, de revivir a esta banda de razonable éxito en los 70′s en este re-issue del disco de 1973 aparecido en Mushroom Records, aderezado con varios tracks extra de conciertos en vivo y algunas ahora rarezas.

On My Way To Heaven, cambia un poco el mood en un track bastante más alegre, sin dejar de ser igualmente psicodélico, y entre los acordes del piano surge la voz que, si ves los vídeos de la banda, proviene de un simpático gordito barbón de pelo largo, pero que dentro de esta banda es un prodigio… al igual que todo lo que sucede con la música. De veras que qué agasajo escuchar este disco, entre tanto revival, te enfrentas finalmente a the real thing: Acabo de preguntar a mis primos más viejos, porque algo me sonaba del nombre da la banda y la respuesta fué “¿De veras editaron de nuevo el disco? ¡No puede ser!”, después me enteré que era una leyenda… nadie lo había escuchado, pero todos sabían que era algo digno de escucharse, y ¡Vaya que sí!

Helper continúa por la onda psicodélica, más instrumental, más psicodélico, más trippy y ahora con un pequeño toque progressivo en un par de cambios en donde entran coros más bien pop. No puedes pensar más que en pelos largos, barbas y desgarbos a la Tull.

En medio de un hiss, Listen To The Morning Sunshine avanza en medio de sonidos de platillos, cascabeles y otras percusiones y la voz que crece desde el fondo para arrancar con unos coros bastante pop y con una que voz que en un momento climático del track aparece procesada con una sobresaturación que hiere los oídos, pero que no hace menos interesante el track: era la experimentación de los 70′s (en algo que hace seguido ahora Black Moth Super Rainbow)

Una guitarra folk en una especie un blues acústico (cuando entra la voz) al estilo de los tracks acústicos de Zeppelin introducen uno de los dos hits reconocidos de la banda: Goodbye Lollipop, que bien parecería una combinación de esa banda, The Beach Boys y ¿porqué no? los mismos Madder Lake. La voz nuevamente es una maravilla: una voz poco educada pero llena de alma, creo que la voz no podría hacer y resaltar sin lo que hacen el resto de los músicos. Por favor noten el trabajo del bajo en este track, incluyendo los silencios.

Song For Little Ernest comienza con wah-wahs de guitarra que se mantendrán a lo largo del track en un track más bien de rock que de otra cosa, lleno de energía, teclados y ya reconociendo que Madder Lake aunque te trae el mood y sonidos de la psicodelia de fin de los 60′s y principios de los 70′s sí traen algo que los hace distintos de alguna manera, todavía no sé que sea. La familiaridad de lo que escucho lo hace difícil, quizá podría reconstruir este disco con bandas del underground de aquellos tiempos e incluso de los revivals actuales… el hecho es que hay algo que distingue a esta banda. Escúchenlos.

Llega el track que hizo famosa a la banda, el cepillo de dientes de 12 libras, 12-Lb. Toothbrush, con su “Na na nananana” apareciendo cada cuanto acompañado de wah-wahs una batería que quizá haga uno de sus mejores trabajos en este track, los pianos y toda la parafernalia, para ese track que tiene mucho de blues rock que maneja varios cambios, cada uno llevando el track a otro nivel, y donde todos los músicos destacan tanto por su trabajo individual como por lo que hacen en conjunto…La guitarra y batería iniciales es una maravilla, digno de estar entre lo más reconocido en el rock mundial. ¡Vaya final para el disco original!  Salieron poco de Australia y esto es una lástima.

El resto del disco son lados B y en vivo, recomendables y en donde se continúa con el mismo sonido/estilo, con algunos pequeños giros (como el de plano mas bluessy y country Country Blues… escuchen los pianos, very cool) y que muestra la potencia de la banda en vivo, y si se preguntan porqué blues y porqué blues psicodélico, aunque el primer track del disco puede ser suficiente, escuchen Down The River.

¡Ah! Y enhorabuena: aparentemente hubo un concierto de reunión de la banda en Noviembre pasado (2008). ¡Buen trabajo este de Aztec Music! Gracias…

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Sawed Off Sick: Den Of Iniquity

April 26, 2009 in 2007, Hard, Rock, United States/Estados Unidos/USA by Ciro Velazquez | No comments

sawedoffsick_denofiniquity_100

Sawed Off Sick
Den Of Iniquity (EDC Records)
2007
[rock]
Site: http://www.sawedoffsick.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/sawedoffsick
Eval: 3/5
Art(e): Josh Hall

Tracks

  1. Preach On (0:25)
  2. Damned Infatuation (3:11)
  3. Corruptuous (3:31)
  4. Save Me (2:39)
  5. Southbound 101 (3:23)
  6. Psycho Surf (2:12)
  7. Hell Tonight (4:03)
  8. Two Timin’ Baby (3:15)
  9. Damn It All (Miss Red) (3:34)
  10. No More (3:22)
  11. Take My Disease (4:09)
  12. Ginger’s Eye’s (5:37)

Músicos/Musicians

  • Nikatomic – guitarra + voz
  • Chris Parrish – contrabajo
  • BJ Hooker – batería
  • Rob Schumacher – batería (3,5,6,10,12)
  • P.C.P. – voz (coros)
  • Rumblin’ Rose – voz (coros)

con/with

  • Audrey Duncan – voz (7)
  • Joe Tucker – armónica (11)

Reseña/Review

Después de varias semanas de seguir trabajando en agregar los anteriores reviews y tratar de recuperar nuestro nombre original eufonia.net, terminé dándome cuenta de la cantidad exorbitante de material que tenemos en backlog para reseñar y/o colocar en el programa y tomé el primer disco en una de las tres grandes pilas (la de no haber escuchado más que una sola vez) que actualmente tengo en el cuarto de música. Le tocó pues el turno a Sawed Off Sick, una banda de Dallas, de un disco que dije por la portada que probablemente sería difícil para mí (portada negra con dibujos a manos que tendía a algo agresivo, cuando quizá no estaba de humor).

Puestas las manos a la obra, el disco arranca con un discurso de unos cuantos segundos de un detractor del rock… indicando que es un factor que contribuye al índice delincuencial y que es malo, malo…. Para arrancar con energía en la batería y guitarras lo que me pareció una especie de blues-rock energizado en Damned Infatuation (que quizá es algo genérico en varios tracks de la banda, que adereza lo suyo con rasgos de metal en varios de los tracks, que vienen más por las distorsiones que por el género que se usa).

La banda parece escucharse en algun lugar a la orilla de la carretera en Texas, casi que solo te falta escuchar de repente las botellas estrellándose contra la malla que los proteja… y los gritos de los parroquianos solicitando country y no rock. Así me imaginé las cosas a partir de Corruptuous, más rápida y divertida que la anterior.

El hard rock continúa en Save Me, que en algunos momentos me recordó a Títo & Tarantula por alguna extraña razón y la cosa continuó igual con el definitivo sello sureño de Southbound 101 (olvídense del título, escuchen el track, con rock & roll y hasta rockabilly, todo en medio de la agresiva distorsión de la banda).

Y vuelven a trasladarse a otro subgénero con Psycho Surf, que sin haber leído el título aparecía con reminiscencias de surf rock por el manejo de la guitarra y bajo… en estos últimos tiempos se diría “tarantinesco”. Y si no te parece suficiente el cambio, aguanta el inicio de Hell Tonight, lleno de un swing y con la voz de Nikatomic crooneando a medida que entra la pesadez y distorsión de guitarras y el acompañamiento de voz femenina en esta ocasión.

Y el disco continúa viajando con esa extraña combinación de hard rock, rockabilly, surf rock y densa pesadez y distorsión que puede resultar divertida y que al mismo tiempo te da la sensación de haber escuchado todo lo que presenta la banda.

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Godsticks: Godsticks EP

February 21, 2009 in 2008, Jazz, Pop, Progressive, Rock, United Kingdom/Reino Unido/UK by Ciro Velazquez | 1 comment

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Godsticks
Godsticks EP(Independiente)
2008
[(progressive jazz) pop rock]
Prod: Noel Watson + Joe Gibb
Site: http://www.myspace.com/godsticksmusic
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/godsticksmusic
Eval: 4/5
Art(e): Chris Maguire

Tracks

  1. Not The Face (4:20)
  2. Ease The Clown (4:41)
  3. Puppy Gardener (5:27)
  4. Venial (4:50)
  5. Clinical (3:30)

Músicos/Musicians

  • Darran Charles – voz + guitarras + piano
  • Jason Marsh – bajo
  • Steve Roberts – batería (2,3) 
  • Aaron Evans – batería (1,4,5)

Reseña/Review

Bendito Internet, curioso MySpace…. por ese medio fuimos contactados por miembros de Godsticks, banda galesa de tres elementos, quienes nos introdujeron a su música (enviada doblemente, tanto por medio electrónico como físicamente), así de fácil, así de simple. No nos cansamos de decir lo afortunados que somos de estar en este programa y haciendo este trabajo solamente por querer mucho a la música.

Pero a lo que nos compete: Godsticksse arma en el 2006 y se nota que los músicos han hecho de todo y aunque tratan de manejarse más en un ámbito progresivo, la sensación final es de un pop rock elaborado con elementos de jazz y progresivo. Dicho de otra forma, las ejecuciones y construcciones tienen mucho de la complejidad del progresivo, pero el mood que generan los lleva al  pop rock: Desde la interesante y rockera Not The Faceaparecen estos elementos de cambios entre lo suave y lo agresivo, aunque Ease The Clownmuestra quizá más que el resto esa mezcla queno es inventada por esta banda (hay algunas otras que han llegado a fórmulas similares) y que puede funcionar quizá más con los que gustan del pop rock: una buena voz, seguro con mucho appeal para las mujeres, una excelente ejecución (la seccion rítmica está de lujo), siendo sin embargo un track de pop rock: la curiosa vocalización inicial mientras piano, bajo y batería entran después de la electrificante guitarra, el track se va “suavizando” a base de coros, mientras atras el ritmo sincopado que toma elementos de jazz ayudados principalmente por el piano, bastante interesante, que te deja una sensación de frescura en algo que -insisto- no es que se haya inventado con Godsticks, peroque probablemente ellos hagan mejor que otros.

Esto puede tener sus consecuencias: es posible que a los proggers más recalcitrantes no les guste, puede considerarse prog light. Por otro lado, algunos amantes del pop, podrían sentir muy complicado lo queoyen. Aquellos que gustan de la música sin problemas de géneros, seguro apreciarán y disfrutarán la propuesta de estos galeses.

Un track que hay que poner sobre el resto por el trabajo de los músicos (casi como si el track hubiese sido más que compuesto, diseñado para mostrar lo que la banda puede hacer) es Puppy Gardener, el track progresivo del EP: el bajo que llega a niveles histéricos mientras la batería realiza un trabajo impecable entre ritmos de todo tipo y un muy buen trabajo de la guitarra picoteando por aquí y por allá, manejando armónicas y toda la cosa mientras al mismo tiempo y a base de capas, genera el “ruido de fondo” para el track. Sin pensarlo, mi track favorito.

Contrastando con el anterior, arranca la guitarra acústica de Venial, un track bastante más suave que el anterior, mucho muy agradable, rítmico, de lo más pop (que no es pop, por supuesto….¡Qué difícil catalogar… y qué bueno que es difícil, si finalmente lo que tenemos entre manos es música, no una etiqueta!) y que quizá sería lo que utilizaría como carta de presentación del grupo en un programa de radio.

Clinicalfinaliza el EP, otro track que se antoja suave, más simple, más acústico, con más espacio para el piano.

Godstickses una banda que deberemos seguir. Creo que a pesar de la tremenda carta de presentación, es prematuro con un EP emitir un juicio acertado: quedaremos en espera (con bastantes ganas) de recibir un album completo y ver hacia dónde se mueve el sonido de este trío que, por lo pronto, deja muchas expectativas con su EP.

 

English

Ok, ok… It seems some of you have tried to translate this review using the disturbing language translators available on the Internet. Here’s what we would have written in English (sorry ’bout my terrible language mistakes):

Blessed Internet… and that MySpace freaky thing… That’s what members of Godsticks used to contact us. They’re a Welsh trio who introduced us to their music…. so easy and simple… We’ll never end to thank the blessing of working on this radio show and site just for the love of music.

Now, stop the violins and go to business: Godsticks assembles in 2006 and just listening to the first two minutes on Not The Face it’s obvious that these guys have been working on many different music genres. Although they tend to manage more on a progressive (musically speaking) way of doing music, the final sensation you got is that of an elaborate pop rock with elements of jazz and progressive music. In other words: the constructions and performances have a lot of progressive or jazz complexities, but the overall experience is that of pop rock.

Take the interesting and rockish Not The Face, for instance, where you experience sudden changes from soft to aggressive moods. But it’s maybe Ease The Clown the best example of the type of experience and combinations of genres the band delivers in this EP, that I think has more possibilities with rock fans: a good voice (surely a women-magnet), excellent instrumental performances, some rythm changes, ups and ups…. and still it’s pop-rock. Check out the vocalization on the very beginning of the track, while the piano and the rythm section (wow… the rythm section) makes its entrance after an electrifying guitar… the track then softens helped by chorus and in the back, a syncopated rythm taken jazz elements -helped mainly by the piano- leaves a freshness sensation in a fusion that -although not invented by the band (ther are others trying to do the same)- maybe these guys are doing better than others.

This kind of mixing of rythms and genres can have consecuences, though: It´s possible that die-hard progressive fans can think of the experience as light-prog. On the other hand, it could be somehow complex to pop-heads. Definetly, if you like music and are not biased or brain-tied (or spoiled) on the genre-babble-fandom, you surely will appreciate and enjoy the proposal of this three Welsh musicians.

A track that in my humble opinion has to be put above the others thanks to the instrumental performance (it is almost like the track is designed, not composed, to show what the band and each member can do) is Puppy Gardener, the progressive track of the EP: the bass gets hysterical, while the drums performs impeccable among diverse rythms and the guitar does a good job picking here and there, using harmonics while at the same time and using some layers, generate the “background noise” for this cool track. My favourite.

In contrast with that track, an acoustic guitar start in Venial, a more soft track, very, pleasant, rythmic and maybe the more pop oriented track on the EP (of course, it’s not just as simple as to say it’s pop…. How hard to describe! … and how cool that it’s hard… finally what we have between our ears is music, not a label!). Maybe this could be the track that I’d use to introduce the band.

Clinical ends the EP, another “soft” track, simple, acoustic with more space for the piano.

Godsticks is for sure a band to follow. I think that although they deliver a terrific introduction with this EP, is soon to judge with only an EP. I’ll be waiting anxiously to receive or hear a full album (or more songs) and see the direction the band’s sound will take hoping they evolve it. By now, this EP generates great expectations…

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Zoé: Reptilectric

November 24, 2008 in 2008, Alternative, Mexico/México, Neopsychedelia, Rock by Ciro Velazquez | 14 comments

Zoé
Reptilectric (Noiselab)
2008 [11.14]
[psychedelic alt rock]
Prod: Phil Vinall +Zoé
Site: http://www.zoetheband.com (album site: http://www.reptilectric.com )
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/zoeoficial
Eval: 4/5
Art(e): León Larregui + Moisés Tehuitzitl

Tracks

  1. Reptilectric (3:52)
  2. Nada (5:34)
  3. Sombras (4:04)
  4. No Hay Dolor (3:13)
  5. Poli (3:21)
  6. Resiste (3:00)
  7. Neandertal (3:44)
  8. Fantasma (4:23)
  9. Luna (3:48)
  10. Últimos Días (3:50)
  11. Babilonia (3:31)

Músicos/Musicians

  • Sergio Acosta – guitarras eléctricas + guitarras acústicas
  • Jesús Báez – sintetizadores + piano + wurlitzer + honner + voz (coros)
  • Rodrigo Guardiola – batería + percusión
  • León Larregui – voz + guitarras acústicas + guitarras eléctricas
  • Angel Mosqueda – bajo + guitarras

con/with

  • Phil Vinall – ruidos + voz
  • Nick McCarthy – guitarras adicionales (2)
  • Yamil Rezc – batería adicional (7)

Reseña/Review

Larregui y compañía siguen perfeccionando su sonido en un disco que me gustó, aunque me emocionaron más los anteriores… sin dejar éste de ser un buen disco en un interesante año.

Batería y cuerdas graves de guitarra arrancan un Reptilectric en la fórmula clásica de la banda, llena del protagonismo de la voz de Larregui ante todo y estampado de una letra psicodélica ya parte de la banda … No podías esperar algo distinto (y eso es bueno en muchos casos, pero no tanto si lo ves desde otro punto de vista… por lo pronto sigo confiando en la honradez de los músicos que con el éxito de Memo Rex… en el mundillo más independente puede que infle… Noten el cambio a los 2:45 minutos del track, sutil, pero bien colocado, con la batería casi marcial durante tooodo el track. Logran sacar un buen track inicial, un track de Zoé.

Un track que quizá se antoje más sofisticado, lleno de retro del pop latinoamericano de los 60′s al estilo de la banda. Noten los teclados y la percusión en un track cuya melodía no me es atractiva, pero que, de nuevo, la banda logra sacar de forma magistral, hacia lo etéreo. Bien por ellos, aunque no me apunto Nada, para nada como mi favorita del disco (lo que sí reconozco es la excelente instrumentación que logran en este track).

Sigue Sombras, arrancando con guitarras distorsionadas y un teclado simple, casi de caja de música, lleno de ruido tras capas y capas de background. Un track “ligero” de letra interesante… musicalmente más pop, más radiable. Es cuando empiezo a pensar ¿Cuándo llegará el Paz, o el Corazón Atómico de este Reptilectric?

Y es entonces que se escuchan los inicios de un bajo muy a-la-The-Cure, y la cosa comienza a ponerse interesante, con tecladitos y todo, casi un homenaje a Smith en No Hay Dolor, en un track de psicodelia muy matizado al estilo de los británicos en el primer track que me hace repetirlo y repetirlo varias veces. Siendo al mismo tiempo radiable, pop, con motivos psicodélicos y de interiorización… y a la vez distinto a otros tracks de Zoé… ¡cooool!

Sigue otro experimento interesante, en un track dedicado a Poli, lleno nuevamente de imágenes de psicodelia en las letas, en un track que se antoja ligero, basado mucho en la guitarra acústica y en los coros (aunque la sección ritmica hace tremendo trabajo como debe ser… sin notarse casi). Otro de los tracks que anoto para repetirlos más veces en el disco.

Un track más serio, Resiste, irrumpe para llenarte de bajo, de sonidos graves, hasta que explota en teclados y se convierte con todo y “grito del águila” en otro track de marca registrada Zoé. Bueno, bastante bueno. Noten los cambios con todo y falsete al cantar “soy un libertino más”, mientras todo el background trae lo suyo atrás….bastante atrás. Bueno.

A falta de Paz, sin embargo, los teclados iniciales de Neandertal me dicen -y correctamente- que viene “el track” ese que hace una protesta, ése que es el que esperas en un disco de la banda que sigues: el que trae la sorpresa. Este en definitiva es mi track preferido del disco, en donde toda la banda hace su trabajo aunque esté diseñado para los teclados, desde el inicio… el que se construye a medida que entra cada instrumento a lo largo del track… en donde la aparente simpleza de la sección rítmica es un verdadero latido que vive en el track, el que habla del burócrata o del empresario voraz… no hay evolución… solo pulpos y zombies de metal… a quien le pongas el traje gris. Übercool.

Vuelven los teclados en un Fantasma más tranquilo, que suena más al Zoé que estamos acostumbrados y que aunque siendo un excelente track, tiene la poca fortuna de seguirle a Neandertal. Pónganle atención a todos los sonidos, pasan muchas cosas atrás…

Luna, por otro lado, se vuelve una agradable sorpresa, un cambio a la tranquilidad, más voces que otra cosa, endulzando un poco el ambiente y que continúa creciendo a base de las guitarras acústicas subiendo mientras al mismo tiempo toca lo etéreo con una simpleza y sencillez digna de un buen himno pop (en este caso neopsicodélico), bello track que se adentra en el post-rock… La banda tiene con qué adentrarse en el género, le sale.

Últimos Días, es un cambio -casi dramático- a un track energético de los que atrae bastante a los fans de la banda. Estas cosas le salen excelentes a la banda.

Las voces procesadas que arrancan Babilonia, pintan otro cambio y otra sorpresa -muy buena en este caso- en donde la banda se pone un poco más hard (bateria, bajo y guitarras estiradas contribuyen) mientras se van produciendo cambios hacia “la marca Zoé” en el track que hacia su segunda mitad se convierte quizá lo más psicodélico que entrega la banda en todo el disco, siendo éste track, junto con Poli los tracks que usan letras en inglés en alguna parte (pequeñas) a diferencia de los otros discos.

Un buen release de la banda, no defraudan, yo espero que sigan evolucionando (y a la vez algo me pide que escriba que también sigan perfeccionando aún más su sonido)… El disco está a excelente precio todavía y la edición especial trae algunas sorpresas… pronto DVD’s y más… y sigo confiando en la no-venta de Zoé (que en este mundo de Neandertales, se antoja complicado y difícil). Háganse un favor y háganse de este disco. Los albumsaurios como yo van a disfrutarlo completo… los que no… habrá singles o bien los servicios de compra canción por canción en internet. Les recomendé lo mejor que escuché.

Revisar también/See also

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Jethro Tull: Aqualung

October 31, 2008 in 1971, Folk, Hard, Progressive, Rock, United Kingdom/Reino Unido/UK by Ciro Velazquez | 2 comments

Jethro Tull
Aqualung (Island)
1971 [03.19]
(1999 Chrisalys bonus edition reviewed)
[progressive (hard) rock]
Prod: Ian Anderson + Terry Ellis
Site: http://jethrotull.com
Tracks @ MySpace:
Eval: 4.5/5
Art(e): Burton Silverman

Tracks

  1. Aqualung (6:31)
  2. Cross-Eyed Mary (4:06)
  3. Cheap Day Return (1:21)
  4. Mother Goose (3:51)
  5. Wond’ring Aloud (1:53)
  6. Up To Me (3:15)
  7. My God (7:08)
  8. Hymn 43 (3:14)
  9. Slipstream (1:13)
  10. Locomotive Breath (4:23)
  11. Wind Up (6:01)

    Bonus Tracks (1996-1999 edition)

  12. Lick Your Fingers Clean (2:46)
  13. Wind Up (Quad Version) (5:24)
  14. Excerpts From The Ian Anderson Interview (Mojo Magazine) (13:59)
  15. Song For Jeffrey (BBC) (2:51)
  16. Fat Man (BBC) (2:57)
  17. Bourée (BBC) (3:58)

Músicos/musicians

  • Ian Anderson – voz + flauta + guitarra acústica
  • Martin Barre – guitarras eléctricas + flauta dulce
  • John Evan – piano + organo + mellotron
  • Jeffrey Hammond – bajo + flauta dulce (alto) + voces
  • Clive Bunker – batería + percusión

Reseña/Review

La legendaria cuarta entrega de la banda británica que comenzó tocando más bien blues y luego -como varias otras bandas inglesas- se zambulló en el art o prog rock con o sin intención, pero quizá buscando algún giro más intelectual en su expresión musical (recordemos que comenzaron a usar flauta desde sus inicios, cosa extraordinaria y no necesariamente muy aceptada o bien vista en aquél entonces), fué grabada entre diciembre de 1970 y febrero de 1971 en los Island Studios en Londres, mientras Led Zeppelin mezclaba su cuarto álbum en el estudio pequeño al lado del grande donde trabajaban Anderson y los Tull.

En esos tiempos, Luis Echeverría asumía la presidencia en México, comenzaban a limitarse los anuncios de cigarros en radio y TV en los Estados Unidos, Portugal intentaba invadir la Guinea, se aislaba a Sudáfrica a causa de su política de apartheid, la nave Venera 7 rusa llegaba a Venus, se levantaba la primera torre gemela del World Trade Center en Nueva York, Paul McCartney comenzaba los trámites legales para disolver la asociación musical de The Beatles, Idi Amin ascendía al poder en Uganda tras deponer al presidente Obote, se sentenciaba a Charles Manson (quien llegó a asociarse y a convivir con Dennis Wilson de los Beach Boys) y tres miembros femeninos de su “familia” por los asesinatos de Sharon Tate (esposa de Roman Polanski) y el matrimonio LaBianca. La armadora Rolls-Royce se declaraba en bancarrota, siendo nacionalizada por el gobierno inglés mientras la misión Apollo 14 lograba el tercer alunizaje exitoso. Se inauguraba el índice Nasdaq en la bolsa estadounidense, Satchel Page lograba la entrada de un negro al salón de la fama del béisbol, mientras comenzaban los abortos legalizados en Holanda y el tremendo Evel Knievel lograba saltar sobre 19 carros en su moto. Pablo Neruda ganaba ese año el nobel de Literatura. Fallecían Coco Chanel y poco después Igor Stravinsky, mientras nacían Kid Rock (buh), Denise Richards, Erykah Baduh, Sean Astin y Ewan McGregor.

En la música, mientras grababan salían entre otras cosas The Man Who Sold The World de Bowie, Paranoid de Black Sabbath, Pearl de Janis Joplin, Plastic Ono Band, No Dice de Bad Finger, Tea For The Tillerman de Cat Stevens,  Soul Rebels de The Wailers, Gary Moore parte de Skid Row sacaba un pequeño intento de EP (Skid), aparecían Derek & The Dominoes, Lizard de King Crimson, debutaban Emerson, Lake and Palmer (después de desbandarse The Nice), Funkadelic un poco antes. Se desbandaban The Beatles, Simon & Garfunkel y The Monkees (gracias a Dios), Eric Burdon y War mientras se formaban Queen, Aerosmith y The Doobie Brothers.

Al salir a mercado Aqualung también se escuchaban Meddle de Pink Floyd, Collage de Le Orme, La Biblia de Vox Dei, L.A. Woman de The Doors, debutaban REO Speedwagon (puajj), Kraftwerk y Led Zeppelin tocaba por primera vez en Belfast Stairway To Heaven y mucho estaba por pasar a finales de ese mismo año.

Esas primeras 6 notas tétricas, contundente, agresivas, doom, heavy de Aqualung hacen ya de este disco algo especial. La primera vez que lo escuché (no recuerdo cuándo, pero sí fue hace ya bastante tiempo) no me gustó, era demasiado oscuro. Esa primera impresión puede hacer que no disfrute tremendo track con sus tres movimientos.

Después de platicarnos acerca del vagabundo de no muy buenas intenciones (Aqualung, llamado así por tener probablemente hechos nada los pulmones como hace ver el sonido de su respiración), se describe otro personaje, también de dudosa reputación: Cross-Eyed Mary, en un track de igual energía aunque un poco menos oscuro, que arranca ahora sí con la flauta de Anderson, mientras se va acompañando uno a uno del resto de los instrumentos, piano, teclados (siempre de fondo), en crescendo hasta que se llega  a la irrupción de la voz, esa voz poco dotada que aquí, suena más forzada, más delirante, gritando más que cantando, mientras teclado y guitarra arremeten con agresividad, mientras  Mary se cruza en este track en un momento con Aqualung (quien quizá atrae su atención a través del patio)… este solo dato pudo haber dado pie al manejo (por otros, que no por Anderson) de un “album concepto” (pero lo mejor en cuanto al concepto está por venir y, dado que no lo fué, fué un excelente trabajo de selección de temas/letras).

Después de estos tracks, un pequeño puente de ese folk-rock que estaba desarrollando la banda: Cheap Day Return con la voz más suavizada de Anderson en un track que aparentemente se refiere a él mismo y la enfermedad por la que atravesaba su padre… y con la maravilla que son las guitarras acústicas de Tull (aunque quizá no hubiese sido un total virtuoso en la guitarra, junto con Barre, Anderson es buenísimo, realmente bueno con la acústica).

El “puente” no intencional, da pie a uno de mis tracks favoritos de Tull: Mother Goose, folk, con flautas (trasversa y dulce), sonidos de bohdran, acústicas a más no poder y de nuevo con la voz de Anderson, que ya a estas alturas se reconoce, se acepta que no es ni por mucho buena, pero que finalmente es la expresión de la banda, que ya se alaba y se aplaude, mientras habla, suaviza e intenta cantar haciendo lo necesario para que la forma en que modula esconda de alguna manera sus limitantes… no importa: es Tull y es -para muchos, no para mí- su disco insignia.

Se sigue un track más suave y dedicado ahora al romance: Wond’ring Aloud, en este caso acompañado de arreglos de cuerda, cortesía de David Palmer en un track.

Se da luego un pequeño giro entre los balbuceos de Jeffrey Hammond en un track de blues-jazz-rock (obviamente mucho más rock que otra cosa) Up To Me, donde se nota que los músicos se divirtieron de lo lindo haciendo de todo… La flauta dando su toque especial al track (como siempre en Tull). Denle una escuchada a las pocas intervenciones de guitarra eléctrica de Barre… nada del otro mundo, pero puestas donde deben.

Arranca lo que en el disco original, fue el segundo lado: con lo que parece todo un tratado sobre Dios y la religión (o más bien de la institución eclesiástica, que aplicaría aparentemente a la Iglesia anglicana, aunque bien puede servir a otras más), dando su lugar al primero y haciendo ver todas las fallas de la segunda…

Y arranca contundente, con My God (atención al solo de flauta, por favor, antes que arranquen “los coros”), donde se cuestiona las formas en que se ha ido desarrollando el concepto religioso y al mismo tiempo de Dios por los que manejan la iglesia… crítica ácida. El track, sin embargo, con su tono gris, es una maravilla desde el arranque rápido de la acústica en solitario, que se acompaña luego por el piano y la voz acusadora de Anderson que por alguna razón -al menos en el disco- adquiere autoridad, mientras -después de un rato- entra toda la banda con estridencia, hasta que todos se callan para dejar a Anderson y su solo de flauta que llega a un punto francamente religioso: coros y flauta, übercool, regresando para finalizar de nuevo con toda la banda (y después de todos los cambios) llegando casi al principio. De lo mejor del disco, definitivamente.

Otro buen track de rock que refiere de alguna forma u otra a la religión, siendo un llamado de atención de que se anteponen muchos otros intereses antes que el bien y cómo muchas veces esto se hace en el mismísimo nombre de Dios. Y es que Hymn 43 bien puede ser un himno en contra de la hipocresía o bien un alarido que busque que pensemos, todo en un tono de blues rock tremendo, piano y guitarras  (noten el rasgueo particular en este track) y bajo eléctricos y una batería que dejan de repente aparecer a la flauta por aquí y por allá.

Otro “puente” suave, con Slipstream y el mensaje para los que privilegian lo material, olvidándose de ese Dios que anda por ahí, dando el mensaje en una manera corta y suave……

Y aparece el piano que precede la introducción de quizá uno de los tracks más reconocidos y queridos de la discografía de Tull (sin despreciar a Aqualung), el sonido casi de bar del piano, mientras se integran los aullidos lejanos de la guitarra eléctrica en todo el intro que se apaga y vuelve a subir para arrancar en otro ritmo con la guitarra eléctrica y el resto de la banda al frente y en donde poco te importa la voz de Anderson, el track es demasiado imponente para fijarte en algo más que en el mismo como un todo… Locomotive Breath y la técnica en el solo de flauta mientras respira/canta sobre el instrumento escuchando tanto el aliento como el sonido mismo de la flauta es imborrable, haciéndote a veces olvidar el triste y patético mensaje de Charlie y cómo su vida se va al abismo, mientras se llega

El disco finaliza con Wind Up -mientras en todo este segundo lado no se deja de hacer alusión a Dios de alguna u otra forma- en donde se critica la forma tan estúpida en que tratamos de esconder de ese Dios que nosotros mismos declaramos omnipresente, los actos que cometemos a través de formas e idas al templo, desde el punto de vista del jovencito que fué a la escuela dominical, podemos engañarnos, a Dios no, es el mensaje…. mientras escuchamos un track que arranca suave, nuevamente a base de piano y va tomando tonos hard como muchos otros tracks en el disco. Toda una experiencia… entre la música, las gesticulaciones de Anderson (casi se oyen en lugar de verse).

Una excelente obra Aqualung, definitivamente marcó hito al igual que muchos otros discos que estaban saliendo en su tiempo.

La edición especial, cuenta con una versión masterizada del cuadrafónico (método de grabación del disco). Varios bonus (algunos de grabaciones directas en la BBC) y una interesante conversación con Anderson alrededor de la grabación y el momento que se vivía cuando se grabó el disco, vale la pena, aparte de recomendarles ampliamente el disco (duh! como si requiriese mi recomendación…) les recomiendo mucho las versiones re-masterizadas y con bonus.

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The Police: Ghost In The Machine

October 1, 2008 in 1981, Pop, Rock, United Kingdom/Reino Unido/UK by Ciro Velazquez | 4 comments

 

The Police
Ghost In The Machine (A&M Records)
1981 [10.02]
(2003 25th anniversary edition reviewed)
[(reggae) rock]
Prod: The Police + Hugh Padgham
Site: http://www.thepolice.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/thepolice
Eval: 4/5
Art(e): Mick Haggerty

Tracks

  1. Spirits In The Material World (2:59)
  2. Every Little Thing She Does Is Magic (4:21)
  3. Invisible Sun (3:44)
  4. Hungry For You (J’Aurais Toujours Faim De Toi) (2:53)
  5. Demolition Man (5:57)
  6. Too Much Information (3:43)
  7. Rehumanize Yourself (3:10)
  8. One World (Not Three) (4:47)
  9. Ωmegaman (2:48)
  10. Secret Journey (3:34)
  11. Darkness (3:14)

Músicos/Musicians

  • Sting – bajo + teclados + sax + voz
  • Stewart Copeland – batería + percusión + voz (coros)
  • Andy Summers – guitarras + synth guitar + voz (coros)

con/with

  • Jean Roussel – teclados (2)

Reseña/Review

Cuarto album de la banda que enmedio del movimiento punk y con miembros mayores en edad que el resto de la escena inglesa que surge en su tiempo, decidió adoptar el ritmo reggae combinado con un rock y, sí, con tintes de punk y mucha agresividad notable en varios tracks y basada sobre todo en la trepidante batería de Stewart Copeland.

Grabado entre enero y septiembre de 1981, el disco salió a luz en octubre de ese año, poco después de haber salido Abacab, el 11o de Genesis (y que de alguna forma u otro marcó la época en que los progresivos de corazón comenzaron a disgustarse con dicha banda). Durante la grabación, Reagan asumía la presidencia en los Estados Unidos, para ser baleado en el tórax semanas después, magni-atentado que tendría secuela un par de meses después en Juan Pablo II en pleno Vaticano. Grecia entraba a la comunidad Europea, casi al tiempo en que se liberaban los rehenes estadounidenses cautivos en Irán, se formaba el partido socialdemócrata en Gran Bretaña meses antes de la huelga de hambre de miembros del ERI (IRA) prisioneros que acabó con 10 de ellos. En Abril de ese año de grabación se desbandaba Yes. Pinochet se declaraba presidente por otro período de 8 años. MTV salía por primera vez al aire el 1o de Agosto, mes en que se daba sentecia de 20 años a Mark Chapman por el asesinato de John Lennon, casi al tiempo en que volaba por primera vez un 767, cerrándose la grabación cerca del concierto en Central Park de Simon & Garfunkel.

Enmedio de todo esto el clásico sonido reggae-rock que acuñó la banda muchas veces, según se dice, en contra del parecer de Sting, comienza a refinarse y en este disco que por primera vez presenta un título entendible en inglés y con una de las portadas mejores y más interesantes de un disco de rock, presentando una versión ”dibujada” a base de LEDs de los tres miembros de la banda (Summers, Sting y Copeland en ese orden).

Nada como un ataque de batería corta y aparentemente sincopada de Copeland mientras el bajo hace un trabajo tremendo mientras los teclados ocultan en parte el sonido reggae de la guitarra de Summmers para arrancar el disco con una oscurísima (acentuada la oscuridad por el sonido de violines de los teclados) Spirits In The Material World. Track donde la banda va más allá en la parte intelectual… con letras interesantes y con más protesta… Somos espíritus en un mundo material… bastante cool.

Sigue el hit pop  Every Little Thing She Does Is Magic en donde me quedo con el trabajo en el hi-hat, marca registrada de Copeland. Alegre, con sonidos de tambores de metal, con cambios más bien oscuros dentro de la alegria presentada al entrar los tambores. Un contraste que termina llamando la atención.

El disco se vuelve a oscurecer, con uno de mis tracks favoritos… Invisible Sun, que no fué de los mejores recibidos… Un bajo básico al inicio, sintetizadores que llenan el ambiente mientras un tambor marca el paso entre los coros… hasta que la misma batería da entrada al crescendo en donde hay que escuchar con atención lo que hace la guitarra no nada más en el solo del final sino mientras rasguea las cuerdas por aquí y por allá en el track que es oscurísimo en donde el mensaje de esperanza apenas se percibe…. muy cool.

Otra vez en vaivén, el álbum se alegra con los sonidos de sax con un track “masticado” en francés Hungry For You con un bajo que realmente golpea mientras la batería hace maravillas (noten todo lo que sucede en base a las baquetas de Copeland… ¡sólo el! y el coro que te hace saltar “mais nous pouvons faire ce que nous voulons, J’aurai toujours faim de toi” (aparte de tener que meterte una papa caliente en la boca para sonar similar a Sting), no importa lo que hagas, todavía tengo hambre de tí… ¡ja! rara combinación de letra y música. 

Entra un track energético con una de las líneas de bajo y guitarra más sencillas y pegajosas… Demolition Man, sin ser mi track perferido, agrega sonidos de sax (cortesía de Sting) que le dan otra dimensión a un track que se despega de ese reggae-punk original de la banda… trepidante, ojo con la guitarra y su histeria durante la segunda mitad del track y el clásico sonido en los solos. La batería -como siempre- tienes que oirla (y cuando ves éste track, por ejemplo en vivo, te das cuenta de la fuerza de Copeland como un motor imprescindible en el sonido del trío.

Los que tuvimos el disco desde el inicio (recuerdo haberlo grabado en cassette del vinyl) y que saben de memoria el orden de los tracks seguro se quedan a la espera de Too Much Information y los sonidos de vientos, y el ooh… ohh! gritado de Sting. Se eriza la piel con los sonidos que salen de la batería, lo que hace la guitarra y la energía que sale de este track. Demasiada información que pasa a través del cerebro… demasiada información… volviéndome loco, adelantándose un poco a su tiempo (no, no había internet y quienes enviaban información eran los medios en ese tiempo).

Re-humanize Yourself de alguna extraña manera convierte el sonido de la banda en un pop sofisticado, en un track que al inicio parece hasta infantil… Escuchen sin embargo el sax, el bajo (nada inusual, pero con qué ritmo), mientras la guitarra maneja efectos que no son especiales, es la pura forma de tocar de Summers.

Con un interesante mensaje político, One World (Not Three), sus coros agudos, el bajo dominate, los ecos en la guitarra y el manejo impresionante de la batería se convierte en otro track que recuerdo con cariño… gritos agudos (aaauuuuhhh) y todo. Oigan por favor la batería que opaca el nada despreciable trabajo del resto de los instrumentos… ¡Copeland está impresionantemente loco! ¡bandota!

Llega una pieza rara (el sonido de Summers finalmente), pero con el sello de eeeeoooooh de la banda iniciando las voces: Omegaman, escrita por Summers también sirve de vitrina para el lucimiento del sonido de guitarra, ese sonido de alguna forma que de forma extraña se acopla en notas que no parecen concordar con el resto de la canción… esta clase de experimentos fueron siempre bienvenidos.

Ola tras ola de sonidos sintéticos que envuelven el aire dan pie de nuevo a la guitarra y los efectos, ecos, rasgueos y demás para que el bajo comience a gritar sin llegar al escándalo para que el track se vuelva claro, cristalino y oscuro. Un excelente rock que con el acompañamiento de los sintetizadores, tiene la escencia de banda de rock. Secret Journey vuelve a oscurecer más el panorama, en, literalmente, un trip en el que el mensaje es que cuando hagas tu viaje secreto serás un hombre santo… (uh?). Cool…. terminando de nuevo con los sonidos del inicio.

Sonidos de piano y el clásico sonido de las composiciones de Copeland (de las que Sting sí se llevó cosas a sus discos solistas) en un track que de alguna u otra forma afloja, sin dejar de ser interesante, como dejándote respirar después de la andanada de energía del resto del disco… ”Desearía no haberme levantado… la vida era más fácil cuando era aburrida” reza Darkness, mientras un discazo se desvanece entre sonidos de truenos.

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Zubersiva: Zubersiva

September 21, 2008 in 2008, Alternative, Mexico/México, Rock by Ciro Velazquez | 5 comments

Zubersiva
Zubersiva (Independiente)
2008
[alt rock]
Prod: Zubersiva
Site: http://www.myspace.com/zubersiva
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/zubersiva
Eval: 3.5/5
Art(e): Lili Martínez

Tracks

  1. Get Away (3:30)
  2. Busy (3:53)
  3. It’s Over Now (3:55)
  4. Come Back To Me (3:28)
  5. So Tell Me Now (3:24)
  6. I Know (5:00)
  7. Without You (3:20)
  8. Disappear (3:54)
  9. Hard To Find (3:42)
  10. Sueños (3:52)

Músicos/Musicians

  • Israel Moyeda (Trovas) – guitarra + teclado + voz
  • José Luis González (Joe) – guitarra
  • Alfonso Aguirre (Poncheves) – voz + guitarra
  • Osiris Tapia (Ossy) – batería
  • Daniel Vázquez (Dany) – bajo

Reseña/Review

Otra banda de Monterrey que lanza disco este año… La cosa va bien. En este caso, es Zubersiva, quinteto con lo básico de un grupo de rock, guitarras, bajo y batería (y un poco de teclados para darle matiz al fondo). La banda compone principalmente en inglés, aunque presenta un track en español. Desglosemos pues, la experiencia de un trabajo que sabemos, como en el caso de casi todas la bandas cuyos discos reseñamos, tomó una buena cantidad de esfuerzo y trabajo.

Get Away arranca con un ataque un tanto agresivo de la guitarra en distorsión que haría pensar, a medida que avanza el track que andas en los 90′s en inicios del Nu-Metal (sin el rap, afortunadamente) aunque quizá más en un alternativo estilo Creed y otras bandas de la época también del post-grunge. Mientras la voz de Poncheves entra decidida a un track que over all es una muy buena carta de presentación.

El sonido que se escucha es bastante razonable y muy bueno para su primera entrega. Valió la pena el trabajo. La mezcla, sin embargo, se siente que podría mejorar en ocasiones, de repente requieres audífonos para apreciar todo lo que sucede en los tracks.

Teclados y rasgueos en la guitarra, dan pie a un track más tranquilo, más pop rock que es Busy, el single del disco, con la duración y el beat adecuado, y el coro con la “pegajosidad” necesaria para ser uno de los tracks más radiables “run aaaaway….” clásico.

It´s Over Now regresa un poco a las distorsiones, a los solos de guitarra en otro ejemplo del sonido que quizá puede describir mejor a la banda (porque varias canciones se acercan al mismo, aunque se nota la búsqueda de sonido propio y la experimentación que no deja de ser bueno) y que tiende a ese post-grunge más duro, más de rock.

Los teclados y el wah-wah le dan un toque psicodélico a Come Back To Me, un track que tiene toda la intención de entrar en el territorio de la psicodelia, la banda anda experimentando y sin embargo mantiene un sonido característico, quizá de la mano de la voz de Poncheves y también, probablemente de ese trabajo en el fondo de la sección rítmica que hace el trabajo. Ojo a los teclados en este track… cool (de mis tracks favoritos del disco).

So Tell Me Know, regresa al pop rock a algo más melódico, guitarras acústicas y toda la cosa, de repente se oye hasta folk. Otro track para la radio, donde hay más sonidos de instrumentos distintos (cortesía en mucho de los teclados).

Llega I Know. “el track” del disco que arranca con acústicas, un ataque de batería para dejar entrar a las distorsiones y que muestra un camino que ojalá pueda explorar más la banda (aunque quizá otras Busy’s le pueda redituar más… sabemos que son de los nuestros, inténtenle por aquí). Todavía me llega a confundir algo el timing de la acústica en el fondo, pero el resultado es bastante bueno. Definitivamente es el track con el que me quedo: más coros, más diversidad vocal, de nuevo teclados y solos de guitarra con una pizca de psicodelia.

El sonido de piano telegrafía en segundos la llegada de esa especie de balada rock que en efecto presenta Withot You, otro track radiable y en que el esquema de composición basado en la repetición extrema de los coros se hace presente al igual que en otros tracks. Aunque resulta, quizá haya que cuidar esto un poco.

El vaivén sigue entre el pop-rock y lo hard, en esta ocasión con el ataque de la batería que da inicio a Disappear, un track que aunque más ligero que otros, se llena de distorsiones en un tono -como dije- más ligero, más alegre. Buen track para conciertos y un poco de rave… Atención con la guitarra en los solos, de nuevo.

Y por si faltase una balada con humming y toda la cosa, la banda regresa al piano en solitario con voz en Hard To Find, con la que parecería que la banda está haciendo este primer disco para conciertos y para encendedores (ahora celulares) prendidos dentro del auditorio… Dados los cambios que presentaba el disco entre dureza y suavidad, era de esperarse lo más “acolchonadito” para el último track suave.

Termina el disco con Sueños, en español, cosa que se agradece grandemente de bandas locales y que -según nuestro libro en el programa de radio- se convertiría casi en una exigencia para cualquier disco local (esperemos que nos escuchen y que se integre algo en español, al menos un track, en cada disco), en donde el solo cambio de idioma da un cambio en todo, se ve que la voz tiene que ver y que al mismo tiempo tiene que ver con cambio en la composición (en este track participa Ossy en la composición). El ritmo vuelve a ser, digamos, alegre… Ojalá que la banda experimente psicodelia en español… funciona y este track da esperanzas.

Con gusto hemos notado que localmente la banda goza de un pequeño ejército de seguidores, lo que les da el ánimo para dar el siguiente paso. Ojalá pudieran tomarlo y comenzar a crecer musicalmente. Este tipo de aire se requiere. Por lo pronto, con la sensación de que el sonido lo has escuchado en algún lado antes, Zubersiva -el álbum- se agradece y agrega al excelente año que hemos tenido en la ciudad.

Colaboren con la escena local y háganse del disco. Se consigue localmente y por internet. Visiten los links.

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Eclectolab: Vibrato

September 17, 2008 in 2008, Mexico/México, Pop, Rock by Ciro Velazquez | No comments

Eclectolab
Vibrato (Independiente)
2008
[pop rock]
Prod: Héctor Miguel Gil Leal TO
Site: http://www.myspace.com/eclectolab
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/eclectolab
Eval: 4/5
Art(e):

Tracks

  1. Rixoto (4:45)
  2. Chikikikikong I (3:16)
  3. Wicha De Gpe (3:45)
  4. Mantra (4:21)
  5. De Madre A Hija (6:17)
  6. Respeto (3:11)
  7. Continente Perdido (2:44)
  8. Chikikikikong II (2:56)
  9. Disconciente Cyan (5:38)
  10. Fantasía Marina/Ximio (11:36)

Músicos/Musicians

  • Poly Romero – voz
  • Pájaro – guitarra + pajarófono + teclados
  • Silver – trompetas
  • Matito “Tony” Vercellino – batería
  • To – voz + sexto + programación

con/with

  • Iván Taméz – guitarras (2,5,8,11)
  • Andrés Cantisani – voz (4) + guitarra (5)
  • Jano – guitarras (5,6,10)

Reseña/Review

Definitivo que este año fué uno muy bueno para la música en Monterrey. Salieron varias cosas interesantes y teníamos rato escuchando de lo que pasaría con Eclectolab… Valió la espera (seguiremos esperando el disco del Pájaro).

Eclectolab es el proyecto de To(To) quien se acompaña de varios músicos locales (y quizá no) para generar un sonido bastante propio a base de la voz, coros, trompetas (cool) y guitarras con mucho reverb, ecos y hasta distorsión… además del mismísimo pajarófono.

Lo que llama la atención cuando arrancan los efectos casi “de disco” de Rixoto que se recompone al entrar la guitarra es el sonido del disco… pulcro y nítido. Excelente trabajo. Vámonos, sin embargo a la música como tal, que se supone que es lo que nos compete: Eclectolab entrega, como dijimos un sonido bastante particular, lleno de guitarras, una voz peculiar, exagerada de alguna forma, sin ser esto algo malo, finalmente te acostumbras tanto a la voz, como a los sonidos que escucharemos a lo largo de todo el disco y los coros con la voz femenina (con todo y nah-nah-nah) suenan bastante bien. La cosa se pone interesantísisma cuando suenan por primera vez las trompetas entregando un sonido que se “popea” a partir de ahí… y pongan atención al pajarófono haciendo de las suyas por aquí y por allá.

Lo descrito es casi genérico del sonido de todo Vibrato. Chikikikikong, con un preludio de sonidos ambientales y teclados se “endurece” dentro de su sonido pop-funk, gracias a la guitarra distorsionada, cortesía de Iván Taméz, mientras la voz -casi- en lamento comienza a llenar la atmósfera. Nótese cómo la batería se hace cargo la sección rítmica “casi” haciendo que no hiciese falta el bajo.

Wicha De Gpe (Garralupe!), con la marca (ya) de sonidos ambientales (teléfonos en este caso) se adentra más en un funk electrónico donde la trompeta se da gusto haciendo de todo (los solos delirantes con la trompeta en mute son dignos de escucharse una y otra vez), la batería va siguiendo lo que se hace mientras el track delira llegando a un clímax que hasta requiere una aspiración de cigarro y un final de caricatura. 

Mantra se pone más etéreo, hasta solemne, a base de la voz de Poly Romero y las trompetas en Mantra, que le trae un cambio al disco, hasta cierto melancólico.

Las percusiones, entradas de trompeta, batería, cada quien entrando a su tiempo, van construyendo un De Madre A Hija que es una delicia, otro aire fresco (¿más?) en el disco. Un track un poco más jazzeado dentro de la misma línea que trae el proyecto hasta el momento, escuchen todos los instrumentos, los coros y demás cosas que ocurren al fondo… un track con mucho cariño.

Le sigue Respeto, más en la línea de los primeros tracks… buen cambio para el disco en un track simple, bueno en la simpleza, pero que al mismo tiempo se tiene que escuchar como los otros tracks del disco (a conciencia y buscando encontrar cada sonido que produce Eclectolab).

Continente Perdido, se acerca quizá más al estándar de un track pop lleno también de influencias de otros géneros (el progresivo, el jazz entre ellas). Excelente el desarrollo vocal de Poly Romero.

Regresa por sus fueros Chikikikikong II como una especie de leit motif en un disco que no aparenta un concepto, sino una serie de buenos tracks… algún puente habrá. En esta ocasión con más procesamiento, más electrónico, pero con la misma potencia gracias al maestro Taméz y en esta ocasión, finalizando en ¡canción de cuna!

Disconciente Cyan, otro track pop quizá más convencional, junto con Continente Perdido, al menos más convencional que el resto del disco.

Fantasía Marina es quizá uno de los mejores tracks del disco, con una mezcla muy bien lograda de géneros, muy artsy y que logra extraer sonidos para poner la piel de gallina de prácticamente todos los instrumentos. La voz femenina envuelve y arropa, mientras pasas de algo como un jazz a una especie de trance. finalizando sus 7:37 minutos y después de unos minutos de sonidos de reunión/grabación arranca esa especie de bonus que es Ximio, otro excelente track dentro del disco quizá más rock con un dejo de jazz, que finaliza bien el disco.

Una propuesta musical muy original en su mezcla de sonidos y géneros, cuyas letras a veces parecería que faltan de acabarse, pero cuyo resultado final me han hecho repetir el disco varias veces. Recomendado. Buen año para la musica made in Monterrey.

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The Clems: Tanto Tiempo EP

August 3, 2008 in 2008, Mexico/México, Pop, Rock by Ciro Velazquez | 1 comment

The Clems
Tanto Tiempo EP (Indigo)
2008
[pop (garage) rock]
Prod: The Clems
Site: http://www.theclems.com.mx
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/clems
Eval: 3/5
Art(e):  Jalil Rendón

Tracks

  1. Vamos A Ir (2:48)
  2. Nunca Me Doy (3:38)
  3. Desaparecer (3:04)
  4. No Soy Tú (4:14)
  5. Crees Que Puedes (3:05)
  6. Esperando (4:02)

Músicos/Musicians

  • Jalil Rendón – bajo
  • Chris Rangel – batería
  • Tristán García – voz + guitarra
  • Ramón González – guitarras + voz (coros)
  • Jesús Trigos – teclados + guitarra

Reseña/Review

Conozco a uno de los músicos de la banda desde hace rato. Una banda que se ha esforzado por pasar de los ensayos a las tocadas de covers y que -intuyo- ha sudado para comenzar a salir de ahí, tratando de hacer su música.

El resultado es este primer EP, en donde la banda comienza a presentarse. Esperamos que sigan avanzando y tengan el suficiente apoyo. Siendo el primer esfuerzo, es obvio que faltan muchos ajustes en la grabación, producción y sonido en todo el EP, en este caso tratare de al mismo tiempo obviarlo (difícil) y concentrar los esfuerzos en lo que hace la banda.

Un rock casi ochentero con reflejos simultáneos de Babasónicos y de Los Látigos es lo que se entrega en Vamos A Ir: básico y simple, de garage a más no poder. Track para colocar en el auto el viernes antes del antro (cuando andas en esas).

Nunca Me Doy no cambia mucho el tono, ritmo y mood, sin embargo avanza en ruido y se posiciona unos años adelante que el anterior track, desde el arranque distorsionado. En un track que trata de hacer un manifiesto que -por alguna razón- no suena contundente como se supone que debería (y hablo más bien de la letra que de la música, que avanza respecto al track inicial) y sin embargo refleja lo que varios: las cosas no están bien, pero no se trata de radicalizar. La voz de Tristán, que a veces suena a grupo español, comienza a ser sello por lo que tendrá que desarrollarse más. En el EP, al igual que el resto de la banda… hace el trabajo. Finalmente, uno de los mejores tracks.

Desaparecer sigue el estilo, con ecos, lejanía en la voz y -de nuevo- un coqueteo con los grupos de rock en español de los ochentas (y quizá noventas: escuchen los pincelazos de teclados “cute” por aquí y por allá enmedio de las guitarras distorsionadas) de los cuales es posible que la banda se pueda alejar y evolucionar. Hay con qué. Buena mezcla de sonidos de parte de la banda.

No Soy Tú es el acercamiento a balada de la banda… probablemente no sea el fuerte de la banda y -probablemente- pueda ser un track socorrido por “las fans” ojalá las cosas no deriven por ahí, aunque no es un track malo en el EP: Hay elementos influenciados nuevamente por los Babasónicos (la voz entre ellos) y hasta por The Cure en algunos momentos. (Ojo: escribí “influenciados”).

Regresa la energía con el track que -de tratar de mostrar lo que puede hacer la banda- convertiría en el primer sencillo: Crees Que Puedes. Un track sencillo, de nuevo básico (donde la banda hace cosas interesantes) y que hasta entusiasma… hasta te quedas con el coro…

Cierran con Esperando, un track con recurrencias “nunca me doy” se oye en algún momento (¿Fijación con la lucha de la banda por sobresalir? ¿Del letrista (Tristán) únicamente?… déjenlo en el misterio). Un track con intenciones de algún tipo de himno. De nuevo elementos ochenteros en sus cambios y sin embargo con bastante mejores resultados.

Sería bueno y quizá necesario que la ciudad crezca musicalmente hablando y The Clems podría llegar a tener un nicho en este crecimiento, esperamos que le sigan echando ganas y -sobre todo- evolucionando.

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Hello Madness: Light And Life After Dusk

July 21, 2008 in 2008, Alternative, Mexico/México, Rock by Ciro Velazquez | 6 comments

Hello Madness
Light And Life After Dusk (The Note Garden Records)
2008 [07.24]
[alt (piano) rock]
Prod: Alejandro Millán
Site: http://www.hellomadness.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/hellomadness
Eval: 4/5
Art(e): Arturo Leal

Tracks

  1. Hello Madness (3:33)
  2. Destiny Is Too Late (2:46)
  3. Change (3:39)
  4. My Stranger (4:39)
  5. Emotions (3:30)
  6. Once Again (3:41)
  7. Far Away (4:19)
  8. Stolen (4:02)
  9. Not Feeling (4:25)
  10. Here On My Lips (3:52)
  11. Light And Life After Dusk (4:28)

Músicos/Musicians

  • Alejandro Millán – voz + piano + teclados + concertina
  • Pablo González Sarre – bajo
  • Enrique “Bugs” González – batería

Reseña/Review

No me canso de agradecer lo afortunado que somos de estar haciendo este esfuerzo por llevar música de varios tipos a todo aquél que nos quiera leer. El presente álbum es un ejemplo más: con este material somos testigos de la evolución de un músico que conocimos en sus inicios de metal y progresivo, pasando por varias aventuras hasta entrar hoy en un rock altenativo que no puede negar las influencias del progresivo e incluso del jazz, género que Alejandro Millán nos compartió disfruta desde hace unos años. Esto es, pues, Hello Madness, el nuevo proyecto de Alejandro entrando en una etapa de madurez musical, pasando de hacer música “complicada” por el hecho del  reto técnico a tratar de hacer música “que la gente escuche”… Ambos motivos validísimos y afortunados…

Baste escuchar la apertura del energético track inicial Hello Madness con un piano que proviene del jazz, y donde la sección rítmica  lo mantiene en un rock muy natural. Un sonido que Alejandro y Hello Madness buscan y comienzan a labrar. Un track catchy y quizá el primer single del disco. Muy bueno.

Hay que decir que el sonido es bastante, bastante bueno, sin ser perfecto. La voz mantiene un eco en varios tracks, que en ocasiones no requiere, para una voz que hace el trabajo y que está educándose al nuevo género donde incursiona…

Destiny Is Too Late, un track más serio, más solemne y más oscuro/melancólico y más pegado al progresivo donde el piano toma un papel preponderante contrasta con el primero, buen cambio para el disco, aunque me sigo quedando con Hello Madness en la cabeza.

Change, vuelve a animar la atmósfera con un track más sencillo, más simple, más promedio en el género, pero que resulta.

El álbum tiene un pequeño toque de sofisticación en My Stranger con atmósferas de teclados, entrando en los terrenos del pop (y al arranque casi en el new age), sin dejar de ser un track bueno (traten de escuchar cómo se crece a partir de la segunda mitad, experimentos de sonido y todo), donde Hello Madness sigue tratando de encontrar un sonido que comienza a caracterizarse (quizá demasiado en ciertos puntos) por la voz y el piano de Alejandro… 

Continúa otro track bombástico, que no explosivo, inspirado por la música clásica y -sin guitarras distorsinadas, ni nada- por la etapa de metal de Alejandro (que no pueden disasociarse, cada etapa es parte del músico… vaya, a menos que vayas por el dinero nada más, difícilmente optarás por un género distinto sin la transición y evolución que escuchamos en este disco, suena pues, honesto): Emotions.

En un track a piano y voz, Once Again,  en donde se trata de llevar a esta última al extremo, Alejandro entrega un excelente track, en donde sobre todo la voz, viaja de lo íntimo a lo teatral con buenos resultados, otro buen cambio en el disco y más búsqueda de ese sonido propio que se gesta.

Regresa el rock con Far Away, noten la sección rítmica haciendo un excelente trabajo. Este track podría ser la envidia de algunas bandas británicas, con un par de cambios excelentes, un buen manejo de la voz y una melodía y letra pegajosa…. De mis tracks favoritos en el disco.

Stolen, continúa con el rock del track anterior manteniendo el mood (escuchen el final ”prog” a-la-genesis) y mostrando que no hacen falta guitarras para hacer buen rock (una declaración que bien puede aplicar a bandas como Keane, por si lo han leído en algún otro lado y casi una tendencia).

Not Feeling pone un ambiente un poco más sombrío (pongan atención a la batería) que, sin embargo a medida que crece se pone solemne y vuelve a desvelar la raíz progresiva y metálica con que el músico comenzó. ¡Buen track!

Here On My Lips y “la cajita de música distorsionada” arranca llena de teclados en un track melancólico que no se aleja mucho del resto de los tracks con ese mood en el disco, donde la voz es el matizador junto con el piano (como en casi todos los tracks) curiosamente lográndolo sin muchos cambios en lo que hacen sus cuerdsa vocales.

El disco cierra con el track que le da nombre al disco (igual que arrancó con el que da nombre al proyecto)… lleno de teclados ambients y donde la sección rítmica nos lleva de nuevo a un rock bien elaborado. Las raíces de sus otras bandas no dejan que las cosas salgan mal. Noten cómo el manejo de “coros y teclados” le dan otra dimensión al track, junto con los fondos de sintes. Otro de mis tracks favoritos.

Cambios en la voz, coros y agregar algunos otros instrumentos de repente, podrían llevar el proyecto a rumbos por demás interesantísimos. Si Alejandro no opta por esto, sin embargo, seguiremos disfrutando su música… lo ha hecho muy bien.

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