2007

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Sawed Off Sick: Den Of Iniquity

April 26, 2009 in 2007, Hard, Rock, United States/Estados Unidos/USA by Ciro Velazquez | No comments

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Sawed Off Sick
Den Of Iniquity (EDC Records)
2007
[rock]
Site: http://www.sawedoffsick.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/sawedoffsick
Eval: 3/5
Art(e): Josh Hall

Tracks

  1. Preach On (0:25)
  2. Damned Infatuation (3:11)
  3. Corruptuous (3:31)
  4. Save Me (2:39)
  5. Southbound 101 (3:23)
  6. Psycho Surf (2:12)
  7. Hell Tonight (4:03)
  8. Two Timin’ Baby (3:15)
  9. Damn It All (Miss Red) (3:34)
  10. No More (3:22)
  11. Take My Disease (4:09)
  12. Ginger’s Eye’s (5:37)

Músicos/Musicians

  • Nikatomic – guitarra + voz
  • Chris Parrish – contrabajo
  • BJ Hooker – batería
  • Rob Schumacher – batería (3,5,6,10,12)
  • P.C.P. – voz (coros)
  • Rumblin’ Rose – voz (coros)

con/with

  • Audrey Duncan – voz (7)
  • Joe Tucker – armónica (11)

Reseña/Review

Después de varias semanas de seguir trabajando en agregar los anteriores reviews y tratar de recuperar nuestro nombre original eufonia.net, terminé dándome cuenta de la cantidad exorbitante de material que tenemos en backlog para reseñar y/o colocar en el programa y tomé el primer disco en una de las tres grandes pilas (la de no haber escuchado más que una sola vez) que actualmente tengo en el cuarto de música. Le tocó pues el turno a Sawed Off Sick, una banda de Dallas, de un disco que dije por la portada que probablemente sería difícil para mí (portada negra con dibujos a manos que tendía a algo agresivo, cuando quizá no estaba de humor).

Puestas las manos a la obra, el disco arranca con un discurso de unos cuantos segundos de un detractor del rock… indicando que es un factor que contribuye al índice delincuencial y que es malo, malo…. Para arrancar con energía en la batería y guitarras lo que me pareció una especie de blues-rock energizado en Damned Infatuation (que quizá es algo genérico en varios tracks de la banda, que adereza lo suyo con rasgos de metal en varios de los tracks, que vienen más por las distorsiones que por el género que se usa).

La banda parece escucharse en algun lugar a la orilla de la carretera en Texas, casi que solo te falta escuchar de repente las botellas estrellándose contra la malla que los proteja… y los gritos de los parroquianos solicitando country y no rock. Así me imaginé las cosas a partir de Corruptuous, más rápida y divertida que la anterior.

El hard rock continúa en Save Me, que en algunos momentos me recordó a Títo & Tarantula por alguna extraña razón y la cosa continuó igual con el definitivo sello sureño de Southbound 101 (olvídense del título, escuchen el track, con rock & roll y hasta rockabilly, todo en medio de la agresiva distorsión de la banda).

Y vuelven a trasladarse a otro subgénero con Psycho Surf, que sin haber leído el título aparecía con reminiscencias de surf rock por el manejo de la guitarra y bajo… en estos últimos tiempos se diría “tarantinesco”. Y si no te parece suficiente el cambio, aguanta el inicio de Hell Tonight, lleno de un swing y con la voz de Nikatomic crooneando a medida que entra la pesadez y distorsión de guitarras y el acompañamiento de voz femenina en esta ocasión.

Y el disco continúa viajando con esa extraña combinación de hard rock, rockabilly, surf rock y densa pesadez y distorsión que puede resultar divertida y que al mismo tiempo te da la sensación de haber escuchado todo lo que presenta la banda.

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Dirt Jake Replicas: Dirt Jake Replicas

June 15, 2008 in 2007, Rock, United States/Estados Unidos/USA by Ciro Velazquez | 1 comment

Dirt Jake Replicas
Dirt Jake Replicas (Hyper Schwartz)
2007
[dark [post] alt prog]
Prod: Dirt Jake Replicas + Brian Colt
Site: http://www.dirtjakereplicas.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/dirtjakereplicas
Eval: 4.5/5
Art(e): Charise Marie

Tracks

  1. Bell (9:38)
  2. Mend (7:58)
  3. Raeleen (8:24)
  4. Gorde (10:37)
  5. Ambigris (11:09)
  6. (Part I, Part II) (11:39)

Músicos/Musicians

  • Dakota Max – voz
  • Ashley Beard - voz + teclados
  • Adam Gurr – bajo
  • Julius Panimdim – batería
  • Joshua Ash – guitarra

Reseña/Review

Con la peculiaridad que sus integrantes se encuentran en los extremos de la unión americana (“unidos” por el centro) explícitamente en Buffalo (New York), West Palm Beach (Florida), Los Angeles (California), Portland (Oregon) y Juneau (Arkansas), pereciese que se han acoplado desde siempre dado lo que entregan en este disco… bastante impresionante.

Sin decir que no he escuchado antes algo similar, Dirt Jake Replicas de veras que me metió en un aprieto para entender lo que estaban haciendo… es un alternativo lleno de tintes progresivos, o bien un post-rock más alternativo… whatever, las etiquetas siempre serán odiosas, el asunto es que es un concepto musical en donde cantan voz femenina y masculina… en tracks más bien oscuros… bueno… bastante oscuros y que quizá lo único que puede venir a la mente en flashes al escucharlos (y no nos confundamos, recuerden lo difícil e inútil de tratar de describir una experiencia sensorial como lo es la música: no se compara a Tool) es Tool, sin que sea Tool.

Bell arranca muy tranquila, con susurros vocales femeninos y masculinos mientras la batería y bajo comienzan a arreciar ya enmedio del primer grito desgarrador y luego gruñidos “metálicos” (o de nu-metal si lo quieren) de manera bastante peculiar, combinando en una misma palabra el canto y el gruñido… interesante… el track, largo presenta obviamente cambios (notorio el de enmedio del track, en donde todo vuelve a arrancar) y sincronización de todos los instrumentos (incluyendo voces) a momentos, característico del progresivo en un track bastante oscuro y bien ejecutado.

Mend sigue la línea aunque un poco “menos oscuro” (es un decir) y en donde las voces se acoplan bastante para entregar un track más movido, en donde todo se oye en su lugar (curioso, aunque no tanto, que no resaltan los instrumentos, quizá nada más las voces)… signo de madurez en una banda joven.

La calma llega con el inicio de Raeleen, donde guitarra, bajo y batería (platillos) se susurran entre sí y se van acoplando para dar entrada a los lamentos de la voz femenina de la banda, en un track que dentro de los estándares del disco permanece relativamente tranquilo, casi flotante, extraordinario (aunque tienes que estar de humor para este tipo de música, o bien dejar que te lleve y transforme tu humor) donde las voces hacen un excelente trabajo en los últimos tres minutos mientras todo el fondo (sobre todo el bajo y batería en este caso) se desempeñan de forma sobresaliente, un excelente track, de mis favoritos del disco.

Mientras batería y percusión van calentando el ambiente en un track que arranca tranquilísimo comparado con el resto del disco, en un inicio que es únicamente ritmo con la ayuda de la guitarra en un arpegio simple y las voces empiezan a juguetear de nuevo, Gorde se perfila para ser EL TRACK del disco en mi particular gusto. Más melódico, quizá igual de oscuro, pero con un áura etérea que te pone a flotar durante tres minutos, mientras explota la voz acompañada del resto de la banda, para volver a empezar nuevamente en algo más que el ritmo inicial… ¡Qué buen track! 

Platillos, teclados, bajo y rasgueos longitudinales de las cuerdas de guitarra inician Ambigris, que con el uso de piano va en crescendo continuo y llenándose de sonidos por todos lados (ecos de los mencionados rasgueos de guitarras principalmente); además noten el trabajo de la batería… ¡asombroso! en un track que privilegia a los instrumentos al menos en los primeros cuatro minutos, que nuevamente se oyen totalmente acoplados… Entra la voz femenina y las voces vuelven a tomar protagonismo unos minutos para luego en susurros volverse parte del ritmo que generan los instrumentos, entrar en un lamento a dúo para finalizar con más energía un largo track.

Cierra el disco con (Part I, Part II), track que sigue en la línea oscura del disco en un track donde ya sientes que reconoces lo que hace la banda… ya te acostumbraste a lo que están tratando de comunicar, ya los reconoces… buena banda, habrá que seguirle los pasos.

¿Eres de los que te gustan los tracks largos, llenos de despliegue… a veces mal llamados épicos (no todo lo extendido es épico) lleno de cambios y -en general- oscuros? ¿Te gusta el progresivo? ¿Te gusta lo alternativo?, ¿El post-rock?, incluso ¿Te gusta el metal? Dale un buen chance a Dirt Jake Replicas… escucha lo que hacen con la mayor atención posible y lo más probable es que no te arrepientas. Buen trabajo.

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Subject To Thoughts: From Sunrise To Sunset

May 31, 2008 in 2007, Progressive, Rock, United States/Estados Unidos/USA by Ciro Velazquez | 4 comments

Subject To Thoughts
From Sunrise To Sunset (Independiente)
2007
[ambient (prog) rock]
Prod: Subject To Thoughts
Site: http://www.subjectothoughts.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/subjecttothoughts
Eval: 3/5
Art(e):

Tracks

  1. From Sunrise To Sunset (11:51)
  2. Staring Into The Sky (4:34)
  3. The Light Seen (7:25)
  4. A Sign In Belief (6:36)
  5. The Powerful Serenade (4:37)
  6. Closer To Salvation (5:54)
  7. Whisper (5:39)
  8. Into The Horizon (9:19)
  9. The Morning Emerges (7:47)
  10. Beneath The Questions (6:14)
  11. Revelation To The Answer (6:03)

Músicos/Musicians

  • Mark Mendieta – guitarra + bajo + batería + teclados + voz
  • Brandon Strader – voz + guitarra (solos)

Reseña/Review

A unas tres horas de donde escribimos, en Brownsville, TX, Mark Mendieta sacó el año pasado el tercer disco en una entrega de cuatro álbumes en un concepto que terminará con The Culmination y proyecto que llama Subject To Thoughts y que en esta ocasión se acompaña de Brandon Strader sólo para la voz principal y los solos de guitarra.

Personalmente no había escuchado su material anterior, por lo que de mi parte no podría haber comparaciones, aunque dandome algunas vueltas por la red, parece que el concepto mejora con esta tercera entrega. Vamos pues a revisar lo que escuchamos durante unas semanas.

El álbum arranca con la homónima From Sunrise To Sunset, con un beat bastante letárgico que es ayudado por las voces para generar un mood lento durante casi 12 minutos que incluye pocos cambios en la estructura, aunque se alcanza a notar un tono progresivo en lo que hace la banda (curiosa selección para el track de entrada, dado que no puedo decir que sea el que despide más energía), sin embargo el mood oscuro y en lamento, así como algo que me cuesta explicar y que pueden ser todos los fondos de teclados y un par de cosas que hacen la guitarra en los solos, además de algunos cambios durante los 12 minutos, son razón suficiente para despertar la curiosidad y seguir escuchando.

Staring Into The Sky arranca más contundente, lleno de sonidos sintéticos que mandan el track por momentos cerca de un ambient-new age-electrónica, entrando luego la voz suave, (a veces por el procesamiento se llega a escuchar desganada), llena de ecos en un tono que baja la agresividad inicial del track que, al igual que el inicial, te mantiene atento hasta que llega un cambio que se antoja brusco,   como mínimo sorpresivo, después del silencio, un cambio finalmente pero el primero de varios en otros tracks que o bien se convertirán en un sello a asimilar por quienes sigamos a la banda o bien tendrán que trabajar más en lograr…  

 El mismo mood se hereda a The Light Seen, más pausada, casi en drone, con un cambio a mitad del track que funciona bastante mejor que en el anterior track, levantando el ánimo tanto en la canción como -diría yo- en todo el disco: llenando de guitarras y distorsión y animando el track, mientras teclados y sonido de piano eléctrico atrás mantienen el beat a lo largo de este segundo movimiento.

Uno de los tracks que más disfruté, lleno de teclados y guitarras saturadas (que no necesariamente distorsionadas) fué A Sign In Belief, donde el mood es bastante más alegre, llevados mucho por el beat de la sección rítmica que, sin ser acelerado, anima bastante el aura del disco y de nuevo un cambio después de un silencio que funciona, sin embargo existe otro cerca del minuto 4:30 que parece que le falta pueda embonarse mejor a la canción y hasta desorienta… en un track completamente instrumental.

Por cierto habrá que decir que el sonido en el álbum aunque se nota el esfuerzo por mantenerlo razonablemente bien cuidado (cosa que en lo general se logra), en varios momentos se alcanza a notar su manufactura casera, dejándonos en ciertas partes ese sonido que si se trabajase más, ayudaría disfrutar mejor el disco.

Con toques lejanos de psicodelia y de nuevo con un tiempo más pausado, las voces que se arrastran, The Peaceful Serenade, podría parecer que es con el tipo de track con el que la banda se siente más a gusto… un bajo lento con sonidos de piano y guitarras saturadas que se oyen bastante bien.

El disco continúa con un vaivén de tracks que aceleran más o menos el beat, dentro de un mismo esquema con algunos chispazos de genialidad dentro de las transiciones en los cambios de cada track (Closer To Salvation, que es uno de los tracks quizá más progresivos). El mood, composición y ejecución, sin embargo se reconoce ya, se reinterpreta  y, en ocasiones, podría estarse repitiendo de más… parecería que los músicos se autolimitasen a momentos (y no lo deben hacer: pasajes como el inicio de Into The Horizon lo muestran, pueden moverse en otras direcciones dentro del estilo ya impuesto).

El disco cierra con un track “suave” con sonidos de piano y fondos llenos de sintetizadores…. bueno, su “balada” que después del primer cambio se crece y acelera, dejando buen sabor de boca de lo que podrá hacer la banda cuidando algunas cosas. Desafortunadamente tuve problemas al escucharlo tanto en la computadora como en el estéreo… se cortó unas cuantas veces….

Este proyecto tiene potencial, entra en espacios que no son utilizados frecuentemente. Habrá que trabajar en pulir aún más el sonido y quizá (eso se lo dejamos obviamente a la banda) en algunos aspectos de la composición. Por lo pronto seguiremos esperando The Culmination y, con suerte, un quinto disco ya fuera del conecpto. 

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Daltonia: Fragmentos De Un Viaje

May 4, 2008 in 2007, Chile, Rock by Ciro Velazquez | 3 comments

Daltonia
Fragmentos De Un Viaje (Morbi Records)
2007
[electronic spoken word rock]
Prod: Cristian Céspedes
Site: http://www.daltonia.net
Tracks @ MySpace:
Eval: 3.5/5
Art(e): Cristian Céspedes + Liza Retamal

Tracks

  1. Incidente En Barcelona (2:47) Instrumental
  2. Paris Tren Bruselas (5:26) Instrumental
  3. Anoche (4:36)
  4. Domingo En Vondelpark (3:57)
  5. Partida – Descanso – Partida (4:58) instrumental
  6. Renuncio (3:47)
  7. Paseando En Christiania (4:49)
  8. Destino (4:57)
  9. El Último Hombre (4:27)
  10. Epitafio (2:56)

Músicos/Musicians

  • Juan Malmierca – teclados + samples
  • Cristian Céspedes – voz + teclados
  • Carlos González – guitarras + bajo
  • Benjamín González – batería + percusión

Reseña/Review

He de advertir antes de empezar que el estilo de narrar (no cantar) mientras tienes atrás música de fondo en un estilo más de performance que otra cosa, no es mi estilo preferido, casi todo lo contrario, este material incluye muchos cortes en este estilo, por lo que trataré de concentrarme más en la música que en la obra total de los tracks con letras. Aunque el esquema es de entender, siendo el creador del concepto un poeta: Céspedes.

El disco arranca con dos tracks instrumentales, donde se muestra la combinación de electrónica, efectos e instrumentos básicos que la banda manejará a lo largo del disco: desde el arranque con efectos de agua de Incidente En Barcelona que se van acompañando de bajo, guitarra y batería, mientras el track va creciendo y termina de nuevo con efectos, en este caso de sirenas… algo sucedió en Barcelona. París Tren Bruselas comienza (y continúa) con una sección rítmica sólida que se mantiene a lo largo de todo el álbum: contundente y portentosa en un track que bien podría ser parte del soundtrack de una película de acción. Buen track y donde la banda muestra cohesión y conjunto y una buena fusión con teclados y efectos electrónicos. Un track contundente.

Anoche es el primer track con letra y en donde el concepto del disco se muestra en plenitud: la narración literaria de la estancia en Europa, pareciendo más una disertación, una obra casi de poesía urbana, con letras explícitas, narrada por Cristian Céspedes con un característico acento chileno. Mientras atrás, la música hace un tremendo trabajo, de nuevo funcionando elementos de electrónica de los teclados de Céspedes con un rock que tiende a hard, nótese de nuevo la sección rítimica, sobre todo el bajo.

Luego, los sonidos de naturaleza (aves y perros) dan comienzo a la continuación de la narración de las experiencias del viaje por Europa en Domigo en Vondelpark ahora con música que tiende en su arranque al dance y se transforma en un jazz muy agradable, dulce, exactamente de domingo en parque, lleno de samples y efectos, mientras la batería hace un excelente trabajo y el bajo le sabe acompañar.

Más jazzeo con un bajo buenísimo mientras la batería se mueve impresionante y los teclados llevan la melodía en otro track bastante más iluminado en el comienzo que sus predecesores, Partida… comienza a transformarse en una especie de trance que maneja un par de cambios en sus casi 5 minutos y donde de nuevo la sección rítimica termina haciendo una delicia de track.

Un contundente “Renuncio!”, sin música anuncia en el track homónimo una  reflexión sobre el existir mismo, mientras el track de fondo, al estilo de los primeros tracks: oscuro y contundente, apoya de algún modo el performance de las palabras, mientras se transforma gracias a la guitarra en un interesante jazz…

Percusiones es lo que avanza Paseando en Christiania, un track que cambia de alguna forma el mood, aunque el beat parezca el mismo: los teclados trabajan excelentemente aquí dando pie a una guitarra acústica que de fondo tiene una eléctrica que te elevan y en serio. Esperen a que la batería imponga ritmo y el track comienza a conformarse mientras entra despacio, suave, pero sin titubear un bajo que termina de envolverte en el que quizá el el track que más disfruté del disco. Un track de rock, sólo eso.

Los teclados aparecen de nuevo, casi continuando Christiania, mientras las palabras se agregan a Destino, mientras sonidos saturados llenan el fondo de un buen rock. El Último Hombre, entrega por su parte un rock en trance, dejando que guitarra y bajo hagan de las suyas a lo largo de todo el track con buenos resultados.

Epitafio regresa a la narrativa poética de Céspedes, mientras en el fondo una amalgama de sonidos en remolino hacen de fondo en un track en donde al preguntarme cómo se escucharían las letras cantadas, quizá el concepto de Daltonia funcione mejor, en una buena conclusión de una obra interesante.

Quienes disfruten de música con narraciones o bien performance o bien un concepto más poético seguro darán una calificación de al menos un punto más. El concepto, las letras, la narrativa son interesantes, pero por sobre todo la composición y la ejecución son de primera. Esperaremos la siguiente encarnación y resultados de lo que hagan estos músicos/poetas.

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Djilia Phralengo: Rheliq

March 16, 2008 in 2007, Fusion, Metal, Mexico/México, Progressive by Ciro Velazquez | 2 comments

djiliaphralengo rheliq

Djilia Phralengo
Rheliq (Firenight Records)
2007
[progressive renaissance metal fusion]
Prod: Firenight Records
Site: http://www.djiliaphralengo.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/djiliaphralengo
Eval: 4/5
Art(e): Ella Riddle + Roger Wiedyk

Tracks

The Theft Of Fire

  1. Waking Of Ishtar (3:42)
  2. Lamento (4:38)
  3. Oceans (4:05)
  4. Enki (4:14)
  5. Hall Of The Gods (5:41)
    1. Revel
    2. Theft Of Fire
    3. Challenge And Victory
  6. Ereshkigal (1:47)
  7. Enchantment (0:56)
  8. Wrath Of Ishtar (2:27)
  9. The Underworld (3:15)
    1. Descent
    2. Guardian Of The Underworld
    3. Veil Of Death
  10. Death Of The World (2:54)
  11. Elementals (2:12)
  12. Final Battle (3:17)
  13. Triumph Of Ishtar (4:27)
    1. Celebration Of Fire
    2. Crowning Of Ishtar
  14. Eidolon (3:20)
  15. Kindred Strings (2:43)
  16. Lough Neagh (2:52)
  17. Soledad (4:52)
  18. Remembranza (4:00)
  19. Rheliq (3:47)

Músicos/Musicians

  • Ernesto Villarreal – guitarras acústicas y eléctricas + charango barítono + vihuela española + laúd español + cistro renacentista + piano + sintetizador + bajo + pennywhistle + cajón español + djembe + programación + voz

con/with

  • Elizabeth Courier – voz (soprano)
  • Judy Plester – violín
  • Rune Palland – dumbek + riq
  • Richard Perry – didgeridoo + djembe (6)
  • Nuncha Marañón – flauta barroca (5)

Reseña/Review

Djilia Phralengo es Ernesto Villarreal, orgullosamente mexicano y éste es su proyecto de fusión (con influencias de metal, rock progresivo, música renacentista y de oriente medio, vaya, hasta flamenco se oye a momentos) con un origen de metalero apasionado (Ernesto es ex-Hydra, que luego evolucionaría a Elfonía). Este es su tercer disco.

El disco sale de lo normal por la mezcla de géneros y el tono que pone a cada track, manteniendo una cohesión razonable a lo largo, al menos, de su mini-opera The Theft Of Fire, que narra las peripecias de la diosa Ishtar y su hermana Ereshkigal en el clásico enfrentamiento entre el bien y el mal.

Comienza la historia con exóticos sonidos de guitarra “sarracena”, morisca, acústica, dejando irrumpir a la guitarra eléctrica aullante. Entra luego la voz de Ernesto que pronto se acompaña por la de Elizabeth Courier, de modo casi operístico. Dando paso con un silencio que quizá hubiese sido bueno evitar a lo largo de todo El Robo del Fuego a un track cantado -tal como lo indica- en Lamento en español agregando a la mezcla de géneros, también una mezcla de idiomas de la que puede o no salir airoso dependiendo del público que escuche.

A partir de Oceans, más elaborado, acompañado de violín y manteniendo ese aire de desierto que es parte de la historia, las cosas comienzan a ponerse cada vez más interesantes: la distorsión metálica de las guitarras muy en el fondo de Enki, mientras se mantiene un impasse de lentitud en el beat (escuchen la evolución de la guitarra a lo largo de todo el track) en este track cantado en inglés; igualmente, la suite de The Hall Of Gods con sonidos renacentistas, apoyados en su inicio (Revel) con la flauta, el flamenco algo jazzeado de la segunda parte (Theft Of Fire) y el final cantado (también en inglés) a coro que le da ese aire de opera a toda esta narración, súper cool (ojo de nuevo a la guitarra eléctrica hacia el final del track); el pequeño puente ambient-metálico de Ereshkigal, seguido del más corto y fantástico (me dió la impresión de estar enmedio del sountrack de un Conan, con todo y Poledouris) y la historia va creciendo hacie el clímax lleno de metal, mientras pasas por The Underworld, tranquilizándote un poco en la tristeza de Death Of The World, pasando por el pasaje atemporal-medieval de cistro y charango (excelente, por cierto) de Elementals, hasta llegar a la batalla final donde toda la fusión antes mencionada explota comandada por ese background de metal que Ernesto tiene y donde se ve que se siente tan a gusto y que termina con un final feliz (también lleno de destellos metálicos a cargo de la guitarra) en ese track tan lleno de opera rock (Ayreon y todo presente) que es The Triumph Of Ishtar, con todo y leitmotiv, finalizando con bombo y platillo su opereta.

He de reconocer que por alguna razón en la primera escuchada me dió la sensación de que se notaba demasiado en esta narración musical que era el esfuerzo de una sola persona más que el de una banda, desconozco el proceso en el que esta mini-ópera se llevó a cabo, y aunque después de la tercera escuchada esto pasó a último plano y más bien me dediqué a disfrutar lo que Djilia Phralengo entrega, creo importante mencionarlo.

Siguen una serie de tracks que podrían hasta ser parte de la ópera, aunque luego se despega en esa fusión (a mi parecer muy interesante, que está desarrollando Ernesto), entregando incluso motivos celtas (Lough Neagh, quizá uno de mis tracks favoritos en todo el disco, excelente fusión con el jazz), espacios jazzeados, algunos otros oscuros, algunos motivos gitanos, otros hasta pomposos en una amalgama (escuchen bien la preciosa Soledad)  que está tratando de ser definida y llevada a la luz en un marco que se está acercando a una coherencia y estilos musicales muy únicos.

Djilia Phralengo, además, hace uso de multitud de instrumentos, combiando desde silbatos hasta programaciones y sintetizadores, pasando por infinidad de instrumentos de cuerdas hechos, digamos que a la medida y músicos invitados para completar el cuadro. El resultado es bastante bueno. Si acaso hubiese esperado en algunas secciones una verdadera batería para de plano llevar el disco a la altura que la composición y el entusiasmo que se ha impreso merecen.

En no menos de una ocasión, la música de Djilia Phralengo parecería capaz (y suficientemente capaz, diría yo) de acompañar la voz de Loreena McKeenit en sus últimos dos discos. Esa influencia mediterráneo-arábiga es notable (Ereshkigal, el inicio de Wrath Of Ishtar son claros ejemplos de lo que indico o bien Oceans) en varios tracks.

No tengo el gusto de haber escuchado Oracle, su anterior disco, ni mucho menos el inencontrable Belomancy, seguro ha ido evolucionando y avanzando en este proyecto, estamos ante uno de los pasos y ”pinceladas” finales antes de tener esa obra maestra que seguramente pronto se entregará.

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Days Between Stations: Days Between Stations

March 6, 2008 in 2007, Rock, United States/Estados Unidos/USA by eufonia | 5 comments

daysbetweenstations

Days Between Stations
Days Between Stations (Bright Orange Records)
2007
[post art prog rock]
Prod: Days Between Stations + Jon Mattox
Site: http://www.daysbetweenstations.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/daysbetweenstationsband
Eval: 4.5/5
Art(e): Sepand Samzadeh

Tracks

  1. Requiem For The Living (13:25)
  2. Either/Or (7:33)
  3. Intermission 1 (2:13)
  4. How To Seduce A Ghost (4:55)
  5. Radio Song (4:23)
  6. Intermission 2 (1:36)
  7. Laudanum (22:13)
    Part I: A Long Goodbye
    Part II: Every One Is Here But You
    Part III: Nowhere
    Part IV: The Wake

Músicos/Musicians

  • Oscar Fuentes – piano + sintetizadores + programación + guitarra acústica (3) + bajo (5)
  • Sepand Samzadeh – guitarras + sintetizadores + vocoder (5)

con/with

  • Jeffrey Samzadeh – voz (1)
  • Jeremy Castillo – slide guitar (1) + guitarras (4, 7)
  • Jon Mattox – batería + percusión (1,2,4,5,7)
  • Vivi Rama – bajo (1,2,4,7)
  • Hollie – voz (2)
  • Marjory Fuentes – voz (3)
  • Jason Hemmens – sax (5,7)
  • Sean Erick – trompeta (5,7)
  • Kevin Williams – trombón (5,7)

Reseña/Review

by Ciro Velázquez

Whoa!

¡Vaya trip el que regala este dúo basado en Los Angeles!. Comienzas con un ambient con 6 minutos en donde tienes toda la sensación del post, con la añadida angustia de estar escuchando un anticlímax, a pesar de la excelente entrada del bajo y donde apenas lo que oyes son lamentos iraníes (y no me interpreten mal: esto realmente te tiene a la espera de qué sigue, no lo digo en tono negativo: todo lo contrario, el track logra dejarte 6 minutos en suspense y nunca quise darle fast forward al track, ¡vaya sensación!), luego la cosa cambia y comienzas a sentir que estás escuchando a la versión americana de Pure Reason Revolution, hasta llegar al último par de minutos con un pequeño Grand Finale… y es sólo el primer track: Requiem For The Living. De veras que desde los primeros sonidos del disco sabes que tienes algo importante enmedio de los oídos (y, por cierto, también entre las manos, la presentación del disco también es muy buena).

Oscar y Sepand aparentemente han sudado la gota gorda para lograr sacar este material y puedo decir para ambos y para uds. que nos leen, que cada gramo de esfuerzo ha valido la pena. Este disco es impactante. Te lleva por varios sub-géneros que van como ya mencioné, del post, pasando en ocasiones por pasajes de psych rock a-la-Floyd, tintes de progresivo  (escuchen el rock bañado de psych de Either/Or) y mucho, mucho, mucho rock. Como dato curioso, las primeras escuchadas del disco no sabía como clasificarlo, lo que más se acercaba y quizá es en el primer track era Pure Resason Revolution, pero había post, había psych, había progresivo… reviso la definición que los músicos dan a su estilo y pues uno de ellos dice que hacen art-rock mientras el otro lo define como post prog… finalmente son etiquetas, pero me dió gusto coincidir. Con todo y el manejo de varios subgéneros en el disco, sin embargo, la bnada logra una consistencia a lo largo de todo el álbum. Como músicos, este dúo hace un muy buen trabajo, y en esta entrega se hacen acompañar de parientes y amigos músicos que se siente que fuesen parte de un esfuerzo de años: todo parece perfectamente escogido para el resultado final: todo se escucha cohesionado.

El álbum es prácticamente instrumental con algunas voces en off (Intermission 1) los avisados lamentos en el track inicial y otras vocalizaciones (Hollie en Either/Or, que hace un trabajo desgarrador como en un concierto de Floyd). El mood del album es, por cierto, bastante oscuro aunque esto es quizá lo último que distingues enmedio de tanta energía auditiva.

El uso escaso pero eficaz y oportuno de los alientos (trompeta, sax y trombón) en Radio Song deja entrever que la banda puede intercalar otro tipo de sonidos y no se va a quedar en lo básico. Las cosas suenan interesantísimas en un track que tiene más componentes de tipo electrónico (“simple” uso de teclado y vocoder) y que va creciendo y creciendo y no te esperas el trabajo de los ya mencionados alientos hacia el final del track (pónganle también mucha atención a los últimos dos minutos del track final: Laudanum donde los instrumentos adquieren otra dimensión y -a mi gusto- más justa).

Luego del segundo intermedio llega “el” track del disco: los 22 minutos de Laudanum, con sus cuatro movimientos es un track que de la sensación de simpleza y elegante sencillez. Y esto se dice fácil, pero es de las cosas que considero más difíciles de lograr. La combinación de guitarras lacerantes (que no necesariamente explosivas, sobrevirtuosas o protagónicas y francamente es lo que menos esperaría aquí: no es un disco de un guitarrista solista: éste es el disco de una banda que ha trabajado para hacer su música) con el tranquilo sonido de los pianos y una sección rítmica que hace sólidamente su trabajo (ojo con el bajo) con una batería que anda más en el jazz en muchos pasajes, las percusiones y el uso del sax, la sección en donde los alientos hacen su trabajo, hasta se alcanza a escuchar -quizá por las guitarras- alguna reminiscencia del Ek-Tunkul de Jorge Reyes….francamente esta suite es una delicia… no quieres que acabe.

Impactante disco. Se dejó la vara bastante alta en espera del siguiente disco. Queremos que lo logren para seguir disfrutando de lo que hacen Days Between Stations.

Whoa!

by Jesús Díaz

 

He leído muchas reseñas entusiastas (como la de Ciro) sobre este disco y es con enorme alegría que confirmo que “rumors are true”, estamos ante un discazo. Lo que me sorprende aún más es que venga de una banda de apenas dos músicos (más invitados) y que además, sea en un tipo de música que es difícil de gustar a la primera. Me explico: es música predominantemente instrumental y además con un contenido visual o cinemático inusual hoy en dia, lo cual demanda más al escucha porque lo obliga a intentar asociar lo que está escuchando a alguna imagen o idea . Súmale a esto que es apenas su primer disco y entiendes entonces que la promesa de lo que vienen es -por lo menos- un compromiso gigantesco. Como cereza en un pastel, Oscar es orgullosamente mexicano y se encarga de recordarnos que el talento no sabe de geografía.

La música podríamos decir que tiene elementos del progresivo actual, como las texturas sónicas modernas a la Porcupine Tree (en sus momentos más espaciales) y algunos elementos instrumentales retro estilo Lunar Sea de Camel o Great Gig In The Sky de Floyd (ambos en la preciosa Either/Or que es mi favorita del disco). Pero no se queda ahí, incorpora fugazmente elementos tecno de manera juguetona y humorística en Radio Song, donde quizás tengamos un excelente ejemplo de progresivo bailable (¡Gulp! no creo que yo haya dicho esto).

Podría repasar canción por canción pero creo que mi compañero eufónico lo ha hecho de una manera inmejorable, por lo que quizás solo me remitiré a recomendar ampliamente este disco. Creo que ocuparía un lugar importante en cada casa de algún melómano que añore tiempos pasados pero que quiera vivir en el presente, con los elementos del presente. Sería demasiado darle una calificación perfecta porque éste es apenas su primer intento, y esa media nota que les falta para alcanzarla se le debe reservar a aquellos que lo intentan una y otra vez, sin cesar. Es pues, producto del esfuerzo.

Aun así, ¡Carajo! que buen inicio. Estaremos desde YA esperando su próximo trabajo.

 

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Touchstone: Discordant Dreams

February 19, 2008 in 2007, AOR, Progressive, United Kingdom/Reino Unido/UK by Jesus Diaz | 1 comment

touchstone discordantdreams

Touchstone
Discordant Dreams (Heavy Right Foot Records)
2007 [09.01]
[progressive AOR]
Prod: Touchstone
Site: http://www.touchstonemusic.co.uk/
Tracks @ MySpace:
Eval: 4/5
Art(e): Adam Hodgson

Tracks

  1. Intro (1:35)
  2. Discordant Dreams (5:56)
  3. Curious Angel (4:45)
  4. See The Light (7:01)
  5. Being Hannah (5:11)
  6. Shadow (6:47)
  7. Winter Coast (0:22)
  8. Ocean Down (2:23)
  9. Blacktide (5:49)
  10. Dignity (5:43)
  11. The Beggar’s Song (11:04)
  12. Hidden Track (6:52)

Músicos/Musicians

  • Rob Cottingham – voz + teclados + efectos
  • Kim Seviour – voz
  • Adam Hodgson – guitarras
  • Paul Moorghen – bajo + voz (coros)
  • Al Melville – batería

con/with

  • John Mitchel – guitarra: segundo solo (10)

Reseña/Review

Primer disco de larga duración de esta banda de inglesa (tenían un EP editado anteriormente). Touchstone toca una mezcla de rock clásico bordeando en el AOR, con fuertes tendencias progresivas agradables al oido. Recientemente, fueron galardonados como best newcomer por la Classic Rock Society, prestigiosa organización inglesa que se encarga de preservar los intereses del progresivo.

Discordant Dreams Es un disco que se escucha fácilmente, sin sobresaltos -para bien o para mal-. Los músicos, en especial el guitarrista y el tecladista son muy competentes, colaborando con buenos arreglos y solos. Desafortunadamente, la sección rítmica está, para mi gusto, por debajo del resto de los estándares de la banda; creo que son buenos músicos, pero el bajo se limita a seguir el tiempo y la batería es monótona y por momentos suena hasta mecánica. La combinación de vocales masculinas/femeninas le va muy bien al tipo de música y pueden llegar a hacer armonías hermosas como en el intro de The Beggar’s Song Part 1.

Las composiciones son muy buenas en su mayoría, con melodías memorables y con arreglos suntuosos, sin embargo la estructura es en la mayoría de los casos demasiado simple, lo cual podría alejar a los más acérrimos progresivos. Hay momentos verdaderamente impresionantes que debieran de explotar mas como el pasaje instrumental de Dignity y los solos de guitarra desgarradores del final de la épica Beggar’s.

Prometedor inicio y con algunas buenas decisiones su siguiente disco los pondrá en primer plano de la escena progresiva mundial. El potencial está allí.

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Nemo: Si Partie II – L’Homme Idéal

January 29, 2008 in 2007, France/Francia, Progressive, Rock by Jesus Diaz | 1 comment

nemo sipartieii

Nemo
Si Partie II – L’Homme Idéal (Quadrafonic Quad)
2007
[progressive rock]
Prod:
Site: http://www.nemo-world.com/
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/prognemo
Eval: 4.5/5
Art(e):

Tracks

  1. Introduction À La Différence (5:36)
  2. Les Enfants Rois (2:45)
  3. Même Peau, Même Destin (9:02)
  4. L’homme Idéal (1) (4:36)
  5. Reflets (10:40)
  6. Décadanse (2:02)
  7. Une Question De Prix (6:34)
  8. Une Question De Temps (5:15)
  9. L’homme Idéal (2) (4:21)
  10. Les Visages Du Monde (5:42)

Músicos/Musicians

  • Guillaume Fontaine - teclados + voz
  • Lionel B. Guichard - bajo + voz
  • JB Itier - bateria + voz
  • JP Louveton - guitarras + voz solista

Reseña/Review

Quinto y último disco de estudio de esta banda de progresivo francesa. Tengo el gusto y privilegio de haber escuchado todos ellos y puedo dar fe que esta banda es un claro ejemplo de inspiración, dedicación y esfuerzo. Cada uno de los discos es mejor que el anterior. Para los tiempos de Si Partie I pensé que ya habían alcanzado el pináculo de sus habilidades y con gusto doy parte de que estaba equivocado.

Este último disco – conceptual por supuesto – sigue explorando líricamente el lado avaro de este género subvaluado nuestro que es el humano. Pero lo que nos trae aquí es la música y aquí hay en abundancia.

El sonido de la banda se ha ido depurando. En sus primeros discos la discrepancia entre los sonidos duros, casi metaleros y los sinfónicos eran demasiado excluyentes. Me explico: las canciones o pasajes que incorporaban estos tipos de arreglos no fluian con toda naturalidad. Había ademas “huecos”, por decirlo así, donde casi se podía escuchar un vacío que debía haber sido llenado por alguna nota. Eso era antes, ahora es otra historia.

Puestas las bases históricas, podemos decir que el sonido de Nemo en esta maqueta es completo, casi esférico, sin ninguna fisura. La música fluye, es suficientemente compleja para mantener el interés de los fans del progresivo, pero melódica para poder dejar rastro en la memoria inmediata, casi instintiva del escucha promedio. Los sonidos duros y suaves siguen ahí, pero ahora conviven sin dejar la sensación de que estuvieramos escuchando dos bandas diferentes. Sería injusto resaltar el trabajo de algun instrumento particular, pues creo que se ha hecho un trabajo consciente por parte de la banda en que se escuche un todo, sin embargo, voy a hacer énfasis en las vocales por el solo hecho de que siempre le doy valor extra a aquellas bandas que tienen las agallas de cantar en su lengua materna, al margen de perder un potencial mercado anglofílico.

Si he de quedarme con un solo track, sería Reflets, que engloba todo lo bueno que tiene esta banda. No le doy una calificación perfecta porque creo que la calidad de la grabación aún puede mejorar, pero en términos de ejecución-composición, Si Partie II y su antecesor (Si Partie I) son unas pequeñas obras maestras de nuestro tiempo.

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Fair To Midland: Fables From A Mayfly – What I Tell You Three Times Is True

January 27, 2008 in 2007, Alternative, Metal, Progressive, Rock, United States/Estados Unidos/USA by Ciro Velazquez | 2 comments

fairtomidland fablesfromamayfly

Fair To Midland
Fables From A Mayfly: What I Tell You Three Times Is True (Universal Records/Serjical Strike)
2007
[prog nu metal]
Prod: David Bottrill
Site: http://www.fairtomidland.com
Tracks @ MySpace: http://www.myspace.com/fairtomidland
Eval: 4.5/5
Art(e): James Riches

Tracks

  1. Dance Of The Manatee (4:10)
  2. Kyla Cries Cologne (4:01)
  3. Vice/Versa (3:55)
  4. The Wife, The Kids, And The White Picket Fence (3:29)
  5. April Fools And Eggmen (4:45)
  6. A Seafarer’s Knot (4:11)
  7. A Wolf Descends Upon The Spanish Sahara (4:13)
  8. Walls Of Jericho (3:46)
  9. Tall Tales Taste Like Sour Grapes (4:02) 
  10. Upgrade Brigade (5:16)
  11. Say When (7:15)

Músicos/Musicians

  • Brett Stowers – batería
  • Cliff Campbell – guitarra
  • Darroh Sudderth – voz
  • Jon Dicken – bajo
  • Matt Langley – teclados

con/with

  • Claudio Vena – violín + viola (8,9)

Reseña/Review

Fichados personalmente por Serj Tankian (System Of A Down) para su sello. Esta banda de Dallas se considera completamente ecléctica, lo que se comprueba a lo largo de este album donde algunos tracks se llenan más de la agresividad y los gruñidos de bandas que andan en el nü metal (y hasta thrash) y en otros se llena más de pinceladas progresivas y hasta pasajes dulces dentro de la estridencia organizada y bien ejecutada de esta banda . Narro lo que sucedió en la tercera escuchada (ahora sí a fondo), la definitiva para escribir esta reseña de un disco que es una pequeña joya:

Al inicio, imaginé -por la agresividad de las guitarras y la voz- otra banda más de nü metal, en un track muy en esa onda y que aparentemente fué el hit en su presentación en Coachella 2007, Dance Of The Manatee…. y sí, es bueno… si te gusta el género, aunque notas también algo que no logras descifrar en esta primera canción… que goza de gruñidos y cambios impactantes (recordando a varias bandas a lo largo del track, incluyendo a System Of A Down, por cierto, pero con un uso de rangos vocales impresionante, sin ser lo que más llame la atención), sonido muy americano y bueno…. debo seguir escuchando el disco.

El inicio a base de teclados y guitarra arpegiada de Kyla Cries Cologne con el clásico cambio a la estridencia de la guitarra distorsionada (pero con el piano atrás) y la entrada de la batería cambia mi percepción de la banda un poco. Sigue siendo nü metal, pero algo (quizá en los primeros versos de la voz, únicamente) me recordó a A Perfect Circle y la cosa se pone en extremo interesante, sin que éste sea el track más atractivo, pero los sentidos deben poner más atención.

El disco comienza entonces a usar sonidos y estilos de varias partes: de nuevo una voz a-la-Keenan al inicio en Vice/Versa, sonidos tranquilos que se violentan (se disfruta mucho la sección rítmica), voces y notas más dulces enmedio de los arranques de distorsión en The Wife, The Kids…, y así sucesivamente, sin quitar más que por algunos segundos en ciertos tracks la etiqueta de un nu metal bien elaborado con atisbos de lo que sea que hagan Tool o A Perfect Circle… indescifrable… (sino escuchen el intro de teclados de A Seafarer’s Knot).

El disco -en mi opinión- da un giro impresionante (y vaya que esto es un decir, porque a veces esto sucede no una sino varias veces en un mismo track) a partir de A Seafarer’s Knot, acercándose más y más a ese género sin nombre que ha alimentado Tool en los últimos años (y NO digo que suenen igual, aunque los haya producido el mismo Bottrill) y así se sigue con cosas que aparentemente pueden ser más tranquilas y que -en mi opinión- suenan más elaboradas.

Esto no se puede deber más que a una excelente ejecución de los músicos, una composición que se atreve a hacer de todo y todo funciona. Debo decir que los teclados juegan un papel importantísimo en la banda (y no porque sobresalgan, sino porque están puestos en el lugar adecuado en los momentos adecuados), que cuenta también con una base rítmica sólida, brutal -diría yo- si lo juntas con las guitarras.

Dicho lo anterior, pónganle atención a lo que sucede con Tall Tales… y el violín (¡excelente track! escuchen la guitarra), Upgrade Brigade (de nuevo la guitarra, pero ah que bién trabajan los teclados y ni que decir de el bajo y batería… aunque esto sucede en toooodo el disco) y por sobre todo a Say When y su larga introducción de teclados (uno de mis dos tracks favoritos del disco), solos de guitarra, un mood que envuelve y el final… mejor escúchenlo.

Fair To Midland muestra que las etiquetas son obsoletas y que la unión sensible, entusiasta e inteligente de influencias e ideas de los varios miembros de la banda pueden lograr frutos muy interesantes: todo se vale, si sabes lo que quieres hacer y tienes la habilidad para hacerlo.

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K. Leimer: The Useless Lesson

January 25, 2008 in 2007, Ambient, Experimental, United States/Estados Unidos/USA by Jorge Salinas | 1 comment

kleimer theuselesslesson

K. Leimer
The Useless Lesson (Palace of Light)
2007 [04]
[ambient]
Prod: Dorothy Cross
Site: http://www.palaceoflights.com/kleimer/index.html
Eval: 3/5
Art(e): Tyler Boley

Tracks

  1. The Force Closed Our Eyes (5:38)
  2. Declining Need Of More (13:55)
  3. Music That Conceives Itself As Music (3:48)
  4. Anosognosia (12:51)
  5. Trio (Sentimental music) (5:25)
  6. Long After Dowland (16:20)
  7. Declension Of Need (7:26)

Músicos/musicians

  • Kerry Leimer - teclados + sonidos

con/with

  • Leo Abrahams – guitar (6)
  • Anode – field recordings (2)
  • Dwight Ashley – (4)

Reseña/Review

It is always difficult to review an ambient album. There are very few musical constructions to point at for reference, hence most articles I’ve read fall somewhere along the lines of a wine review, describing color, texture, aroma and flavor notes. Also there is an inclination to compare to other works, Eno, Namlook, et al., and that, while it can be effective to reach the genre lovers, a new listener of ambient can be dumbfounded or even deterred from exploring these works. So, in that spirit I shall try to review the album and for the casual hardcore ambient fan, I shall wrap it up with some comparisons to booth.

(Note: for a briefer description of the album jump the next seven paragraphs.)

The opener is a oscillating string arrangement, with bright notes and slightly uplifting. A few drops of piano here and there sort of gives it a few steps to hold on to, but pretty much the track keeps moving from one side to the other holding chords at different intervals. It might be a low key intro to a quiet drama movie, it feels tense somehow.

Failing Need Of More, is a bit more sophisticated, there are more acoustical elements that can be heard throughout the development of the track. Again, there is a cyclical quality to all the notes that conform the body of the music but now there are overlapping cycles with different timetables, which makes it sound richer. The feeling it evokes, especially while it nears the end, takes me to a cold rocky beach front, where the ever moving city is behind me, mixing its noises into a mutating hum, while the crisp gray sea expands forever in front of me; there are cars, and people around, but there is no discernible sound coming from them, they just add tones to the buzzing humanity around me. It is as if there is nothing more that I need to be there, there is no requirement for me to be happy, but to enjoy the moment, in its simplicity and grandiosity.

The strings return playfully in the third track, Music That Conceives Itself As Music, but now they come with fiends, percussions, and they want to play around with rhythm. Perhaps the least ambient track of the album, while being interesting, it hardly gets going anywhere before it dies.

Anosognosia makes its debut with force, it wants you to treat it seriously. The deep percussion generates a tension and creates a vast container, these are not airy sounds, this has purpose, it has a frame, there is meaning for the agony. There are shrill voices that sing something not easily told, and they appear constantly, from all sides, sometimes feeling so desperate that they bounce of the walls, the walls of that deep percussion has made to encase all of this. Half way through there is an indication that there may be a solace to those cries, they seem to implore now, to beg, but the walls are building themselves again, slowly but surely, but now they want to present themselves not as captors but as companions, they are not really there.

The fourth track is as its title suggests, Sentimental Music. The strings play a melody and create a pad as background for it. It is mainly melancholic and is interrupted continuously as if to let the newly formed idea to sink in. Nearing its end, a booming force begins to appear and the sentimentality gives way to passion.

Long hallways and perhaps a total immersion observatory are in store for whoever listens to Long After Dowland. Completely atmospheric, its best suited for pondering hard ontological conundrums.

A church bell tolls behind a hill while you walk on a misty green meadow, perhaps some inspiration will arrive to help you overcome some of life’s obstacles. The music from Declension Of Need tells you, there is nothing more than being and whatever else is just superfluous, enjoy the moment.

OK, so enough corniness. Now, first advice, don’t read whatever the author has to say about this record. It’s a lesson alright, but a lesson to not over-conceptualize your music. Yes, as Leimer says, the album is a study in cyclical construction and deconstruction of musical cannon, and therein lies the album’s strong and weak points altogether.

Redundancy and looping has always been a part of ambient music, but it can be boring as it certainly gets to be at some parts of this album, especially at its start and its finish. Steve Reich did it masterfully thirty years ago, thank you very much, so the attempt to do something similar in the third track comes way short. The played out notes sound more elegant coming from Eno, and I would rather listen to Gorecki for string atmospheres; wich leads me to note that the strings here are desperately misused and I feel tempted to say that perhaps it would have been better to forgo the use of conventional instrumentation and just rest on synthetic pads as in the most relevant tracks 2 and 6.

The sampling could have been better and the percussions seem too conventional somehow. Again, perhaps it wasn’t the intention of the author to create another ambient album, it may as well be the musical musings tat Leimer want them to be, but it feels conventional in the end. It’s not a bad record I should say, but hailing it as something it’s not is counterproductive in any case.

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